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Ungewürdigt? 25 großartige Filme, die miserable Kritiken ernteten

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Henry Henzler

Filme und Serien - August 19th 2026, 10:00 MESZ

Jennifers Body 2009 1 — 25. Jennifer's Body (2009)

Ein schlechtes Marketing redete dem Publikum ein, dass *Jennifer’s Body* nur ein belangloser Megan-Fox-Film sei, während viele Kritiker sich anscheinend darüber ärgerten, dass er weder gruselig genug für Horror noch flach genug für eine Komödie war. Unter dem glänzenden Highschool-Blutvergießen bauten Karyn Kusama und Diablo Cody jedoch eine messerscharfe Geschichte über toxische Freundschaften, Ausbeutung und männliche Gewalt auf. Fox ist bewusst humorvoll und unerwartet verletzlich, während Amanda Seyfried dem übernatürlichen Chaos einen emotionalen Anker gibt. Seine Wiederentdeckung als Kultklassiker war kein Internet-Scherz; die Zuschauer haben einfach das nachgeholt, was die Werbung damals begraben hatte. | © Fox Atomic

Observe and Report — 24. Shopping-Center King – Hier gilt mein Gesetz (2009)

Wer Seth Rogens Antwort auf *Der Kaufhaus Cop* erwartet hatte, bekam stattdessen etwas, das eher an *Taxi Driver* mit Brezelständen erinnerte. Jody Hills tiefschwarze Komödie folgt einem wahnhaften Sicherheitsmann, der jede Demütigung als ein weiteres Kapitel seiner heroischen Entstehungsgeschichte deutet - und der Film weigert sich standhaft, dem Zuschauer das beruhigende Gefühl zu geben, dass man mitfiebern sollte. Diese Gehässigkeit spaltete verständlicherweise die Kritiker, ist aber gleichzeitig die Quelle der seltsamen Faszination des Films. Rogen kniet sich voll hinein, Ray Liotta versprüht erschöpfte Wut und Michael Peña stiehlt mit einer herrlich bizarren Darbietung fast die gesamte Show. | © Legendary Pictures

The 5th Wave — 23. Die 5. Welle (2016)

Verfilmungen von Jugendbüchern pfiffen bereits aus dem letzten Loch, als *Die 5. Welle* in die Kinos kam. Daher zeigten Kritiker wenig Geduld für einen weiteren attraktiven Teenager, der sich durch eine Apokalypse und eine ungelegene Dreiecksbeziehung manövrieren muss. Der Film kann sich zwar nie ganz von diesen Genre-Pflichten befreien, doch sein Auftakt bietet eine beeindruckend düstere Alien-Invasion, die die Zivilisation durch zunehmend unbarmherzige Angriffe in Stücke reißt. Chloë Grace Moretz verleiht einem Stoff Überzeugungskraft, der leicht zu einem bloßen Köder für eine Fortsetzungsreihe hätte verkommen können; und die Paranoia darüber, wer überhaupt noch menschlich ist, verleiht der Geschichte eine willkommene Schärfe. Sicherlich fehlerhaft, aber wesentlich fesselnder, als sein katastrophaler Ruf vermuten lässt. | © Columbia Pictures

22. Dog Eat Dog (2016)

Paul Schrader sah sich offenbar den geschmackvollen Kriminalthriller an und entschied, dass dieser mehr Neonlicht, mehr Geschreie und einen Nicolas Cage brauchte, der mit dem Akzent sprach, der ihm an diesem Morgen gerade durch den Kopf ging. Das Ergebnis ist ein bewusst unangenehmer Klamauk über drei Ex-Knackis, deren Entführungsplan fast augenblicklich schiefgeht. Die Kritiker schreckten vor der Hässlichkeit und dem chaotischen Ton des Films zurück, doch eine geordnete Struktur hätte diese Charaktere völlig verraten. Cage, Willem Dafoe und Christopher Matthew Cook bilden ein spektakulär instabiles Trio, während Schrader jede Fehlentscheidung in einen weiteren grellen visuellen Scherz verwandelt. Es ist eine unangenehme Gesellschaft, aber niemals eine langweilige. | © Ingenious Media

