Guillermo del Toros Lieblingsfilme aller Zeiten

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Ignacio Weil

Entertainment - Juli 12th 2025, 15:00 MESZ

Cropped no rest for the wicked 2011 — No Rest for the Wicked (2011)

Vor der düsteren, unerbittlichen Kulisse einer Stadt entfaltet dieser spanische Krimi-Thriller eine kraftvolle Geschichte mit einer moralisch komplexen Erzählweise und roher Ausführung. Der Film folgt einem entlassenen Polizisten, dessen gewalttätige Vergangenheit ihn einholt und eine spannungsgeladene Reise in die Dunkelheit schafft. José Coronado liefert eine packende Leistung, die das emotionale Gewicht des Films mit erschütterndem Realismus verankert. Del Toros Wertschätzung für diesen Film rührt wahrscheinlich von seinem unerschütterlichen Ton und den vielschichtigen Charakterbögen her – Elemente, die in seinen eigenen dunkleren Werken widerhallen. In jeder Szene ist eine spürbare Spannung zu spüren, unterstützt von einem präzisen Drehbuch und eindrucksvoller Kameraführung. Es ist nicht nur ein Krimi-Drama – es ist eine Studie über Schuld, Erlösung und die verschwommenen Grenzen zwischen Gerechtigkeit und Rache. | © Telecinco Cinema

Cropped arcane sorcerer 1996 — The Arcane Enchanter (1996)

Vor der düsteren, unerbittlichen Kulisse einer Stadt entfaltet dieser spanische Krimi-Thriller eine kraftvolle Geschichte mit einer moralisch komplexen Erzählweise und roher Ausführung. Der Film folgt einem entlassenen Polizisten, dessen gewalttätige Vergangenheit ihn einholt und eine spannungsgeladene Reise in die Dunkelheit schafft. José Coronado liefert eine packende Leistung, die das emotionale Gewicht des Films mit erschütterndem Realismus verankert. Del Toros Wertschätzung für diesen Film rührt wahrscheinlich von seinem unerschütterlichen Ton und den vielschichtigen Charakterbögen her – Elemente, die in seinen eigenen dunkleren Werken widerhallen. In jeder Szene ist eine spürbare Spannung zu spüren, unterstützt von einem präzisen Drehbuch und eindrucksvoller Kameraführung. Es ist nicht nur ein Krimi-Drama – es ist eine Studie über Schuld, Erlösung und die verschwommenen Grenzen zwischen Gerechtigkeit und Rache. | © RAI Radiotelevisione Italiana

Cropped Fellinis Casanova 1976 — Fellini’s Casanova (1976)

Mehr als nur eine Adaption der berüchtigten Eskapaden des Liebhabers, verwandelt Federico Fellinis Interpretation von Casanova Giacomo Casanova in eine melancholische Figur, die in einer grotesken und surrealen Welt umherirrt. Donald Sutherland, in der Titelrolle fast nicht wiederzuerkennen, liefert eine Performance, die von Entfremdung und Abkehr geprägt ist und die existenzielle Isolation des Charakters betont. Visuell extravagant und narrativ traumhaft, ist der Film eine Meisterklasse in Produktionsdesign, die perfekt mit del Toros Leidenschaft für visuelles Erzählen harmoniert. Die theatralen Sets und dekadenten Kostüme verleihen dem Film eine mythische Qualität, die Geschichte in etwas Legendenhaftes und Unheimliches verwandelt. Es ist leicht nachzuvollziehen, warum del Toro diesen Film verehren würde – er behandelt Dekadenz sowohl mit Bewunderung als auch mit Kritik, eine Dualität, die er oft in seinen eigenen Arbeiten erforscht. | © Produzioni Europee Associati (PEA)

Cropped the telephone box 1972 — La Cabina (1972)

