Grand Budapest Hotel macht aus einem Krimi eine Ausrede für Wes Anderson, sein bisher aufwendigstes Puppenhaus zu errichten. Jede Einstellung wirkt, als sei sie mit der Pinzette zusammengesetzt und von Hand bemalt worden, doch die penible visuelle Perfektion erdrückt nie die darunterliegende Geschichte. Ralph Fiennes trägt seine Dialoge vor, als dirigiere er ein Orchester aus Etagèren und Portierklingeln. Der ganze Film lebt von einem so konzentrierten Charme, dass er eigentlich eine Warnung bräuchte. | © Fox Searchlight Pictures
Whiplash verwandelt die Musikschule in ein psychologisches Kriegsgebiet, in dem ein junger Schlagzeuger von einem Dirigenten, der glaubt, Grausamkeit führe zu Größe, langsam zerstört wird. J.K. Simmons spielt hier nicht einfach nur den Bösewicht; er wird zu einer furchteinflößenden Macht, die den Zuschauer hinterfragen lässt, ob künstlerische Exzellenz den menschlichen Preis wert ist. Der Film lässt den Zuschauer nie in Ruhe darüber entscheiden, wer im Recht ist und wer nicht. Das finale Schlagzeugsolo trifft wie ein K.o.-Schlag und fühlt sich irgendwie gleichzeitig wie Sieg und Niederlage an. | © Sony Pictures Classics
Her beginnt mit der wohl ungewöhnlichsten Liebesgeschichte, die man sich vorstellen kann, und lässt sie dennoch völlig natürlich wirken. Joaquin Phoenix verliebt sich in sein Betriebssystem, und Spike Jonze behandelt dies weder als Witz noch als warnendes Beispiel für die Gefahren der Technologie. Der Film findet echte Intimität in den Gesprächen zwischen einem Mann und einer Stimme und verleiht einer Beziehung, die ausschließlich über einen Ohrhörer existiert, eine tiefe emotionale Bedeutung. Was leicht zu einem effekthascherischen Science-Fiction-Konzept hätte verkommen können, wird zu einer viel ehrlicheren Auseinandersetzung mit Verbundenheit und Einsamkeit. | © Warner Bros. Pictures
Arrival stellt die Frage, was geschieht, wenn es beim Erstkontakt nicht um Invasion oder Krieg geht, sondern um die unmögliche Aufgabe, mit etwas völlig Fremdem zu kommunizieren. Denis Villeneuve erzeugt Spannung nicht durch Explosionen oder Verfolgungsjagden, sondern durch den langsamen, methodischen Prozess, eine Sprache zu entschlüsseln, die in Kreisen statt in Linien existiert. Amy Adams trägt die Last sowohl der sprachlichen Rätsellösung als auch des persönlichen Kummers und verleiht der Geschichte so eine intime Note, selbst während Schiffe über zwölf Orte weltweit kreisen. Der Film vertraut darauf, dass sich das Publikum mehr für die Ideen als für die Action interessiert, und auf wundersame Weise zahlt sich dieses Wagnis vollkommen aus. | © Paramount Pictures
Moonlight erzählt dieselbe Geschichte dreimal und begleitet Chiron durch Kindheit, Jugend und Erwachsenenalter, während er in Miami mit Identität, Sexualität und dem Überleben ringt. Jedes Kapitel wirkt wie ein eigener Film, doch im Zentrum steht derselbe gebrochene Herzschlag. Barry Jenkins inszeniert alles mit einer Zärtlichkeit, die jeden Moment gleichermaßen intim und universell erscheinen lässt. Der Film erklärt Chirons Schmerz nie und versucht auch nicht, seine Reise mit einfachen Antworten abzurunden. Er beobachtet ihn einfach, und diese Geduld verwandelt das, was ein typisches Coming-of-Age-Drama hätte sein können, in etwas völlig anderes. | © A24