21. Person to Person (2017)

Auf warmem, körnigem 16mm-Film gedreht, treibt *Person to Person* an der Seite von Schallplattensammlern, Reportern, ungeschickten Mitbewohnern und Fremden, die im Stillen schreckliche Tage durchleben, durch New York. Seine lose Struktur wurde als zielloses Umherwandern abgetan; was fair ist, wenn jeder Film auf ein ordentliches Ende zusprinten muss. Dustin Guy Defa interessiert sich jedoch mehr für Verhalten: eine unangenehme Pause, ein unerwünschtes Gespräch oder die seltsame Intimität, eine Stadt mit Millionen von Menschen zu teilen. Abbi Jacobson und Michael Cera steuern bekannte Namen bei, aber Bene Coopersmith verleiht dem Film als Vinyl-Besessener, der sich durch Freundschaft und Enttäuschung manövriert, seinen charmantesten Handlungsstrang. | © Sailor Bear

The Postman — 20. Postman (1997)

Kevin Costners fast dreistündige Post-Apokalypse wurde als Mahnmal für Hollywood-Ego abgetan: komplett mit pathetischen Reden, symbolträchtigen Briefen und einem Helden, der unfreiwillig zu einem nationalen Mythos aufsteigt. Subtil ist das nicht. Doch die kompromisslose Aufrichtigkeit des Films wirkt heute erfrischend neben dystopischen Blockbustern, die panische Angst davor haben, ernsthaft zu erscheinen. Seine Vision von versprengten Gemeinschaften, die durch etwas so Alltägliches wie die Post wieder Vertrauen aufbauen, besitzt echtes emotionales Gewicht, und Will Patton gibt einen herrlich theatralischen Tyrannen ab. Die Laufzeit bleibt gewaltig, aber *Postman* enthält mehr Fantasie und Überzeugungskraft, als es sein Status als filmische Lachnummer vermuten lässt. | © Tig Productions

The Great Gatsby — 19. Der große Gatsby (2013)

Baz Luhrmann exzessiven Stil vorzuwerfen ist in etwa so, als würde man Gatsby für das Schmeißen einer unnötig großen Party kritisieren: technisch gesehen korrekt, aber genau das ist der Punkt. Die Kritiker empfanden den rasanten Schnitt, den modernen Soundtrack und das digitale Spektakel als zu aggressiv für F. Scott Fitzgeralds Tragödie, doch der Film versteht, dass all der Glitzer irgendwann erschöpfend wirken muss. Leonardo DiCaprio spielt Gatsby als einen Mann, der ständig Selbstbewusstsein inszeniert, während hinter seinem Lächeln die Panik flackert, und Carey Mulligan macht Daisys Ungreifbarkeit sowohl frustrierend als auch schmerzhaft glaubwürdig. Die ruhigere Adaption, die die Kritiker erwartet hatten, wäre vielleicht respektabel gewesen - diese hier ist unvergesslich. | © Bazmark Films

18. Masterminds (2016)

Die wahre Geschichte hinter *Masterminds* handelte von dem Mitarbeiter eines Geldtransporters, Millionen an gestohlenem Bargeld, einer spektakulär schlechten Planung und Kriminellen, die Subtilität anscheinend als persönliche Beleidigung empfanden. Jared Hess reagiert darauf mit Perücken, falschen Zähnen und genug Südstaaten-Absurdität, um jeden zu erschrecken, der allergisch auf platten Humor reagiert. Die Kritiken nannten den Film kindisch und planlos, aber die Besetzung stürzt sich mit beeindruckender Disziplin auf jedes noch so lächerliche Detail. Zach Galifianakis findet echte Herzensgüte inmitten all der Albernheit, Kristen Wiig bleibt perfekt undurchschaubar und Jason Sudeikis verwandelt einen Auftragsmörder in eine zunehmend bizarre Karikatur. Anspruchsvoll ist das nicht; ob es durchgehend lustig ist, steht dagegen auf einem ganz anderen Blatt. | © Relativity Studios

