EarlyGame | 15 sympathische Schauspieler, die mit einer düsteren…

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Robin Williams in One Hour Photo (2002)

Über viele Jahre hinweg war Robin Williams der Typ Schauspieler, den man mitten ins Familienwohnzimmer setzte: in „Mrs. Doubtfire – Das stachelige Kindermädchen“, „Patch Adams“ oder als inspirierender Lehrer in „Der Club der toten Dichter“. Selbst wenn die Geschichten emotional wurden, war es immer seine Wärme, die im Mittelpunkt stand.

Genau deshalb wirkte die Besetzung in One Hour Photo als Angestellter in einem großen Fotoladen mit einer stillen, beinahe unheimlichen Besessenheit wie ein mutiger Schritt ins Unbekannte. Statt auf seine typischen Witze oder seinen natürlichen Charme zu setzen, erzeugt der Film seine beklemmende Atmosphäre durch alltägliche Höflichkeit – und durch ein Gesicht, dem man normalerweise bedingungslos vertraut.

Es war keine klassische „Bösewicht-Rolle“, wie man sie aus Hollywood kennt. Vielmehr war es ein bewusster Schritt weg von der gewohnten Komfortzone, der das Publikum dazu zwang, die eigene Vorstellung davon zu hinterfragen, welche Art von Figur ein Robin-Williams-Charakter eigentlich sein sollte. | © Fox Searchlight Pictures

Anne Hathaway in Havoc cropped processed by imagy

Anne Hathaway in Havoc (2005)

Davor war Anne Hathaways Image nahezu makellos: die königliche Verwandlung in „Plötzlich Prinzessin!“, die strahlende Unschuld aus „Ella – Verflixt & zauberhaft“ – eine typische Star-Inszenierung, die geradezu „sicher und familienfreundlich“ ausstrahlte.

Dann übernahm sie die Rolle in Havoc einer düsteren Abrechnung mit dem Leben verwöhnter Jugendlicher in Los Angeles, die Gefahr wie eine Form von Unterhaltung behandeln. Und plötzlich wurde genau dieses reine, unschuldige Image selbst zum Teil der Wirkung.

Bei dieser Rolle ging es nicht darum, vor der Kamera einfach nur „düster“ oder „rebellisch“ zu wirken. Es ging darum zu zeigen, wie hässlich Privilegien aussehen können, wenn die romantisierte Vorstellung von Rebellion auf die harten Konsequenzen der Realität trifft.

Wenn man sich vom Image eines Teenie-Stars lösen möchte, gelingt das nicht immer mit einem hoch angesehenen Drama. Manchmal braucht es einen Film, der bereit ist, einen von seiner unvorteilhaftesten Seite zu zeigen – töricht, rücksichtslos und alles andere als sympathisch. | © Media 8 Entertainment

Heath Ledger in The Dark Knight cropped processed by imagy

Heath Ledger in The Dark Knight (2008)

Kurz vor „Gotham“ wurde Heath Ledger noch immer vor allem als „Herzensbrecher mit schauspielerischer Bandbreite“ wahrgenommen: als charmanter Teenager in „10 Dinge, die ich an dir hasse“, als romantischer Abenteurer in „Ritter aus Leidenschaft“ und selbst in seinen ernsteren Rollen als tragischer Liebhaber in „Brokeback Mountain“.

Die Rolle des Jokers in The Dark Knight zu übernehmen, war nicht einfach nur ein weiterer düsterer Charakter. Es war ein Versuch, das alte Bild von ihm komplett hinter sich zu lassen. Christopher Nolans Batman-Universum brauchte einen Bösewicht, der sich wie eine echte Bedrohung anfühlte und nicht wie eine typische Comicfigur. Ledger nutzte diese Gelegenheit, um sich so weit wie möglich von den Erwartungen an den hübschen Hollywood-Star zu entfernen.

