Oscars 2026: Alle Filme, die die Akademie dieses Jahr vergessen hat

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Ignacio Weil

Entertainment - Januar 27th 2026, 10:00 MEZ

Materialists cropped processed by imagy — 15. Was ist Liebe wert: Materialists

Prestige-Romanzen können auf dem Papier wie ein sicherer Tipp wirken und trotzdem komplett leer ausgehen, sobald die Stimmzettel abgegeben werden, besonders wenn der Vibe „erwachsen, geschniegelt und sich seiner selbst extrem bewusst“ ist. Mitten in all dem Gerede über Geld und Statusangst findet: *Was* *ist Liebe wert:* *Materialists,* seine schärfste Kante in den kleinen sozialen Aushandlungen, wer zahlt, wer Geschmack performt, wer so tut, als stünde er über all dem. Céline Songs Folgefilm setzt stark auf Gespräch als Konflikt, mit Darstellungen, die selbst dann meist wenigstens eine Drehbuch-Nominierung einbringen, wenn ein Film kein ernsthafter Kandidat für Bester Film ist. Genau deshalb fühlt sich das völlige Übergehen so seltsam an, das war kein winziger Außenseiter, der auf ein Wunder hoffte, sondern ein Film, der wie eine Einladung gebaut war. Selbst wenn man nicht jede Entscheidung mochte, hat man wahrscheinlich erwartet, ihn irgendwo auf der Liste zu sehen. | © A24

Cropped Wicked For Good — 14. Wicked: For Good

Ein Film dieser Größenordnung gewinnt normalerweise schon allein durch seine Wucht irgendetwas, Handwerkskategorien, schauspielerische Leistungen, vielleicht sogar eine Art „das können wir nicht ignorieren“-Nominierung aus schierer Größe heraus. Und trotzdem wachte *Wicked: For Good* mit einem kompletten Nichts auf, was ziemlich verrückt ist, wenn man bedenkt, wie viel sichtbare Arbeit in einer Fortsetzung wie dieser steckt. Klar, das zweite Kapitel wird oft strenger beurteilt, und viele fanden, dass die Geschichte nicht so sauber aufgegangen ist wie im ersten Film. Aber ein vollständiges Übergehen liest sich trotzdem so, als hätte die Academy ein Statement setzen wollen und nicht nur nach Geschmack abgestimmt. Es ist schwer, das zu sehen, ohne diese Diskrepanz zu spüren zwischen dem, was das Jahr verkauft, und dem, was am Ende belohnt wird. | © Universal Pictures

Amanda seyfried The Testament of Ann Lee 2025 cropped processed by imagy — 13. The Testament of Ann Lee

Ein Shaker-Musical klingt zunächst nach einem klaren Außenseiter für Preise, bis man sieht, mit welcher Selbstsicherheit es sich auf seine eigene seltsame, spirituelle Intensität einlässt. Mona Fastvold inszeniert mit Disziplin und Mut, und die Darstellungen versuchen nicht, sich dem Publikum zu „erklären“, besonders dann, wenn *The Testament of Ann Lee* verlangt, sich mit Glauben, Macht und Obsession auseinanderzusetzen, ohne die Kanten abzuschleifen. Amanda Seyfried geht Berichten zufolge aufs Ganze, eine Art von Leistung, die oft selbst bei Wählern, die dem Film insgesamt nicht völlig folgen, zumindest eine Schauspielnominierung erzwingt. Doch so eigenständige Projekte können Stimmzettel schnell spalten, zu unkonventionell für die sichere Mitte, zu formal kühn für einen einfachen Trostpreis in den Technik-Kategorien. Genau deshalb fühlt sich das Ergebnis ohne jede Nominierung so an, als hätte die Academy einen echten Wurf bewusst umgangen. | © Annapurna Pictures

Jay Kelly cropped processed by imagy — 12. Jay Kelly

Netflix hatte hier ein geschniegelt inszeniertes, klar von Filmschaffenden getragenes Drama, das wie ein Selbstläufer für die Academy aussah, und musste dann mitansehen, wie es ignoriert wurde, als hätte es den Lärm der Saison nie durchdrungen. Noah Baumbach verpasst George Clooney eine Midlife-Krise mit echtem Biss und Adam Sandler eine dieser leisen präzisen Rollen, in denen er witzig ist, ohne auf Gags zu schielen. *Jay Kelly* ist genau die Art von Figurenstück, die sich normalerweise heimlich in die Drehbuch- oder Schauspielkategorien schiebt. Stattdessen wanderte die Aufmerksamkeit der Saison zu lauteren Erzählungen, und dieser Film bekam nie den nötigen Schub, um zu einem „muss man ankreuzen“-Titel zu werden. Der Snub ist nicht schockierend, weil der Film perfekt wäre, sondern weil er so offensichtlich genau für dieses Spiel gebaut ist. | © Netflix