17. Venom (2018)

Kritiker bemängelten verständlicherweise die unübersichtliche Action, die übereilte Handlung und das deutliche Gefühl, dass mehrere Szenen wirken, als wären sie während einer Feuerschutzübung zusammengeschnitten worden. Das Publikum war derweil damit beschäftigt, Tom Hardy dabei zuzusehen, wie er mit sich selbst darüber stritt, ob er Kriminelle fressen sollte. Diese zentrale Partnerschaft verwandelt *Venom* von generischem Superhelden-Stoff in eine wunderbar schräge Buddy-Komödie, in der Eddie Brock den nervösen, vernünftigen Gegenpart zu einem außerirdischen Parasiten spielt, der die Impulskontrolle eines hungrigen Kleinkinds besitzt. Der Film wird immer dann besser, wenn er aufhört, der Mythologie eines ganzen Franchise hinterherzujagen, und Hardy stattdessen die physische Komik voll ausleben lässt. Chaotisch, lächerlich und seltsam liebenswert - dieser Film überlebt durch Persönlichkeit statt durch Feinschliff. | © Columbia Pictures

Cropped Star Wars Episode II Attack of the Clones — 16. Star Wars: Angriff der Klonkrieger (2002)

Ja, die romantischen Dialoge sind holprig. Sand bleibt rau, kratzig und unmöglich zu verteidigen. Doch wer *Angriff der Klonkrieger* auf seine am besten als Meme tauglichen Gespräche reduziert, übersieht, wie viel ehrgeizige Science-Fiction-Bildgewalt George Lucas hineingepackt hat. Kamino ist unheimlich und wunderschön, die Detektivhandlung gibt Obi-Wan Kenobi Raum für eigenständiges Agieren und der finale Aufmarsch der Klonarmee besitzt eine angemessen bedrohliche Schwere. Hayden Christensens Steifheit ergibt zudem weitaus mehr Sinn, wenn man Anakin als einen emotional unterentwickelten jungen Mann betrachtet, der seine eigene Vorstellung vom Erwachsensein vorspielt. Der Film ist zutiefst unausgewogen, aber kaum die leblose Katastrophe, die sein Ruf impliziert. | © Lucasfilm

Speed Racer 2008 — 15. Speed Racer (2008)

Kritiker reagierten auf *Speed Racer*, als hätten die Wachowskis ihnen einen Regenbogen direkt in die Augen geschossen, und taten die bonbonfarbene Optik, den hektischen Schnitt und den völligen Verzicht auf filmische Zurückhaltung ab. Diese Reizüberflutung ist heute genau der Grund, warum sich der Film so außergewöhnlich anfühlt. Unter den unmöglichen Rennstrecken und der Schwerkraft trotzenden Autos verbirgt sich eine unerwartet aufrichtige Geschichte über Familie, künstlerische Integrität und die Weigerung, sich von Konzernen vorschreiben zu lassen, wie Leidenschaft auszusehen hat. Emile Hirsch bildet den ernsthaften Mittelpunkt, aber der wahre Star ist das Filmemachen selbst: mutig, absurd und den glattgebügelten digitalen Spektakeln, die folgten, um Jahrzehnte voraus. | © Warner Bros. Pictures

Season of the Witch — 14. Der letzte Tempelritter (2011)