Kurz was die Laufzeit ageht, aber gewaltig in der Wirkung, ist *La Cabina* ein erschreckender spanischer Kurzfilm, der einen alltäglichen Ort in einen surrealen Albtraum verwandelt. Ohne auf Dialoge zurückzugreifen, schafft es der Film, ein klaustrophobisches und kafkaeskes Gefühl der Angst zu erzeugen. José Luis López Vázquez spielt einen Mann, der unschuldig eine öffentliche Telefonzelle betritt, nur um sich auf unerklärliche Weise darin gefangen zu finden – was folgt, ist ein langsamer, unvermeidlicher Abstieg in die gesellschaftliche Entfremdung. Die unheimliche Atmosphäre des Films und das düster ironische Ende spiegeln dieselben Sensibilitäten wider, die del Toro häufig in seine eigenen Erzählungen einfließen lässt. Seine Einfachheit ist trügerisch; unter der Oberfläche verbirgt sich eine scharfe Kritik an Bürokratie und Gleichgültigkeit. Dieser obskure Klassiker zeigt die Macht des visuellen Erzählens, um Horror ohne ein einziges Wort zu vermitteln. | © Televisión Española

Cropped duel 1971 — Duell (1971)

Vor *Jaws* und *E.T.* schuf Steven Spielberg *Duell*, einen nervenaufreibenden Thriller, der die Spannung auf ihre einfachste – und effektivste – Form reduziert. Die Geschichte folgt einem einsamen Fahrer, der von einem gesichtslosen, unerbittlichen Lkw durch öde Autobahnen verfolgt wird und das Alltägliche in etwas Terrorisierendes verwandelt. Dennis Weaver liefert eine eindrucksvolle Leistung als der „Jedermann“, der in Paranoia versinkt und die Angst vor einer unsichtbaren Bedrohung einfängt. Es ist eine minimalistische Übung in Spannung, brillant im Tempo und visuell einfallsreich trotz des geringen Budgets. Del Toro, ein langjähriger Bewunderer meisterhafter Spannung und psychologischen Horrors, hat gelobt, wie der Film mit so wenig so viel erreicht. Sein rauer Realismus und der primale Terror machen *Duell* zu einem prägenden Werk in der Entwicklung des modernen Thriller-Kinos. | © Universal Television

Cropped nazarin 1959 — Nazarin (1959)

Luis Buñuels *Nazarin* ist eine tiefgründige Auseinandersetzung mit Glauben, Moral und Heuchelei, eingebettet in die harten Realitäten des ländlichen Mexikos. Francisco Rabal spielt Pater Nazario, einen frommen Priester, dessen Versuche, nach christlichen Werten zu leben, immer wieder auf Missverständnis und Grausamkeit stoßen. Der Film verbindet strengen Realismus mit Buñuels markanten surrealen Elementen, wodurch eine Spannung zwischen Idealismus und weltlicher Korruption entsteht. Del Toro hat Buñuel oft als einen einflussreichen Regisseur genannt, und es ist leicht nachzuvollziehen, warum: *Nazarin* stellt religiöse Dogmen infrage, während es dennoch spirituelle Aufrichtigkeit wertschätzt. Der Film liefert keine einfachen Antworten, sondern zwingt die Zuschauer dazu, unbequeme Wahrheiten über die menschliche Natur und gesellschaftliche Urteile zu konfrontieren. | © Producciones Barbachano Ponce

Cropped il grido 1957 — Der Schrei (1957)

Wenige Regisseure fangen existenzielle Verzweiflung so zärtlich und schmerzhaft ein wie Michelangelo Antonioni, und *Der Schrei* gehört zu seinen emotional resonantesten Werken. Der Film folgt einem Arbeiter, gespielt von Steve Cochran, der nach dem Ende einer langjährigen Beziehung durch die italienische Landschaft wandert. Während er von Stadt zu Stadt zieht, erodieren Beziehungen und Hoffnung allmählich, was seine innere Zersetzung widerspiegelt. Antonionis charakteristische langen Einstellungen und trostlosen Landschaften betonen ein Gefühl der Entfremdung, das del Toro für seine Ehrlichkeit und Atmosphäre bewundert. Es ist eine eindrucksvolle Meditation über Einsamkeit und Identität, erzählt durch stille Blicke und leere Straßen anstelle dramatischer Gesten. | © Cino Del Duca