Das Ergebnis war eine Darstellung, nach der es unmöglich wurde, über ihn nur noch als Hauptdarsteller und Frauenschwarm zu sprechen. | © Warner Bros. Pictures

Emma Watson In The Bling Ring cropped processed by imagy

Emma Watson in The Bling Ring (2013)

Für Millionen von Zuschauern war Emma Watson im Grunde mit Hermione Granger aufgewachsen: klug, prinzipientreu und stets auf der richtigen Seite. Deshalb wurden ihre Rollen nach „Harry Potter“ zwangsläufig unter der Frage betrachtet: „Wie schafft sie es, dieses Image hinter sich zu lassen?“

The Bling Ring beantwortete die Frage mit einem Lächeln und einer Designerhandtasche: Sie spielt eine nach Aufmerksamkeit gierende Einbrecherin, die die Häuser berühmter Persönlichkeiten wie Einkaufszentren behandelt.

Dabei geht es gar nicht darum, dass ihre Figur ein kriminelles Genie wäre. Das Unheimliche ist vielmehr ihre erschreckende Gleichgültigkeit beim Überschreiten von Grenzen – eine Person, die Aufmerksamkeit mit Bedeutung verwechselt.

Nach einem Jahrzehnt, in dem sie mit moralischer Stärke und Anstand verbunden wurde, war der Schritt in eine Geschichte über leere Sehnsüchte und rücksichtsloses Privileg ein gezielter Angriff auf ihr „sympathisches Sauberfrau“-Image.

| © American Zoetrope

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Bryan Cranston in Breaking Bad (2008)

Wenn man Bryan Cranston hauptsächlich aus „Malcolm mittendrin“ kannte, war er für viele der liebenswerte Chaos-Magnet des Fernsehens: ein gutmütiger, etwas unbeholfener Vater, der aus jedem kleinen Problem ein komödiantisches Desaster machen konnte.

Genau dieses Image machte sich Breaking Bad zunutze – denn der frühe Walter White musste wie jemand wirken, dem man auf dem Parkplatz freundlich zuwinkt, und nicht wie jemand, vor dem man Angst haben sollte.

Cranston übernahm die Rolle in einer Zeit, in der Sitcom-Hauptdarsteller nur selten die Möglichkeit bekamen, sich derart radikal neu zu erfinden. Die Serie ermöglichte ihm eine langsame, schleichende Verwandlung, bei der er das Image des „lustigen Familienvaters“ Stück für Stück ablegen konnte.

Es war kein plötzlicher Imagewechsel über Nacht, sondern eine langfristige, bewusst inszenierte Entwicklung in eine deutlich düsterere Richtung – eine Veränderung, die seine gesamte Karriere neu definierte. | © Sony Pictures Television

John Lithgow in Dexter cropped processed by imagy

John Lithgow in Dexter (2006)

Für viele Zuschauer war John Lithgow der Inbegriff von „jemandem, bei dem man sich wohlfühlt“: die liebenswerte, schrullige Alien-Komik aus „Hinterm Mond gleich links“, die Ausstrahlung eines genialen Familienvaters und diese kultivierte, freundliche Präsenz, die jede Szene sofort vertraut wirken lässt.

Genau deshalb funktioniert seine Kehrtwende in Dexter so gut als Imagewechsel – denn die Rolle baut auf diesem vorhandenen Vertrauen auf und nutzt es gezielt gegen das Publikum. Er tritt zunächst als respektabler, ruhig wirkender Familienvater auf, als jemand, den man niemals für eine Bedrohung halten würde. Die Serie nutzt genau diese sympathische Fassade als Ablenkungsmanöver.

In diesem Abschnitt seiner Karriere einen derart markanten Bösewicht im Prestige-Fernsehen zu spielen, wirkte zudem wie ein klares Statement: Er wollte nicht länger nur gemocht werden – er wollte im Gedächtnis bleiben.

Es ist eine dieser seltenen Besetzungsentscheidungen, die einen dazu bringen, das gesamte „Wohlfühl“-Image eines Schauspielers neu zu betrachten. | © Showtime

Tom Hanks in Road to Perdition cropped processed by imagy

Tom Hanks in Road to Perdition (2002)

Anfang der 2000er war Tom Hanks längst zu Amerikas emotionalem Mittelpunkt geworden: „Forrest Gump“, „Apollo 13“, „Der Soldat James Ryan“, „Cast Away – Verschollen“ – selbst wenn die Geschichten brutal waren, wirkten seine Figuren im Kern immer anständig und menschlich.