Wake Up Dead Man A Knives Out Mystery — 11. Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery

Rian Johnson weiß genau, wie man einen Crowdpleaser mühelos wirken lässt, und das Wilde ist, dass sich dieser Film innerhalb eines Franchises trotzdem frisch anfühlt. Im zweiten Akt schlägt *Wake Up Dead Man: A Knives Out Mystery* dunklere, düsterere Töne an, gotischer und sperriger, und liefert dabei weiterhin das präzise Uhrwerk aus Hinweisen, Verdächtigen und Irreführungen. Daniel Craigs Benoit Blanc bleibt der Anker, aber der eigentliche Spaß liegt im Ensemble, weil alle so spielen, als wären sie in leicht unterschiedlichen Filmen, und es trotzdem perfekt zusammenpasst. Das ist genau die Art von handwerklich starkem Unterhaltungskino, von dem die Oscars behaupten, es zu schätzen, bis es dann doch als „nur ein Krimi“ abgetan wird. Wer einen Beweis dafür sucht, dass kluges Popcornkino auch ernstzunehmendes Filmemachen sein kann, findet ihn hier. | © T-Street Productions

Cropped The History of Sound — 10. The History of Sound

*The History of Sound* fühlte sich wie genau die Art von Prestige-Romanze an, für die die Academy normalerweise irgendwo Platz findet, selbst wenn sie kein übermächtiger Best-Picture-Gigant ist. Oliver Hermanus inszeniert die Liebesgeschichte mit echter Geduld, weniger großes-Moment-Kino, mehr über Zeit angesammelte Intimität, während Paul Mescal und Josh O’Connor alles in Sehnsucht erden, statt in pathetischen Reden. Dazu kommen die eingebaute Oscar-Sprache des Handwerks, Periodendetails, Musik und das bittersüße Ziehen der Erinnerung, das den Großteil der Arbeit übernimmt. Und trotzdem war der Film am Morgen der Nominierungen einfach verschwunden, was besonders seltsam wirkt bei einem Werk, das praktisch dafür konstruiert ist, bei Wählern gut anzukommen, die behaupten, sie würden erwachsene Dramen vermissen.| © Closer Media

The Housemaid cropped processed by imagy — 9. The Housemaid

Ein verschlungener Crowdpleaser kann trotzdem „Oscar-Bait“ sein, wenn er teuer aussieht, mit A-List-Stars besetzt ist und sich wie Prestige trägt, selbst wenn er in Wahrheit vor allem unterhalten will. *The Housemaid* hat diesen glänzenden, hochspannenden Erotic-Thriller-Look, und Amanda Seyfried verkauft eine Art eisiger Kontrolle, die normalerweise zumindest ein bisschen Award-Gerede nach sich zieht. Sydney Sweeneys Leistung gibt dem Film eine schärfere Kante als dem durchschnittlichen Feiertags-Hit, und das Ganze bewegt sich mit dem Selbstbewusstsein eines Films, der weiß, dass über ihn gesprochen werden wird. Aber die Academy weiß nicht immer, was sie mit einem Blockbuster anfangen soll, der nicht so tut, als wäre er feierlich, also wurde er wie pures Popcorn behandelt, trotz all der handwerklichen Arbeit, die offen sichtbar ist. | © Hidden Pictures

Sound of Falling cropped processed by imagy — 8. In die Sonne schauen

Manche Filme machen nicht so gerne viel Kampagne, sondern verfolgen einen, sie bleiben als Stimmung im Kopf hängen, die man nicht abschütteln kann. Die Ausgangsidee ist trügerisch einfach: Generationen von Mädchen, die an einen Ort gebunden sind, doch daraus entwickelt sich eine langsame, unheimliche Studie über Vererbung und Trauma, mit Bildern, die eher eingeätzt als arrangiert wirken. Etwa zur Hälfte merkt man, dass In die Sonne schauen still und leise etwas Radikales mit Zeit und Erinnerung macht, und genau diese formale Sicherheit lieben Kritiker, während Wähler ihr manchmal ausweichen. Der Film liefert keine offensichtliche Schauspiel-Showreel-Szene und keine sauber gebundene moralische Schleife; er zieht die Schlinge einfach immer enger. Wahrscheinlich ist genau das der Grund, warum er aus der Distanz bewundert wurde und dann vergessen wurde, als die Nominierungen gezählt wurden. | © Studio Zentral