Nicolas Cage und Ron Perlman, die mit einer beschuldigten Hexe durch das mittelalterliche Europa stapfen, hätten eigentlich ein sicherer Erfolg sein müssen. Kritiker fanden das Abenteuer stattdessen billig, träge und belastet von Effekten, die dem Zeitplan um einige Kreuzzüge hinterherzuhinken schienen. Diese Kritikpunkte lassen sich nur schwer bestreiten, aber der Film funktioniert erstaunlich gut als Monsterfilm für einen verregneten Nachmittag: kompakt, atmosphärisch und voller Schauspieler, die völligen Unsinn wie eine heilige Schrift behandeln. Claire Foy verleiht der Gefangenen im Zentrum der Geschichte eine angenehme Unnahbarkeit, während Cage heroische Erklärungen mit seiner gewohnten, leicht außerirdischen Überzeugungskraft vorträgt. Manchmal ist eine düstere, übernatürliche Odyssee einfach genau das Richtige. | © Atlas Entertainment

Cabin Boy — 13. Schiffsjunge ahoi! (1994)

Chris Elliott verbringt *Schiffsjunge ahoi!* damit, wie ein verstoßener Aristokrat zu sprechen, Matrosen zu beleidigen und an fast jeder sozialen Interaktion zu scheitern, die sich ihm bietet. Damalige Kritiker fanden die Figur unerträglich - Bewunderer würden argumentieren, dass genau diese unerträgliche Art der gesamte humoristische Motor des Films ist. Adam Resnick füllt die Reise mit riesigen Schuhen, schwebenden Cupcakes, bizarren Meereskreaturen und einem David Letterman, der unter einem Pseudonym ganz beiläufig Affen verkauft. Der Humor bewegt sich auf einer Frequenz irgendwo zwischen Kinderfernsehen und avantgardistischer Bestrafung, was sowohl die anfängliche Feindseligkeit als auch die treue Kultgemeinde erklärt, die folgte. Für ganz normale Komödien gab es damals schließlich schon genügend andere Vertreter. | © Touchstone Pictures

But Im a Cheerleader — 12. Weil ich ein Mädchen bin (1999)

Leuchtend pinke Wände, blaue Uniformen und aggressiv künstliche Vorstadtkulissen lassen das Umerziehungslager in *Weil ich ein Mädchen bin* wie ein von Homophoben gebautes Puppenhaus wirken. Einige frühe Kritiker hielten Jamie Babbits Satire für zu offensichtlich und übersahen dabei, wie präzise ihre visuelle Übersteigerung die Absurdität entlarvt, mit der vermeintlich „natürliche“ Geschlechterrollen erzwungen werden. Natasha Lyonne verleiht Megan eine wunderbar aufrichtige Unschuld, während Clea DuVall genug vorsichtige Verletzlichkeit einbringt, um die Romanze nicht zu einem weiteren Witz verkommen zu lassen. Der Film ist lustig, ohne sein Thema zu verharmlosen, und romantisch, ohne seine Wut glattzubügeln. Sein späterer Status als queerer Klassiker fühlt sich weniger wie eine nachträgliche Wiedergutmachung an, sondern wie eine längst überfällige Anerkennung. | © Ignite Entertainment

11. Hudson Hawk – Der Meisterdieb (1991)

Bruce Willis wollte einen Cappuccino; die Kritiker wollten eine Erklärung. *Hudson Hawk – Der Meisterdieb* kombiniert Kunstraub, musikalische Zeitplanung, Geheimbünde, Erfindungen von Leonardo da Vinci und Schurken, die sich verhalten, als wären sie aus einer sündhaft teuren Weihnachtsshow entkommen. Dieser stilistische Zusammenprall war für Zuschauer, die ein weiteres *Stirb Langsam* erwarteten, eine Katastrophe - doch seine Weigerung, wie ein konventioneller Actionfilm zu funktionieren, ist heute seine größte Stärke. Willis und Danny Aiello singen sich durch ihre Raubzüge, Richard E. Grant und Sandra Bernhard wetteifern um den Gipfel des theatralischen Wahnsinns, und das Drehbuch behandelt Logik wie ein optionales Zubehör. Hollywood finanziert heutzutage nur noch selten einen so aufwendig inszenierten Blödsinn. | © Silver Pictures