Ihn dann in einem historischen Gangsterdrama zu sehen, war deshalb nicht einfach nur „ein anderes Genre“. Es war eine bewusste Bewegung hin zu moralisch grauen Bereichen. In Road to Perdition spielt er nicht den gesprächigen, charmanten Gangster-Typen, sondern einen wortkargen Vollstrecker, der sein Handwerk in Sachen Gewalt beherrscht und sich den Luxus der Unschuld nicht leisten kann.

Der Film spielt auf raffinierte Weise mit seinem sympathischen Image, denn als Zuschauer wartet man ständig darauf, dass er den sauberen Ausweg findet – den Weg, den man von einem typischen Hanks-Helden erwarten würde.

Stattdessen erzählt der Film die Geschichte eines Mannes, der versucht, ein guter Vater zu sein, während er in einer Welt lebt, in der sein Beruf alles verunreinigt, was er berührt. | © DreamWorks Pictures

Henry Fonda in Once Upon a Time in the West cropped processed by imagy

Henry Fonda in Spiel mir das Lied vom Tod (1968)

Menschen verbanden Henry Fonda nicht mit Bedrohlichkeit – sie verbanden ihn mit Integrität. Jahrzehnte des klassischen Hollywood-Kinos hatten das Publikum darauf geprägt, sein Gesicht als Zeichen von Verlässlichkeit zu lesen: der prinzipientreue Geschworene in „Die zwölf Geschworenen“, die unerschütterliche Menschlichkeit in „Früchte des Zorns“ und diese ruhige moralische Stärke, auf der man einen ganzen Film aufbauen konnte.

Genau deshalb wirkt Sergio Leones Besetzung von ihm in dieser Rolle wie ein filmischer Schockmoment – noch bevor die Geschichte ihr wahres Ausmaß vollständig offenbart.

Fonda wurde nicht düster, indem er seine gesamte schauspielerische Ausdrucksweise veränderte. Er wurde düster, indem er genau diese vertraute Ruhe beibehielt – und sie einer skrupellosen Figur verlieh.

Es war außerdem ein später Karriereschritt, der großes Selbstvertrauen ausstrahlte: Wenn ein Image so fest verankert ist, gibt es kaum eine wirkungsvollere Möglichkeit, das Publikum zu überraschen, als die Bedeutung der eigenen Ausstrahlung komplett umzudrehen. | © Paramount Pictures

Steve Carell in Foxcatcher cropped processed by imagy

Steve Carell in Foxcatcher (2014)

Jahrelang lag Steve Carells besondere Wirkung in seiner unbeholfenen Herzlichkeit: ob als unangenehm peinlicher, gleichzeitig aber liebenswerter Verlierer in „The Office“ oder mit der charmanten, etwas tollpatschigen Aufrichtigkeit in Filmen wie „Jungfrau (40), männlich, sucht …“. Selbst wenn er fehlerhafte Figuren spielte, sollte man meistens mit ihnen mitfühlen, über sie lachen oder ihnen zumindest verzeihen.

Foxcatcher war eine radikale Abkehr von dieser vertrauten Seite – und gleichzeitig eine sehr gezielte Form von „Düsternis“. Es geht nicht um einen überzeichnet bösen Charakter, sondern um eine verstörende Form von Macht, die sich hinter Geld, guten Manieren und einem Gefühl von Anspruch verbirgt.

Die Entscheidung, eine reale Person mit einem beunruhigenden Ruf zu verkörpern, verschaffte ihm den perfekten Ausbruch aus der Schublade des „lustigen, netten Kerls“. Sie ermöglichte ihm, auf Härte und Bedrohlichkeit zu setzen, statt darauf, sympathisch zu wirken.

Es ist genau die Art von Rolle, die Schauspieler annehmen, wenn sie es leid sind, nur zur Party eingeladen zu werden – und stattdessen selbst bestimmen wollen, wer den Raum beherrscht. | © Annapurna Pictures

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Jim Carrey in The Number 23 (2007)

In den 90er-Jahren war Jim Carrey der Garant für gute Laune: „Ace Ventura“, „Die Maske“, „Dumm und Dümmer“ – ein Entertainer, bei dem das Publikum darauf vertraute, dass er jede angespannte Situation in einen Witz und jedes Chaos in Unterhaltung verwandeln konnte.

