Gaming
Einer der gehasstesten LoL Champions bekommt jetzt ein Mini-Rework
25. Fortnite
Das moderne Live-Service-Konzept ist nicht aus dem Nichts entstanden: es wurde Saison für Saison vor Millionen von Spielern auf Herz und Nieren geprüft. Fortnite hat dazu beigetragen, die Vorstellung zu normalisieren, dass ein Spiel wie eine Plattform funktionieren kann: ständige Updates, zeitlich begrenzte Modi, Schlagzeilen machende Crossovers und In-Game-Events, die eher einer Live-Übertragung als einem Patch-Hinweis ähneln.
Es hat auch Cross-Play in den Mainstream gebracht und bewiesen, dass Kosmetikartikel uns Skins einen Free-to-Play-Giganten finanzieren können, ohne das Kern-Erlebnis einzuschränken. Sogar der „Battle Pass“ wurde zu einem geläufigen Begriff, auch weil er hier so erfolgreich war. | © Epic Games
24. Dark Souls
Viele Studios haben jahrelang versucht, den Schwierigkeitsgrad zu „korrigieren“, indem sie die Ecken und Kanten abgeschliffen haben. Dieses Studio hat sich dagegen entschieden und den Ecken und Kanten Bedeutung verliehen. Mit Dark Souls wurde das Scheitern zu Feedback, und der Kreislauf – das Risiko eingehen, um Seelen zu sammeln, zum Checkpoint zurückkehren, die Muster der Gegner lernen – verwandelte die Herausforderung in eine Sprache, die die Spieler tatsächlich verstehen konnten.
Der Checkpoint-Stil mit Lagerfeuern, das auf Ausdauer basierende Kampftempo und die undurchsichtige Erzählweise inspirierten ein ganzes Design-Subgenre und einen marktfähigen Begriff: „Soulslike“. Selbst Spiele, die das Setting nicht kopieren, übernehmen die Philosophie der Fairness, Spannung und verdienten Meisterschaft. | © FromSoftware
23. The Elder Scrolls 4: Oblivion
Bevor „kosmetische DLCs“ zu einer Selbstverständlichkeit wurden, gab es einen Moment, in dem die Spieler auf ihren Bildschirm starrten und fragten: „Moment mal ... dafür sollen wir bezahlen?“ The Elder Scrolls IV: Oblivion ist nicht nur wegen seines weitläufigen Cyrodiil und der Freiheit bei den Quests in Erinnerung geblieben – sein berüchtigtes Add-on „Horse Armor“ wurde zu einem kulturellen Brennpunkt, der die modernen Debatten über Monetarisierung vorwegnahm.
Gleichzeitig trieb das Spiel die Immersion in Open-World-RPGs mit Systemen wie Radiant AI und einem dichten Modding-Ökosystem voran, das dazu beitrug, „Mod-Unterstützung“ zu einem Verkaufsargument zu machen. Post-Launch-Inhalte, von Spielern erstellte Erweiterungen und endlose Nebenhandlungen wurden danach etwas lauter. | © Bethesda Game Studios
22. Mortal Kombat
Die Branche hat die Altersfreigaben nicht in einem Sitzungssaal erfunden, sondern wurde durch Panik, Politik und jede Menge pixeliges Blut dorthin getrieben. Mortal Kombat kam mit digitalisierten Schauspielern und Fatalities, die Anfang der 90er Jahre schockierend wirkten, in die Spielhallen und trug diese Kontroverse dann in die Wohnzimmer – groß genug, um die Anhörungen im US-Senat auszulösen, die letztendlich zur Gründung der ESRB führten.
Abgesehen von den Schlagzeilen trug dies auch dazu bei, dass Kampfspiele sich auf Persönlichkeit, Spektakel und „Hast du das gesehen?“-Momente konzentrierten, die lange vor den sozialen Medien für Mundpropaganda sorgen sollten. Es zeigte sich, dass Empörung als Marketinginstrument dienen kann – und dass Spiele nicht mehr nur für Kinder gedacht waren. | © NetherRealm Studios
21. The Legend Of Zelda
Früher bedeutete Erkundung, einem klaren Pfad von links nach rechts zu folgen. Dann kam eine Kassette auf den Markt, die im Grunde genommen sagte: „Finde es selbst heraus.“ The Legend of Zelda trug dazu bei, das Action-Adventure-Konzept mit einer offenen Oberwelt, Geheimnissen an jeder Ecke und einem Gefühl der Entdeckung zu etablieren, das mehr von Neugier als von einem Missionsmarker angetrieben wurde.