Hardcore henry 2 — 10. Hardcore (2015)

Einen kompletten Actionfilm aus der Perspektive des Protagonisten zu drehen, klingt clever; bis die Kamera anfängt zu sprinten, zu stürzen, zu rotieren und das Mittagessen des Publikums in Richtung Rachen wandern zu lassen. Kritiker fanden das First-Person-Gimmick anstrengend, und Zuschauer, die anfällig für Bewegungskrankheit sind, sollten ihnen das absolut glauben. Für alle anderen ist *Hardcore* eine kühne Tour durch praktische Stunts, die das Tempo eines Videospiels nachbilden, ohne für Tutorials anzuhalten. Sharlto Copley taucht immer wieder in zunehmend bizarren Formen auf, die Gewalt grenzt an Slapstick und Regisseur Ilya Naishuller erfindet ständig neue Wege, um einen menschlichen Körper in durch die Luft fliegende Trümmer zu verwandeln. | © Bazelevs

Cropped Just Go with It — 9. Meine erfundene Frau (2011)

Die Handlung verlangt von Adam Sandler, Jennifer Aniston als seine falsche Ex-Frau zu rekrutieren, ihre Kinder in den Schwindel hineinzuziehen und alle nach Hawaii zu verfrachten - weil Ehrlichkeit den Film anscheinend schon vor dem Mittagessen beenden würde. Die Kritiker machten die an den Haaren herbeigezogenen Wendungen und den derben Humor dem Erdboden gleich, doch romantische Komödien überleben oft eher durch die Chemie der Hauptdarsteller als durch juristisch wasserdichte Plausibilität. Sandler und Aniston besitzen eine lockere, vertraute Dynamik, die ihre schlussendliche Annäherung offensichtlich macht, ohne sie langweilig wirken zu lassen. Zudem stößt Nicole Kidman in der Mitte des Films dazu und demontiert mit sichtlicher Freude ihr würdevolles Image. Der Film ist zu lang und schamlos, doch außergewöhnlich leicht verdauliche Unterhaltung besitzt eben ihr ganz eigenes, legitimes Handwerk. | © Happy Madison Productions

8. Sucker Punch (2011)

Zack Snyders Fantasy-Spektakel wirft Samurai, Drachen, Roboter, Schützengräben, Korsetts und automatische Waffen in einen Mixer, der permanent auf Zeitlupe eingestellt ist. Kritiker sahen darin eine bedeutungslose Aneinanderreihung von Musikvideos, während Verteidiger eine bittere Geschichte über missbrauchte Frauen erkannten, die sich durch ihre Vorstellungskraft die eigene Selbstbestimmung zurückholen. Für beide Sichtweisen gibt es Belege. Der Film verwechselt manchmal die Darstellung von Ausbeutung mit deren Infragestellung, aber sein visueller Ehrgeiz ist unbestreitbar, und Emily Browning verleiht Babydoll eine Traurigkeit, die das digitale Bombardement übersteht. Selbst seine Misserfolge sind ungewöhnlich persönlich und aufwendig. Viele Actionfilme sind kohärenter; aber kaum etwas anderes sieht aus oder klingt auch nur annähernd wie *Sucker Punch*. | © Cruel and Unusual Films

7. Eyes Wide Shut (1999)

Stanley Kubricks letzter Film wurde zwar nicht universell zerrissen, aber seine Veröffentlichung sorgte für reichlich Verwirrung, Enttäuschung und Witze über einen Tom Cruise, der völlig fassungslos durch die Gegend irrt. Genau diese Fassungslosigkeit ist es jedoch, die seine Rolle verlangt. Dr. Bill Harford bewegt sich durch ein traumartiges Manhattan in der Überzeugung, dass Wohlstand, Männlichkeit und beruflicher Status ihm Kontrolle verleihen - nur um festzustellen, dass er fast nichts über das Begehren versteht, einschließlich dem seiner Ehefrau. Nicole Kidmans frühes Geständnis sprengt im Stillen die gesamte Handlung, während das maskierte Ritual eine der unheimlichsten Darstellungen von Privilegien in der Kinogeschichte bleibt. Seine kühle Distanz offenbart mit jedem Anschauen mehr. | © Warner Bros.