Cropped strangers on a train 1951 — Der Fremde im Zug (1951)

Einer von Alfred Hitchcocks beständigsten Thrillern, *Der Fremde im Zug*, ist eine spannungsgeladene, stilvolle Auseinandersetzung mit Schuld und der dunklen Seite zufälliger Begegnungen. Farley Granger und Robert Walker liefern unvergessliche Leistungen als zwei Männer, deren Schicksale sich nach einem beiläufigen Gespräch über „Kreuzmord“-Morde miteinander verknüpfen. Walkers Darstellung des charmanten, aber tief gestörten Bruno Anthony verleiht dem Film seine unheimliche Schärfe. Del Toro, ein bekannter Bewunderer von Hitchcocks Handwerkskunst, hat diesen Film für sein spannungsgeladenes Tempo und die moralische Ambiguität gelobt. Die Bilder – wie der unvergessliche Karussell-Klimax – bleiben lange nach dem Abspann einprägsam und beweisen Hitchcocks unvergleichliche Fähigkeit, eine einfache Prämisse in eine Meisterklasse der Spannung zu verwandeln. | © Warner Bros.

Cropped A Family Like Many Others 1949 — A Family Like Many Others (1949)

Dieses eindrucksvolle mexikanische Drama, inszeniert von Alejandro Galindo, zeichnet ein lebendiges Porträt des Mittelstandes und der subtilen Veränderungen, die durch die Moderne hervorgerufen werden. Die Geschichte dreht sich um einen konservativen Haushalt, der durch das Erscheinen eines charismatischen Außenseiters, gespielt von David Silva, erschüttert wird, der neue Ideen einbringt und die patriarchalische Autorität herausfordert. Marga López liefert eine vielschichtige Leistung als Tochter, die zwischen Tradition und Selbstfindung hin- und hergerissen ist. Es ist ein zutiefst menschlicher Film, voller emotionaler Nuancen und gesellschaftlicher Kritik – Qualitäten, die zweifellos mit del Toros eigenem Hintergrund und seinen erzählerischen Themen in Resonanz stehen. Leise, kraftvoll fängt er die universelle Spannung zwischen alten Werten und neuen Bestrebungen ein. | © Clasa Films Mundiales

Cropped fallen angel 1945 — Mord in der Hochzeitsnacht (1945)

Dieser Noir-Klassiker von Otto Preminger taucht ein in eine Welt der Manipulation, Verzweiflung und Lust. Dana Andrews spielt einen Herumtreiber, der zwischen zwei Frauen gefangen wird – einer verführerischen Kellnerin, gespielt von Linda Darnell, und einer kleinen Stadt-Erbin, verkörpert von Alice Faye. Mit schattiger Kameraführung und einem moralisch grauen Protagonisten verkörpert *Mord in der Hochzeitsnacht* die verführerische Gefahr des Noir in seiner Hochphase. Del Toro hat seine Bewunderung dafür ausgedrückt, wie diese Filme Ambiguität umarmten und Charaktere in Grautönen malten, anstatt in Schwarz und Weiß. Die düstere Ästhetik des Films und die Themen von Täuschung und Sehnsucht sind alles Elemente, die del Toro bei seiner eigenen Herangehensweise an tragische Romantik und Noir-Erzählkunst inspiriert haben. | © 20th Century Fox

Cropped suspicion 1941 — Verdacht (1941)