Das Speichersystem der Konsole war ebenfalls wichtiger, als man sich erinnert, und plötzlich musste eine lange Quest nicht mehr in einer Sitzung abgeschlossen werden. Unzählige Spiele haben diese Mischung aus Kämpfen, Rätseln, Gegenständen, die neue Wege freischalten, und dem stillen Nervenkitzel, über etwas zu stolpern, das man eigentlich noch nicht finden „sollte“, übernommen. | © Nintendo
20. The Sims
Nicht jeder Wandel in der Branche geht mit einem Paukenschlag einher. Manchmal ist es eine offen gelassene Tür, die die Akteure mit ihren eigenen Geschichten füllen. Die Sims verwandelten den Alltag in eine Sandkiste und bewiesen, dass es ein riesiges Publikum für Kreativität, soziale Dramen und „nur noch einen Tag“-Routinen gab, die keine blitzschnellen Reflexe erforderten.
Es erweiterte die Zielgruppe für Spiele, förderte die Idee der spielergesteuerten Erzählung und ließ Erweiterungspakete eher wie eine langfristige Beziehung als wie einen einmaligen Kauf erscheinen. Der Welleneffekt zeigt sich überall: gemütliche Spiele, Lebenssimulationen, streamerfreundliches Storytelling und die Vorstellung, dass das Zuschauen beim Spielen genauso spannend sein kann wie das Spielen selbst. | © Maxis
19. Call of Duty 4: Modern Warfare
Multiplayer-Shooter haben früher nach jedem Match das Spielfeld zurückgesetzt. Dann kam der Fortschritt ins Spiel und die Leute fingen an, Lobbys wie langfristige Verpflichtungen zu behandeln. Call of Duty 4: Modern Warfare hat den modernen FPS-Kreislauf aus Levelaufstieg, Freischalten von Aufsätzen, Erstellen von Klassen und Jagen von Perks und Killstreaks populär gemacht, die sowohl Geschicklichkeit als auch investierte Zeit belohnten.
Die filmreife Kampagne trug auch dazu bei, den Standard für Blockbuster-Tempo zu setzen, mit vorgegebenen Szenen, einer großen Vielfalt an Missionen und einem modernen militärischen Ton, den das Genre jahrelang kopierte. Danach fühlten sich Online-Shooter weniger wie isolierte Runden an, sondern eher wie fortlaufende Karrieren mit Ausrüstung und Identität. | © Infinity Ward
18. Super Mario 64
3D-Spiele gab es schon vorher, aber der Durchbruch beim Massenpublikum gelang erst, als die Bewegungen sich natürlich und nicht mehr holprig anfühlten. Super Mario 64 legte die Grundregeln für 3D-Plattformspiele fest: analoge Steuerung, die präzise Geschwindigkeit und Richtung ermöglichte, ein Kamerasystem, das mit schnellen Sprüngen Schritt halten konnte, und ein Leveldesign, das auf Erkundung ausgelegt war und nicht auf einen geraden Weg zum Ziel.
Es lehrte Entwickler, wie man Herausforderungen in offenen Räumen inszeniert, wie man Spieler mit Orientierungspunkten führt und wie man das Spiel auch in einer Welt mit Tiefe intuitiv gestaltet. Ein großer Teil dessen, wie sich 3D-Spiele anfühlen, geht auf dieses Spiel zurück. | © Nintendo
17. Wii Sports
Es ist kaum zu überschätzen, was geschah, als Wohnzimmer zu Miniatur-Bowlingbahnen wurden und niemand mehr das Label „Gamer“ brauchte, um mitzumachen. Wii Sports wurde zu einem kulturellen Handschlag, der die Bewegungssteuerung in Sekundenschnelle erklärte und die Wii ebenso zu einem sozialen Objekt wie zu einer Konsole machte.