Cropped Die My Love — 7. Die, My Love

Dieser Film hatte alle Zutaten, die sonst fast automatisch zu Nominierungen führen, einen großen Star, eine mutige Regie, ein „ernstes“ psychologisches Thema und eine Intensität, die Vorführungen in Debatten verwandelt. Jennifer Lawrence setzt auf eine Darstellung, die von Unberechenbarkeit und roher Nervosität lebt, und der Film glättet die hässlicheren Emotionen nicht, um sie bekömmlicher zu machen. Auch im Ton ist er nicht höflich, manchmal wütend, manchmal pechschwarz komisch, manchmal schlicht brutal, was Wähler selbst dann zurückschrecken lassen kann, wenn sie das Handwerk respektieren. Der Snub schmerzt, weil es genau die Art von risikofreudigem Prestige-Kino ist, von der viele behaupten, dass die Oscars dafür existieren, besonders bei *Die, My Love*. | © Black Label Media

Cropped Sorry Baby — 6. Sorry, Baby

Ein kleiner, präziser Indie kann Kritiker für sich gewinnen und trotzdem untergehen, wenn sich die Oscar-Debatte in einen Lautstärkewettbewerb verwandelt. Eva Victors Stimme ist hier der zentrale Anker, witzig auf die Art, wie echte Menschen witzig sind, wenn sie gerade versuchen, nicht auseinanderzufallen, mit Szenen, die genau deshalb funktionieren, weil sie unbeholfen, spezifisch und menschlich sind. Der Film vermeidet einfache Katharsis und lässt Heilung chaotisch aussehen, was ihn mutiger macht als viele „Themenfilme“, die auf inspirierende Höhepunkte schielen. Es ist außerdem genau die Art von stark autorengetriebenem Projekt, das zumindest am Drehbuchrand hätte auftauchen müssen, weil die Dialoge so viel tragen, ohne sich selbst anzukündigen. Stattdessen blieb er ein Mundpropaganda-Liebling, und genau deshalb tut es weh, dass die Academy keinen Platz für *Sorry, Baby* gefunden hat. | © Tango Entertainment

Cropped eddington — 5. Eddington

Ari Aster ist hier ganz sicher nicht auf Nummer sicher gegangen, und das Ergebnis ist genau die Art von Film, die noch vor dem Verlassen des Kinos Diskussionen auslöst. Angesiedelt im Jahr 2020 und gespeist von kleinstädtischer Paranoia, verwandelt *Eddington* einen lokalen politischen Konflikt in etwas Hässlicheres und zugleich typisch Amerikanisches, Nachbarn wählen Seiten, als wäre es ein Sport, und merken erst später, dass dieses Spiel reale Opfer fordert. Joaquin Phoenix ist der Motor der Spannung, nervös und unter Hochdruck stehend, während Pedro Pascal eine Form öffentlicher Selbstsicherheit verkörpert, die alles noch explosiver wirken lässt. Der Film ist scharf, zeitnah und bewusst unangenehm, also natürlich genau die Sorte von viel diskutiertem Werk, die von der Academy trotzdem komplett übergangen werden kann. Die Stimmung, die *Eddington* hinterlässt, vergisst man so schnell nicht. | © A24

A House of Dynamite cropped processed by imagy — 4. A House of Dynamite

*A House of Dynamite* ist wie ein Nominierungs-Magnet gebaut, Kathryn Bigelow, ein politischer Thriller mit hohem Einsatz und eine Besetzung voller „ernsthafter Kino“-Glaubwürdigkeit. Der Aufhänger des Films, Regierungsvertreter geraten in Panik, nachdem eine Interkontinentalrakete auf Chicago zielt, entwickelt sich zu einem Druckkessel aus Befehlsketten-Entscheidungen, Medienhysterie und moralischen Kompromissen, genau die Art von Stoff, die normalerweise zumindest Gespräche über Drehbuch oder Schauspiel auslöst. Idris Elba und Rebecca Ferguson verleihen dem Ganzen diese geerdete, prozedurale Intensität, die Bigelow so gut beherrscht, bei der das Drama aus Abläufen entsteht, nicht aus Reden. Doch Netflix-Titel gehen in der Saison seltsam leicht im Gedränge unter, wenn sich Favoriten herauskristallisieren, und dieser Film wirkte, als wäre er nie zum „muss man ankreuzen“-Titel geworden. Es ist schwer, das vollständige Übergehen nicht als Ausweichen der Academy vor einem kalten, modernen Albtraum zu lesen. | © Netflix