6. Waterworld (1995)

Lange bevor das Publikum ihn überhaupt zu Gesicht bekam, war *Waterworld* wegen seines enormen Budgets und der chaotischen Produktion bereits zu einer schwimmenden Katastrophe erklärt worden. Der fertige Film ist jedoch weniger ein künstlerisches Desaster als vielmehr ein solider maritimer Western, der mit unerfüllbaren Erwartungen beladen wurde. Seine schwimmenden Siedlungen, der verrostete Maschinenpark, die handgemachten Stunts und die improvisierte Kultur erschaffen eine überzeugende Welt, die weit über die eigentliche Handlung hinausreicht. Kevin Costner spielt den „Mariner“ mit vielleicht etwas zu viel Zurückhaltung, aber Dennis Hopper gleicht das aus, indem er genug Schurkerei für mehrere eigene Filme liefert. Die Langfassung verbessert die Mythologie noch, doch selbst die Kinofassung bietet weitaus kraftvollere Abenteuer, als die Witze darüber vermuten lassen. | © Universal Pictures

Cropped Death Becomes Her — 5. Der Tod steht ihr gut (1992)

Meryl Streep und Goldie Hawn verbringen einen Großteil von *Der Tod steht ihr gut* damit, sich gegenseitig zu beschimpfen, zu erschießen, zu erwürgen und mit Haushaltsgeräten zu traktieren - und das alles, während sie zunehmend fabelhafter und gleichzeitig strukturell instabiler aussehen. Die Kritiker bewunderten die Effekte, taten die Satire jedoch oft als hohl ab. Diese vermeintliche Leere erscheint heute durchaus gewollt in einer Komödie über Menschen, die alles opfern, nur um ihre Fassade zu wahren. Robert Zemeckis nutzt bahnbrechende digitale Effekte im Dienste einer großartigen Slapstick-Komödie, während Bruce Willis eine seiner lustigsten Darbietungen als schüchterner Bestatter abliefert, der über seine Grenzen getrieben wird. Unsterblichkeit sah selten so glamourös, grotesk oder unpraktisch aus. | © Universal Pictures

4. Scooby Doo (2002)

Der Realfilm *Scooby-Doo* kann sich nie ganz entscheiden, ob er ein Kinderabenteuer, eine Parodie für Erwachsene, die mit dem Zeichentrickfilm aufgewachsen sind, oder ein Studio-Kompromiss ist, der unangenehm zwischen beiden Welten gefangen bleibt. Diese Identitätskrise frustrierte die Kritiker, brachte aber auch einen wunderbar skurrilen Familienfilm mit Witzen hervor, die weitaus schräger sind, als es die Altersfreigabe vermuten lässt. Matthew Lillard spielt Shaggy nicht bloß - er scheint vorübergehend von ihm besessen gewesen zu sein. Linda Cardellini, Sarah Michelle Gellar und Freddie Prinze Jr. verstehen die Aufgabe ebenso gut, während James Gunns Drehbuch liebevollen Spott über das Franchise unter dem computeranimierten Hund hineinschmuggelt. | © Atlas Entertainment

Cropped Vanilla Sky — 3. Vanilla Sky (2001)