Selbst seine ernsteren Rollen hatten immer noch einen sympathischen Kern, weshalb man hinter seinen übertriebenen Gesichtsausdrücken stets einen anständigen Menschen erwartete.

Mit Nummer 23 versucht er, genau diese Erwartung zu zerstören. Er trägt einen Film, der von Besessenheit, Misstrauen und dem beklemmenden Gefühl lebt, dass vielleicht der eigene Verstand der eigentliche Feind sein könnte.

Es war keine kurze Abweichung von seinem üblichen Image – genau darum geht es bei der Besetzung. Ein Schauspieler, der für seine grenzenlose körperliche Komik bekannt ist, wird in eine düstere psychologische Abwärtsspirale gesetzt.

Man kann die Karriere-Logik dahinter beinahe erkennen: Wenn das eigene Image für pure Helligkeit und gute Laune steht, besteht der schnellste Weg zu einem Wandel darin, zwei Stunden lang in einer Welt voller Schatten zu verbringen. | © New Line Cinema

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Daniel Radcliffe in Horns (2013)

Kaum war die Tinte unter dem Finale von „Harry Potter“ getrocknet, begann Daniel Radcliffe bereits, sich von allem zu entfernen, was nach einem „sauberen Heldenimage“ roch.

Wenn man seine Jugend als der wohl berühmteste gute Junge der Popkultur verbracht hat, wollen Casting-Verantwortliche einen oft genau dort behalten: ehrlich, mutig und irgendwie inspirierend.

Horns ist eine direkte Absage an dieses Bild. Der Film versetzt ihn in einen Albtraum, in dem Trauer in Misstrauen umschlägt und die Menschen in seiner Heimatstadt längst beschlossen haben, dass er schuldig ist – noch bevor die Wahrheit überhaupt ans Licht kommt.

Es ist eine besonders kluge Form des Imagewechsels, weil der Film das Thema Ruf und öffentliche Wahrnehmung selbst ins Zentrum stellt: wie schnell die Welt ihr Bild von einem Menschen verändert und wie Wut und Schmerz jemanden so stark verändern können, dass er kaum wiederzuerkennen ist.

Radcliffe entschied sich nicht für eine sichere Übergangsrolle. Er wählte eine Geschichte, die ihn in chaotische, unangenehme und moralisch schwierige Bereiche zwingt – das genaue Gegenteil der makellosen Welt voller Magie und Hoffnung, mit der man ihn aus „Harry Potter“ verband. | © Red Granite Pictures

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Patrick Stewart in Green Room (2015)

Mit dieser Stimme und dieser Haltung verbindet man automatisch ein Gefühl von Sicherheit – das Gefühl, dass gerade ein erwachsener, vernünftiger Mensch den Raum betreten hat und alles mit ruhiger Kompetenz geregelt wird.

Patrick Stewart hatte über Jahrzehnte hinweg genau diese Ausstrahlung aufgebaut: durch Figuren, die von Gelassenheit, Würde und moralischer Autorität geprägt waren. Deshalb wirkt Green Room wie ein grausamer Zaubertrick, der gezielt mit dem Vertrauen des Publikums spielt.

Statt eine Mentorfigur zu verkörpern, die andere aus der Gefahr herausführt, ist er hier die Person, an die sich die Gefahr selbst richtet. Der Film lässt dabei ausgerechnet seine höfliche, geschäftsmäßige Art die beunruhigendste Wirkung entfalten.

Dabei ging es nicht einfach nur darum, auf typische Weise „seine Bandbreite zu zeigen“. Es war eine bewusste Entscheidung in einer späten Phase seiner Karriere, sein eigenes öffentliches Image gezielt gegen die Erwartungen des Publikums einzusetzen.

Wenn jemand, der für viele fast ein Symbol für Anstand und Verlässlichkeit geworden ist, plötzlich in einem brutalen, dreckigen Thriller auftaucht, erkennt man, wie leicht Autorität in Bedrohlichkeit umschlagen kann. | © A24

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Charlize Theron in Monster (2003)

Glamour hatte Charlize Theron stets wie ein Scheinwerfer begleitet: vom Model zum Filmstar, über klassische Hauptrollen bis hin zu dieser makellosen Ausstrahlung, die Hollywood so gerne als „unerreichbar“ inszeniert.