Ihr einfaches, verständliches Design – schwingen, zielen, loslassen – öffnete die Tür für Großeltern, Kinder und Partygäste, die niemals einen herkömmlichen Controller in die Hand genommen hätten. Die Branche nahm sich Notizen zu Barrierefreiheit, familienfreundlichem Design und der geschäftlichen Kraft eines großartigen mitgelieferten Spiels, das die Hardware von selbst verkauft. | © Nintendo
16. Metal Gear Solid
Blockbuster-Ambitionen in Spielen waren früher ein Versprechen; dann erfüllte eine Stealth-Mission diese Zusage mit Sprachausgabe, Kinematografie und dramatischem Tempo, die für die damalige Zeit ungewöhnlich selbstbewusst wirkten.
Metal Gear Solid trug dazu bei, Stealth als primären Spielstil und nicht als Gimmick zu etablieren, während es Zwischensequenzen und Gameplay zu einer zusammenhängenden Thriller-Struktur verband, die Entwickler bis heute anstreben. Es zeigte auch, wie die Regie – Kamerawinkel, Sounddesign, Darbietungen – Emotionen ebenso stark beeinflussen kann wie die Mechanik. Das Ergebnis war eine Verschiebung der Erwartungen: Die Spieler verlangten nun eine filmreife Erzählweise und Präsentation, und die Publisher erkannten, dass Spiele diese Anforderungen erfüllen konnten, ohne an Interaktivität einzubüßen. | © Konami
15. Tetris
Der beste Beweis dafür, dass Spieledesign universell sein kann, ist, wie schnell die Leute es ohne Tutorial „kapieren“. Blöcke fallen, Panik steigt auf, und plötzlich verhandelt man um Platz, als wäre er eine echte Ressource, weil er das auch ist.
Tetris hat nicht nur das Puzzle-Genre populär gemacht, sondern den Publishern auch gezeigt, dass Einfachheit unendlich tiefgründig, portabel und kulturübergreifend sein kann.
Seine Kombination mit dem Game Boy trug dazu bei, die Idee eines unverzichtbaren Bundles zu definieren, das sowohl Hardware als auch Software verkauft, und sein Kernkonzept wurde zur Vorlage für die moderne mobile Obsession: kurze Spielsitzungen, sofortige Verständlichkeit, unendliche Meisterschaft. | © Sega
14. Final Fantasy VII
Marketingbudgets wurden erst dann für „filmisches“ Storytelling in Spielen eingesetzt, als sich herausstellte, dass die Spieler dafür in Scharen kamen. Mit Final Fantasy VII trug der Sprung zur PlayStation-Ära, mit 3D-Charakteren, vorgerenderten Hintergründen und FMV-Spektakeln, dazu bei, JRPGs weltweit zum Mainstream zu machen und „episches Storytelling“ zu einem kommerziellen Argument zu machen, nicht nur zu einem kreativen.
Sein Erfolg verstärkte auch den Wandel in der CD-ROM-Ära: größere Welten, großartigere Musik, großartigere Dramatik und eine Veröffentlichung, die sich wie ein Ereignis anfühlte. Nach 1997 behandelten Publisher das Storytelling in RPGs als etwas, das eine Konsolengeneration prägen konnte. | © Square Enix
13. BioShock
Eine Stadt auf dem Meeresgrund sollte sich nicht so lebendig anfühlen, doch jeder Flur, jedes Poster und jedes Audio-Protokoll wirkt still auf Ihr Gehirn ein. Dieses Bekenntnis zum Environmental Storytelling und die Bereitschaft, Ideologien direkt anzugehen half BioShock dabei, die Grenzen dessen zu verschieben, was Mainstream-Shooter „sein durften”.