Call Me by Your Name nimmt das vertraute Schema einer Sommerromanze und verzichtet auf jegliches künstliche Drama, das üblicherweise damit einhergeht. Luca Guadagnino lässt die Geschichte im gemächlichen Tempo langer Nachmittage entfalten und konzentriert sich auf kleine Gesten und stille Momente anstatt auf konstruierte Konflikte. Der Film hetzt nie auf sein vermeintlich unvermeidliches Ende zu, wodurch der Schlussakt umso eindringlicher wirkt als jede dramatische Konfrontation. Die meisten Coming-of-Age-Geschichten meinen, sich erklären zu müssen, doch dieser Film vertraut darauf, dass der Zuschauer versteht, was er sieht. | © Sony Pictures Classics
Lady Bird trifft den Nerv der Siebzehnjährigen, die verzweifelt versucht, einem Ort zu entfliehen, der sie geprägt hat. Greta Gerwig schreibt Dialoge, die tatsächlich nach Teenagern klingen, nicht nach Erwachsenen, die sich an ihre Jugend erinnern wollen. Die Streitereien zwischen Lady Bird und ihrer Mutter gehen unter die Haut, weil sie aus echter Liebe entspringen, die von unerfüllbaren Erwartungen und einem unpassenden Timing überschattet wird. Die meisten Coming-of-Age-Filme romantisieren die Adoleszenz oder stellen sie als pures Elend dar, doch dieser Film findet die komplexe Wahrheit irgendwo dazwischen. | © A24
Roma verwandelt eine vermeintlich einfache Kindheitserinnerung in etwas, das gleichermaßen unglaublich intim und umfassend wirkt. Alfonso Cuarón dreht in Schwarz-Weiß mit solcher Präzision, dass jedes einzelne Bild aussieht, als sei es von jemandem komponiert worden, der jahrelang die Lichtverhältnisse in jener Küche, auf jenem Dach, an jenem bestimmten Nachmittag bis ins kleinste Detail festgehalten hat. Der Film bezieht seine Kraft aus stillen Momenten, die sich zu etwas Überwältigendem steigern, ohne sich jemals als wichtig anzupreisen. Cuarón hat einen Film über sein Kindermädchen gedreht, der auf wundersame Weise die Wucht einer sich wandelnden Welt einfängt. | © Netflix
Parasite beginnt als rabenschwarze Komödie über eine arme Familie, die sich durch Betrug in das Leben reicher Leute einschleicht, und entwickelt sich dann zu etwas viel Schwererfassbarem und Unvergesslicherem. Bong Joon-ho erzeugt die Spannung allein durch die Architektur, indem er Treppenhäuser und Keller nutzt, um zu zeigen, wie Klassenunterschiede buchstäblich prägen, wo Menschen leben und was sie sehen. Der Film belehrt nie über Ungleichheit, weil er es nicht nötig hat. Jedes einzelne Bild spricht für sich. | © Neon
Marriage Story macht aus einer Scheidung etwas, das gleichermaßen verheerend wie seltsam hoffnungsvoll wirkt. Noah Baumbach schreibt Streitszenen, die sich täuschend echt anhören – inklusive der Tiefschläge, die entstehen, wenn man einander zu gut kennt, und der Momente unerwarteter Zärtlichkeit, die sich durch den Zorn hindurchschleichen. Adam Driver und Scarlett Johansson verleihen jedem Streit eine ganz persönliche Note, die ihn gleichzeitig universell macht. Der Film findet eine gewisse Gnade darin, zwei Menschen zuzusehen, wie sie ihre Ehe zerstören, ohne sich dabei gegenseitig zu zerstören. | © Netflix