Mit Monster trat sie komplett aus diesem Rahmen heraus. Sie entschied sich für eine Rolle, die verlangte, dass man sie ohne den schützenden Glanz von Schönheit oder Star-Aura wahrnahm.

Es ist genau die Art von Projekt, für die man sich entscheidet, wenn man es leid ist, schon beschrieben und beurteilt zu werden, bevor man überhaupt ein Wort gesagt hat – und wenn man möchte, dass die eigene Arbeit für einen spricht.

Die Rolle vermittelte außerdem eine klare Botschaft für ihre Karriere: Sie wollte sich nicht länger auf ihr Image verlassen, sondern es bewusst komplizierter machen – selbst wenn das bedeutete, eine Figur zu verkörpern, mit der das Publikum vielleicht nicht gerne Zeit verbringen möchte.

Düster, ja – aber auch ein strategischer Schritt. Denn diese Entscheidung veränderte dauerhaft, für welche Arten von Rollen sie danach wahrgenommen und besetzt werden konnte. | © Newmarket Films

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Ben Kingsley in Sexy Beast (2000)

Prestige-Schauspieler werden oft mit Begriffen wie „Würde“ und „Seriosität“ verbunden – und Ben Kingsley hatte dieses Image fest verankert: eine Oscar-prämierte Karriere und der Ruf, mit kontrollierter Intensität zu spielen.

Sexy Beast nimmt genau diese Erwartungen und zerlegt sie, indem der Film ihm eine Figur gibt, die aus purer Aggression besteht, keinerlei Interesse an guten Manieren hat und nicht im Geringsten darauf aus ist, respektiert zu werden.

Das Geniale an dieser Entscheidung ist, wie sehr sie unsere Vorstellung von ihm durcheinanderbringt: Man kennt ihn als jemanden, der Ernsthaftigkeit mit Eleganz verkörpert. Plötzlich ist er ein menschlicher Schnellkochtopf – unberechenbar, hässlich und gerade deshalb auf eine faszinierende Weise unterhaltsam.

Es ist außerdem eine ganz besondere Art von düsterem Imagewechsel: weniger tragische Würde, sondern rohe Einschüchterung. Die Rolle sollte beweisen, dass er einen Film auch ohne die üblichen Anzeichen von Ansehen und Erhabenheit dominieren konnte.

Wenn ihn seine früheren Rollen beinahe unangreifbar wirken ließen, macht ihn diese Rolle zu einer Bedrohung, der man nicht entkommen kann. | © Fox Searchlight Pictures

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Elijah Wood in Sin City (2005)

Frodos Sanftmut war nicht einfach nur eine Charaktereigenschaft – sie wurde zu einem festen Bestandteil von Elijah Woods öffentlichem Bild: diese große, ehrliche Aufrichtigkeit, die moralische Mitte und der Typ Mensch, den man instinktiv beschützen möchte.

Sin City verstand genau das und setzte es gezielt ein, indem der Film ihn in eine stilisierte Noir-Welt versetzte, in der Unschuld zur Schwäche wird und vertraute Gesichter zum bitteren Überraschungseffekt eines makabren Witzes werden können.

Die Besetzung funktioniert gerade deshalb so gut, weil man ihn sofort erkennt und das eigene Gehirn ihn automatisch in die Schublade „ungefährlich“ steckt – doch der Film verweigert dem Publikum genau diese Sicherheit.

Nach einem Franchise, das moderne Heldenhaftigkeit und moralische Reinheit praktisch mitgeprägt hatte, war die Entscheidung für einen grellen, verstörenden Comic-Albtraum ein deutliches Statement: Er wollte nicht für immer auf die Rolle des Unschuldigen festgelegt werden.

Es ist die Art von Imagewechsel, die das Publikum wachrütteln soll: Hört auf, den sanften Helden zu erwarten – denn diese Richtung interessiert ihn nicht mehr. | © Miramax Films