Blue Ruin beginnt mit einem obdachlosen Herumtreiber, der in einem heruntergekommenen Auto lebt, und drückt ihm dann eine Schrotflinte in die Hand – mit der Frage, was passiert, wenn jemand ohne jegliche Ausbildung versucht, einen Racheplan umzusetzen. Die Gewalt wirkt unbeholfen und verzweifelt statt geschniegelt und kontrolliert, weil Regisseur Jeremy Saulnier versteht, dass echte Menschen mit Waffen herumstolpern und unter Druck in Panik geraten.
Die Darstellung von Macon Blair trägt jede einzelne Nuance von Verwirrung und Angst, während seine Figur begreift, dass Rache viel chaotischer und komplizierter ist, als er es sich vorgestellt hat. Die meisten Thriller lassen Gewalt einfach aussehen – dieser hier zeigt sie als das, was sie wirklich ist: ein Albtraum. | © Radius-TWC
Short Term 12 spielt in einer Wohngruppe für gefährdete Jugendliche, wirkt dabei aber nie so, als wolle er dir Lektionen über „kaputte“ Kinder oder heldenhafte Sozialarbeiter erteilen. Brie Larson verkörpert eine Betreuerin, die zu den Jugendlichen eine Verbindung aufbaut, weil sie deren Verletzungen aus eigener Erfahrung versteht – nicht, weil sie darüber in Lehrbüchern gelesen hat.
Der Film findet echte Momente von Wärme und Humor zwischen Krisenanrufen und Anhörungen vor dem Familiengericht. Es ist einer der seltenen Filme über problematische Jugendliche, der dir zutraut, die Vielschichtigkeit selbst zu erkennen, ohne dir vorzuschreiben, wer dein Mitgefühl verdient. | © The Weinstein Company
Paterson begleitet einen Busfahrer, der während seiner täglichen Fahrt durch New Jersey in Gedanken Gedichte schreibt – und irgendwie wird aus dieser Prämisse etwas zutiefst Fesselndes statt quälend Langweiligem. Regisseur Jim Jarmuschentdeckt Schönheit in den kleinsten Wiederholungen: dem Morgenkaffee, dem Gassigehen mit dem Hund, aufgeschnappten Gesprächen, die sich in Verse verwandeln.
Der Film weigert sich, künstlich Drama zu erzeugen oder große Momente zu erzwingen, und vertraut darauf, dass es genügt, jemandem beim bewussten Leben zuzusehen. Die meisten Filme über Künstler lassen Kreativität gequält oder magisch erscheinen – dieser hier zeigt sie so natürlich wie das Atmen. | © Amazon Studios
The Killing of a Sacred Deer verwandelt eine griechische Tragödie in etwas, das sich anfühlt, als würde man den Fiebertraum eines anderen beobachten. Regisseur Yorgos Lanthimos inszeniert jedes Gespräch wie eine Geiselnahme: Die Figuren sprechen in flachen, beinahe roboterhaften Stimmen, wodurch selbst ganz normale menschliche Interaktionen fremd und verstörend wirken.
Barry Keoghans Teenagerfigur Martin wird nicht durch Jumpscares oder Blutvergießen unheimlich, sondern dadurch, dass er spricht, als hätte er Englisch aus einem Computerhandbuch gelernt – während er unmögliche moralische Entscheidungen einfordert. Der ganze Film folgt einer Traumlogik, in der alles vollkommen schlüssig erscheint – bis man versucht, es jemand anderem zu erklären. | © A24
Die Taschendiebin beginnt wie eine Geschichte über eine Betrügerin, entwickelt sich zu einem sinnlichen Thriller und entpuppt sich schließlich als etwas weitaus Ambitionierteres – eine Erzählung über Macht, Verlangen und darüber, wer die Kontrolle über die Geschichte hat. Regisseur Park Chan-wook konstruiert jede Wendung so sorgfältig, dass der Film bei einer zweiten Sichtung völlig anders wirkt: Frühe Szenen bekommen eine ganz neue Bedeutung, sobald man versteht, was alle Beteiligten wirklich planen.
Der Film behandelt Sexualität und Gewalt mit derselben Präzision und lässt keines der beiden Elemente jemals reißerisch oder losgelöst von den psychologischen Spielchen im Zentrum erscheinen. Es ist einer dieser seltenen Filme, die mit jeder Richtungsänderung noch komplexer werden. | © Amazon Studios
Prisoners macht aus einem Fall vermisster Kinder etwas, das sich eher wie psychologische Kriegsführung anfühlt als ein typischer Thriller. Hugh Jackmans verzweifelter Vater beugt nicht nur Regeln oder trifft fragwürdige Entscheidungen – er wird zu einem völlig anderen Menschen und zieht das Publikum in moralisches Terrain, in dem sich jede Entscheidung zugleich falsch und vollkommen nachvollziehbar anfühlt.