Cameron Crowe verfilmte Alejandro Amenábars *Open Your Eyes* neu - mit Tom Cruise, einem größeren Budget und genug Popsongs, um einen kompletten emotionalen Zusammenbruch zu untermalen. Kritiker fanden den Film selbstverliebt und unnötig kompliziert, doch genau diese Instabilität passt zu einer Geschichte über einen privilegierten Mann, der die Kontrolle über sein Aussehen, seine Erinnerungen und seine sorgfältig inszenierte Identität verliert. Cruise setzt sein Selbstbewusstsein als Filmstar gezielt als Waffe ein und verwandelt Charme allmählich in nackte Panik, während ihm die Realität entgleitet. Penélope Cruz steuert Herzenswärme bei, Cameron Diaz bringt eine furchterregende emotionale Unberechenbarkeit ein, und die finalen Enthüllungen vertiefen die Traurigkeit, anstatt sie aufzulösen. Der Film ist chaotisch, weil das Bewusstsein seines Protagonisten chaotisch ist. | © Cruise/Wagner Productions

2. Xanadu (1980)

Rollschuhe, griechische Mythologie, Neonröhren, Big-Band-Nostalgie und das Electric Light Orchestra sollten eigentlich nicht im selben Film vorkommen - was natürlich bedeutet, dass *Xanadu* sie ohne Zögern kombiniert. Kritiker behandelten das Musical als Beweis dafür, dass Disco zu einer ansteckenden Kinokrankheit geworden war. Handlung und Schauspielkunst sind zugegebenermaßen Nebensache, doch der Soundtrack ist unwiderstehlich, Olivia Newton-John versprüht pure Herzensgüte und Gene Kelly absolviert seine letzte Filmrolle mit müheloser Eleganz. Das Finale im Nachtclub gleicht einer teuren Halluzination in einem Einkaufszentrum - und diese Beschreibung ist absolut liebevoll gemeint. Geschmackvolle Musicals kommen und gehen; glorreicher Rollschuh-Disco-Blödsinn ist für die Ewigkeit. | © Universal Pictures

Cropped The Thing — 1. Das Ding aus einer anderen Welt (1982)

John Carpenter brachte *Das Ding aus einer anderen Welt* in einem Sommer in die Kinos, der von dem kuscheligen Außerirdischen aus *E.T.* dominiert wurde - und das Publikum reagierte verhalten auf ein Alien, das Hunde absorbierte, Menschen imitierte und Köpfe auf zutiefst unsoziale Weise öffnete. Mehrere damalige Kritiker attackierten den Nihilismus und die drastischen Effekte, doch genau diese Eigenschaften definieren heute die Größe des Films. Rob Bottins handgemachte Kreaturen sind nach wie vor abscheulich überzeugend, Ennio Morricones minimalistischer Soundtrack verwandelt jeden Korridor in eine Bedrohung, und Kurt Russell verankert die Paranoia, ohne vorzugeben, dass Heldentum das Überleben garantiert. Die finale Szene bietet keine beruhigende Antwort - nur Kälte, Misstrauen und zwei Männer, die sich gegenseitig beim Atmen beobachten. | © Universal Pictures

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Kritiker haben nicht immer das letzte Wort. Viele Filme wurden direkt zum Start fallen gelassen, unter brutalen Kritiken begraben oder wie filmische Katastrophen behandelt, noch bevor das Publikum die Chance hatte, sich eine eigene Meinung zu bilden. Jahre später sind viele dieser vermeintlichen Misserfolge zu Kultklassikern, Wohlfühlfilmen oder aufrichtig geschätzten Werken geworden. Diese 25 großartigen Filme beweisen, dass eine schlechte Rotten-Tomatoes-Bewertung deutlich schlechter altern kann als der Film selbst.

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Kritiker haben nicht immer das letzte Wort. Viele Filme wurden direkt zum Start fallen gelassen, unter brutalen Kritiken begraben oder wie filmische Katastrophen behandelt, noch bevor das Publikum die Chance hatte, sich eine eigene Meinung zu bilden. Jahre später sind viele dieser vermeintlichen Misserfolge zu Kultklassikern, Wohlfühlfilmen oder aufrichtig geschätzten Werken geworden. Diese 25 großartigen Filme beweisen, dass eine schlechte Rotten-Tomatoes-Bewertung deutlich schlechter altern kann als der Film selbst.