Bring her back cropped processed by imagy — 3. Bring Her Back

Das ist die Art von Horror, die dich nicht nur erschrecken will, sondern dich für den Rest der Nacht beunruhigt, vor allem, wenn man anfängt darüber nachzudenken, was die Figuren nicht mehr ungesehen machen können. In *Bring Her Back* legen die Philippou-Brüder den Fokus noch stärker auf den emotionalen Bestrafungsaspekt des übernatürlichen Horrors und machen Trauer und Familie zu den eigentlichen Schreckgespenstern, lange bevor irgendetwas Okkultes auftaucht. Sally Hawkins ist dabei die Geheimwaffe, sie spielt die Pflege-Mutterfigur mit einer Süße, die ein wenig zu einstudiert wirkt, als würde sie um Vertrauen vorsprechen, während sie das Messer bereits hinter dem Rücken verbirgt. Die fiesesten Momente des Films sind keine billigen Jumpscares, sondern langsam eskalierende Entscheidungen, bei denen man dem Bildschirm zuflüstert: „Tu das nicht“, wohl wissend, dass es trotzdem passieren wird. Der Film ist düster, bewusst gemein und unter all dem Blut auf seltsame Weise traurig, genau die Sorte Crowdpleaser, die einen trotzdem angeschlagen zurücklässt. | © Causeway Films

Warfare 2025 movie cropped processed by imagy — 2. Warfare

Es fühlt sich weniger wie ein „Kriegsfilm“ an und mehr so, als würde man ohne Ausgangsschild in die schlimmsten neunzig Minuten von jemandem geworfen werden. Schon im zweiten Satz spürt man, was *Warfare* anders macht, die Spannung entsteht nicht durch Reden oder Heldenschläge, sondern durch Abläufe, Verwirrung und die grausame Mathematik der Sekunden. Unter der Co-Regie von Alex Garland und dem Irakkriegsveteranen Ray Mendoza bleibt der Film brutal nah an der Perspektive des Zuges und lässt selbst kleinste Geräusche, Funkverkehr, Schritte oder Atmen wie Bedrohungen wirken. Die Darstellungen setzen auf Teamarbeit statt auf Selbstdarstellung, und genau deshalb funktioniert es, man sieht keine Einzelnen, die „Mut spielen“, sondern eine Einheit, die versucht zu funktionieren, während der Plan zusammenbricht. Wenn Leute sagen, der Film sei intensiv, meinen sie das im körperlichen Sinn, man kommt heraus und fühlt sich, als wäre man über die gesamte Laufzeit angespannt gewesen. | © DNA Films

No Other Choice cropped processed by imagy 1 — 1. No Other Choice

Park Chan-wook, der aus einer Geschichte über Konzernabbau etwas Gewalttätiges und pechschwarz Komisches macht, klingt zunächst wie ein Witz, bis man sieht, wie präzise er das umsetzt. Lee Byung-hun spielt einen Mann, dessen Leben durch Entlassungen leise ausgelöscht wird, und der Film verfolgt diese Demütigung auf eine Weise, die zugleich grotesk und schmerzhaft wiedererkennbar ist, die höflichen Lächeln, der erzwungene Optimismus, die Wut, die immer weiter geschluckt wird, bis sie sich ein schlimmeres Ventil sucht. Die Satire ist scharf, aber zugleich auch ein Thriller, und Park inszeniert die Eskalation mit jener eleganten Kontrolle, die das Hässliche noch schneidender wirken lässt. Das ist genau die Art internationales Schwergewicht, das in Überschriften gefeiert wird und trotzdem durchs Raster fällt, wenn abgestimmt wird. Die Academy hat keinen Platz für *No Other Choice* gefunden. | © CJ Entertainment

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Jede Oscar-Saison hinterlässt eine Spur von „Moment, das ist nicht nominiert worden?“-Titeln, also Filme, die sich wie sichere Kandidaten angefühlt haben, bis die Liste der Academy veröffentlicht wurde. Einige waren wirklich großartig und wurden trotzdem ignoriert, andere waren diese großen, glänzenden Oscar-Bait-Versuche, die es irgendwie trotzdem nicht geschafft haben.

Wir sprechen hier über die ganze Bandbreite, von übersehenen Perlen bis hin zu vermeintlichen Prestigeprojekten, die krachend gescheitert sind, ja, genau diese Art von Vibe wie Wicked: For Good oder Materialists. So oder so, wenn du das Rennen um die Oscars 2026 verfolgst, sind das die Filme, die es wert sind, noch einmal hervorgeholt zu werden oder über die man sich zumindest herrlich streiten kann.