Minari entdeckt den Zauber in den kleinsten Momenten einer koreanisch-amerikanischen Familie, die in den 1980er Jahren im ländlichen Arkansas Fuß fassen will. Der Film wirkt nie, als wolle er die Erfahrungen von Einwanderern inszenieren, sondern lässt die Gespräche zwischen den Generationen, die sich lieben, aber nicht immer verstehen, ganz natürlich entstehen. Steven Yeun verkörpert den Vater, der seinen amerikanischen Traum auf einem eigensinnigen Gemüsebauernhof verfolgt, dessen Erfolg ungewiss ist. Was ein weiteres schweres Familiendrama hätte werden können, entwickelt sich zu einer sanfteren und ehrlicheren Geschichte darüber, wie Träume und Enttäuschungen im selben Haus existieren können. | © A24
Nomadland begleitet Fern, die nach dem Verlust ihres gesamten Besitzes in der Finanzkrise in einem Van lebt und sich mit Saisonjobs über Wasser hält. Der Film stellt ihre Entscheidung weder als tragisch noch als inspirierend dar, sondern einfach als notwendig, wodurch er weder in rührselige Selbstdarstellung noch in kitschige Wohlfühlfantasien abgleitet. Frances McDormand verkörpert vollkommen eine Frau, die gelernt hat, in flüchtigen Begegnungen und kleinen Gesten der Freundlichkeit Sinn zu finden. Der Film fängt die wirtschaftliche Notlage ein, ohne sie zu einem belehrenden Statement zu verkommen zu lassen. | © Searchlight Pictures
The Power of the Dog basiert in seiner gesamten Strategie darauf, das vermeintliche Verständnis des Zuschauers infrage zu stellen. Benedict Cumberbatch spielt einen Rancher, dessen Grausamkeit gegenüber der neuen Familie seines Bruders offensichtlich und abstoßend wirkt, bis der Film Schicht für Schicht enthüllt und jede vorherige Szene in ein neues Licht rückt. Regisseurin Jane Campion lässt die Spannung durch langes Schweigen und bedeutungsvolle Blicke ansteigen und vertraut darauf, dass die Zuschauer ein psychologisches Puzzle selbst zusammensetzen, das die meisten Filme sofort auflösen würden. Am Ende entpuppt sich die zunächst simple Geschichte über toxisches männliches Verhalten als weitaus komplexer und verstörender. | © Netflix
Everything Everywhere All at Once verwandelt einen Familienstreit über Steuern und Erwartungen in ein Multiversum-Abenteuer, in dem Hotdog-Finger und Kulleraugen auf wundersame Weise emotionale Tiefe erhalten. Die Daniels werfen alle erdenklichen Genres und visuellen Effekte auf die Leinwand, doch unter all dem Chaos verbirgt sich eine überraschend zärtliche Geschichte über eine Mutter, die versucht, eine Verbindung zu ihrer Tochter aufzubauen. Die meisten so ambitionierten Filme scheitern an ihrer eigenen Raffinesse. Dieser Film nutzt seine unendlichen Möglichkeiten, um sich auf die einfachsten menschlichen Wahrheiten zu besinnen. | © A24
Oppenheimer macht aus dem Manhattan-Projekt eine dreistündige Charakterstudie, die theoretische Physik auf seltsame Weise wie einen Thriller wirken lässt. Christopher Nolan filmt die Entwicklung der Atombombe, ohne die Bombe selbst zu zeigen, und konzentriert sich stattdessen auf die Tragweite der wissenschaftlichen Entdeckung und die darauffolgende Politik. Der Film springt zwischen verschiedenen Zeitebenen und Perspektiven hin und her, verliert aber nie die zentrale Frage aus den Augen: Was geschieht mit dem Menschen, der die Welt für immer verändert? Er beweist, dass Blockbuster-Filme sowohl gewaltige Ausmaße annehmen als auch die Tragweite ihrer Ereignisse tiefgründig erfassen können. | © Universal Pictures
Nicht jeder Film muss makellos sein, um sich perfekt anzufühlen. Manchmal muss er nur alles exakt richtig hinbekommen. Diese 15 modernen Filme kamen der filmischen Perfektion so nahe, dass selbst die anspruchsvollsten Kritiker kaum etwas auszusetzen hatten.