Der Film weigert sich, irgendjemanden aus der Verantwortung zu entlassen – auch nicht die Zuschauer, die sich vielleicht dabei ertappen, Handlungen zu unterstützen, von denen sie wissen, dass sie eigentlich schrecklich sind. | © Warner Bros. Pictures
Drive verwandelt eine einfache Fluchtfahrer-Prämisse in etwas, das sich wie ein neongetränkter Fiebertraum anfühlt. Ryan Gosling spricht über weite Strecken des Films kaum, doch das Schweigen funktioniert, weil alles andere für ihn spricht: der synthlastige Soundtrack, der pinke Schriftzug im Vorspann, die plötzlichen Gewaltausbrüche, die eher wie Kunstinstallationen wirken als wie klassische Actionszenen.
Regisseur Nicolas Winding Refn erschafft einen Krimi, der vollständig über Atmosphäre und Stil funktioniert – in dem selbst eine einfache Aufzugsfahrt spannender sein kann als die meisten Verfolgungsjagden. Das Ganze existiert in einem ganz eigenen ästhetischen Universum, das auf seltsame Weise vollkommen stimmig ist. | © FilmDistrict
Nightcrawler verwandelt den amerikanischen Traum in etwas zutiefst Verstörendes, indem er einem Soziopathen folgt, der entdeckt, dass er perfekt für freiberuflichen Crime-Journalismus geeignet ist. Jake Gyllenhaal verschwindet regelrecht in der Figur Lou Bloom – einem Charakter, der in Manager-Floskeln spricht, während er Autounfälle und Einbrüche filmt und seine Methoden immer weiter steigert, weil ein lokaler Nachrichtensender ihn für zunehmend aufdringliches Material belohnt.
Der Film funktioniert so gut, weil er seine eigene Dunkelheit nie relativiert oder dich dazu bringen will, Lou sympathisch zu finden. Er beobachtet einfach, wie dieser Mann in einem System erfolgreich ist, das sensationsgetriebene Inhalte über menschlichen Anstand stellt. | © Open Road Films
Under the Skin begleitet Scarlett Johansson als Außerirdische, die durch Schottland fährt und Männer in den Tod lockt – fühlt sich dabei aber ganz anders an als jeder Science-Fiction-Film, den man sonst kennt. Regisseur Jonathan Glazerverwandelt diese Prämisse in etwas Hypnotisches und Verstörendes, indem er echte Laien einsetzt, die Johansson auf der Straße anspricht, und das Ganze mit langen Phasen unterschwelliger Beklemmung kombiniert.
Der Film bewegt sich im Tempo aufmerksamer Beobachtung statt klassischer Handlung und zeigt, wie dieses Raubtier langsam so etwas wie menschliche Neugier entwickelt. Die meisten Filme über Außerirdische auf der Erde konzentrieren sich auf Invasion oder Kontakt – dieser hier findet den Horror im einfachen Versuch zu begreifen, was es überhaupt bedeutet, in einem Körper zu existieren. | © A24
Gone Girl – Das perfekte Opfer verwandelt einen Vermisstenfall in etwas viel Fremdartigeres und Unangenehmeres, als es die Trailer erwarten ließen. Regisseur David Fincher entfaltet die Geschichte Schicht für Schicht – und jede davon lässt die Ehe im Zentrum noch giftiger und berechnender erscheinen als zuvor.
Rosamund Pike liefert eine Darstellung, die verlangt, innerhalb derselben Figur mehrere völlig unterschiedliche Personen zu verkörpern – und sie meistert jeden Wandel, ohne je anzudeuten, was als Nächstes kommt. Der Film funktioniert so gut, weil er sich weigert, eine der beiden Seiten sympathisch zu machen, und die Zuschauer zwischen zwei Menschen zurücklässt, die sich wahrscheinlich genau so verdient haben. | © 20th Century Fox
Children of Men erschafft seine apokalyptische Welt durch Hintergrunddetails, die die meisten dystopischen Filme in lange Erklärpassagen verwandeln würden. Regisseur Alfonso Cuarón lässt dich den Zusammenbruch der Zivilisation selbst entdecken – durch Graffiti, nebenbei laufende Nachrichtenübertragungen und die Art, wie sich Menschen durch Orte bewegen, die einst eine ganz andere Bedeutung hatten.