Mit Joan Fontaine und Cary Grant in den Hauptrollen spielt *Verdacht* geschickt mit den Erwartungen des Publikums, indem es einen der charmantesten Hollywood-Hauptdarsteller als möglicherweise mörderischen Ehemann besetzt. Fontaines nuancierte Darstellung brachte ihr einen Oscar ein und machte sie zur ersten Schauspielerin, die für einen Hitchcock-Film ausgezeichnet wurde. Die Spannung dreht sich darum, ob Grants Charakter wirklich liebevoll ist oder dunkle Motive verbirgt, und Hitchcock manipuliert meisterhaft die Wahrnehmung durch Beleuchtung, Bildkomposition und Musik. Del Toro hat oft seine Bewunderung dafür ausgedrückt, wie Spannung aus Andeutungen statt aus Spektakel entstehen kann, und dieser Film ist ein perfektes Beispiel dafür. Es ist ein langsam brennender psychologischer Thriller mit einem Ende, das weiterhin für Diskussionen sorgt. | © RKO Radio Pictures

Cropped freaks 1932 — Freaks (1932)

Ein bahnbrechender Film, der auch heute noch provoziert, verwandelt *Freaks* das, was hätte ausbeuterisch sein können, in etwas zutiefst einfühlsames und Menschliches. Unter der Regie von Tod Browning zeigt der Film echte Zirkusdarsteller mit körperlichen Unterschieden und rückt ihre Perspektive in den Mittelpunkt, anstatt sie zu marginalisieren. Was als Geschichte über Vertrauen und Gemeinschaft beginnt, verwandelt sich in einen Rache-Thriller, als Grausamkeit ans Licht kommt. Del Toro hat *Freaks* häufig als persönliche Inspiration genannt – die Botschaft, dass Schönheit und Monstrosität in jedem von uns existieren können, ist einer seiner zentralen künstlerischen Überzeugungen. Mit unvergesslichen Charakteren und einem ikonischen Finale bleibt *Freaks* ein wesentlicher Bestandteil der Horrorfilmgeschichte. | © Metro-Goldwyn-Mayer

Cropped greed — Gier (1924)

Erich von Stroheims *Gier* gilt als eine der ambitioniertesten und tragischsten Geschichten der Stummfilmgeschichte. Ursprünglich über neun Stunden lang, bevor sie brutal gekürzt wurde, liefert die verbleibende Version immer noch einen kraftvollen Schlag. Der Film erzählt die Geschichte von McTeague und seinem Abstieg in die Besessenheit, getrieben von Geld und Verrat. Gibson Gowland führt die Besetzung mit einer rohen, ausdrucksstarken Leistung an, die die Erzählung ohne gesprochene Worte trägt. Del Toro, ein Liebhaber von verlorenen oder veränderten filmischen Schätzen, hat *Greed*oft als Beispiel für Kunst hervorgehoben, die durch den Kommerz kompromittiert wurde. Die letzte Szene – zwei Männer, die in einem Todeskampf in der Wüste gefangen sind – gehört zu den ikonischsten in der frühen Filmgeschichte. | © Metro-Goldwyn Pictures

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Wenige Filmemacher tragen ihre Liebe zum Kino so leidenschaftlich zur Schau wie Guillermo del Toro. Bekannt für seine düster-fantastische Erzählweise und visuell reiche Welten, nennt del Toro oft eine Vielzahl von Filmen – von Kultklassikern bis hin zu internationalen Meisterwerken – als prägende Einflüsse auf seine Arbeit. Aber welche Filme haben seine filmische Reise wirklich geprägt?

Diese kuratierte Liste von Guillermo del Toros Lieblingsfilmen wurde in Zusammenarbeit mit Les Films du Camélia zusammengestellt, anlässlich der Veröffentlichung der neuen Collector's Blu-ray-Edition von Cronos – seinem wegweisenden Debütfilm aus dem Jahr 1993. Wenn du dich mit diesen Auswahlen beschäftigst, erhältst du einen tieferen Einblick in die Filme, die einen bleibenden Eindruck im kreativen Universum von del Toro hinterlassen haben. Ob du nun ein Cineast oder ein neugieriger Neuling bist, diese Liste ist ein Muss für alle, die sich für die Filme interessieren, die einen der visionärsten Regisseure des modernen Kinos inspiriert haben.