Die langen Einstellungen sind dabei auch kein bloßes Stilmittel zum Angeben. Sie sperren dich mitten ins Chaos ein, ohne Schnitte, die dir Zeit zum Durchatmen oder zur Neuorientierung geben würden. | © Universal Pictures
The Big Lebowski macht aus einer Entführungsgeschichte im Grunde nur den Vorwand dafür, dass Jeff Bridges im Bademantel durch Los Angeles schlurft, mit seinem durchgedrehten Vietnamveteranen-Freund bowlen geht und sich von jedem anschreien lässt, dem er begegnet. Die Coen Brothers bauen einen ganzen Film um einen Typen herum, der eigentlich nur White Russians trinken und bowlen will – und lassen ihn dann in Noir-Verwicklungen stolpern, um die er nie gebeten hat.
Was eine geradlinige Krimigeschichte hätte sein können, wird plötzlich etwas viel Absurderes, wenn das größte Problem des Protagonisten darin besteht, seinen Teppich zurückzubekommen. Fünfundzwanzig Jahre später zitieren die Leute immer noch Walters Tiraden in der Bowlinghalle – öfter als sie sich an die meisten Oscar-Gewinner erinnern. | © Gramercy Pictures
Sieben verwandelt Serienmörder-Horror in ein mittelalterliches Moralspiel, bei dem jeder Mord nach den sieben Todsünden inszeniert ist – wie eine perverse Lektion in Theologie. Die Genialität des Films liegt darin, dass er dich zum Komplizen im großen Plan des Killers macht: Man begleitet Ermittler, die zu spät erkennen, dass sie keine Verbrechen aufklären, sondern Teil eines sorgfältig inszenierten Finales sind.
Regisseur David Fincher taucht alles in ein permanentes Spiel aus Regen und Schatten und erschafft eine Welt, die so sehr von moralischem Verfall durchdrungen ist, dass das schockierende Ende eher unausweichlich als überraschend wirkt. Kevin Spacey hat vielleicht nur drei Szenen Bildschirmzeit – und dominiert trotzdem den gesamten Film. | © New Line Cinema
Fight Club kam daher mit Brad Pitt, der in Kellern Fäuste fliegen lässt, und Edward Norton, der jede Regel der Konsumkultur infrage stellt – doch der eigentliche Schock war, wie präzise der Film unsere Beziehung zur unternehmerischen Entfremdung zwanzig Jahre im Voraus vorwegnahm. Regisseur David Fincher machte aus dem Roman von Chuck Palahniuk eine düstere Komödie über Männlichkeit, die es schafft, sowohl Gewalt als auch Konsum gleichermaßen absurd erscheinen zu lassen.
Der dritte Akt stellt alles, was man zuvor gesehen hat, in ein völlig neues Licht – doch der Film funktioniert beim zweiten Mal genauso gut, weil die Hinweise die ganze Zeit offen sichtbar waren. Preisjurys hielten ihn 1999 vermutlich für zu wütend und zu seltsam, aber heute wirkt er fast wie eine Dokumentation darüber, wie wir an diesen Punkt gelangt sind. | © 20th Century Fox
Inception baut seinen Heist-Film um die Idee herum auf, dass das Stehlen von Gedanken bedeutet, immer tiefer in Träume innerhalb von Träumen einzudringen – und schafft es tatsächlich, diese komplexe Logik spannend statt verwirrend wirken zu lassen. Regisseur Christopher Nolan wirft mit rotierenden Fluren, einstürzenden Städten und mehreren Zeitebenen um sich und behält dabei dennoch einen klaren emotionalen Kern im Blick: einen Vater, der versucht, zu seinen Kindern zurückzukehren.
Der Film traut seinem Publikum zu, komplizierten Regeln zu folgen, ohne etwas zu vereinfachen. Die meisten Blockbuster setzen entweder voll auf Spektakel oder voll auf Denkarbeit – dieser hier beweist, dass man beides haben kann, ohne eines von beiden zu opfern. | © Warner Bros. Pictures
Manche Filme machen einfach alles richtig – und werden trotzdem ignoriert. Keine Oscars, keine großen Auszeichnungen, einfach nur Stille. Diese nahezu perfekten Filme hätten viel mehr Aufmerksamkeit verdient, als sie bekommen haben.