Es verband das Tempo eines Ego-Shooters mit der DNA einer immersiven Simulation und bot den Spielern bedeutungsvolle Entscheidungen und eine narrative Wendung, die zum Maßstab für modernes Storydesign wurde. Der Welleneffekt zeigt sich immer dann, wenn ein Blockbuster-Spiel versucht, seine Welt zum Leben zu erwecken und nicht nur als Kulisse für Schießereien zu dienen. | © 2K Games
12. Farmville
Es sah harmlos aus: Feldfrüchte, niedliche Tiere, eine kleine Routine vor dem Abendessen. Dann kamen die Benachrichtigungen, und plötzlich war Ihr Social Feed Teil des Spiels. FarmVille trug dazu bei, die Mechanismen zu etablieren, die soziale Netzwerke und Mobilgeräte über Jahre hinweg dominieren sollten. Timer, tägliche Check-ins, „Nachbarn“ als Antrieb für den Fortschritt und eine Monetarisierung, die eher anregt als blockiert. Noch wichtiger war, dass es bewies, dass virales Design und datengesteuerte Iteration ein Spiel auf Millionen von Spielern skalieren konnten und das Verhalten der Spieler in eine Feedbackschleife für Inhalte, Preisgestaltung und Kundenbindung verwandelten. | © Zynga
11. Chrono Trigger
Zeitreisen sind ein einfacher Trick: sie so geschickt in einem Rollenspiel einzusetzen, dass jede Epoche wichtig erscheint, ist die eigentliche Kunst. Chrono Trigger hat dazu beigetragen, die Erwartungen an Tempo und Wiederspielwert neu zu definieren, von seinen mehreren Enden bis hin zur mittlerweile berühmten New Game Plus-Idee, die zum Experimentieren anregte, anstatt das Spiel nur einmal durchzuspielen.
Es zeigte auch, wie cineastisches Flair mit klassischen Rollenspielsystemen koexistieren kann, indem es die Kämpfe rasant hielt, während die Geschichte weiterging. Viele moderne RPGs streben immer noch nach dieser Balance: hohe Einsätze, minimale Überfrachtung und Gründe, wiederzukommen. | © Square Enix
10. Crash Bandicoot
Maskottchen werden in der Regel zuerst niedlich und erst in zweiter Linie spielbar gestaltet: dieses hier war sowohl eine Figur als auch eine technische Meisterleistung. Das korridorartige 3D-Design von Crash Bandicoot löste ein Problem, mit dem frühe PlayStation-Plattformspiele zu kämpfen hatten: die Kamerasteuerung und die Tiefenwahrnehmung im 3D-Raum.
Indem es die Spieler „in den Bildschirm hinein“ führte und Levels wie Hindernisparcours inszenierte, machte es 3D-Bewegungen auf einer neuen Konsolengeneration verständlich. Es wurde auch zu einer Fallstudie darüber, wie ein einzelner Charakter eine Markenidentität verankern kann – Sony brauchte ein Gesicht, und Crash passte perfekt zu diesem Moment. | © Naughty Dog
9. Star Fox
Ein unscheinbar wirkender Weltraum-Shooter wurde schließlich zu einer Vorschau auf die Zukunft der Hardware. Star Fox war deshalb so bedeutend, weil es den Super FX-Chip nutzte, um polygonale 3D-Grafiken auf ein für Sprites entwickeltes System zu übertragen, und damit dazu beitrug, die Vorstellung zu normalisieren, dass Konsolenspiele sich auf spezielle Hardware stützen können, um Grenzen zu überwinden.
Diese Zusammenarbeit zwischen Nintendo und Argonaut brachte nicht nur einen Hit hervor, sondern gab auch die Richtung vor, der die gesamte Branche folgen würde – die gemeinsame Entwicklung von Technologie und Software, um „unmögliche“ Grafiken zu Hause realisierbar zu machen. | © Nintendo
8. Street Fighter II
Arcades wurden nicht zufällig zu Wettkampfarenen: die Menschen brauchten ein Spiel, bei dem man sich mit messbaren Erfolgen brüsten konnte. Mit Street Fighter II fand das Genre zu seiner modernen Form: übersichtliche Matches, unverwechselbare Charaktere und das Combo-System, das Improvisation in Ausdruck von Können verwandelte.
Es trug auch dazu bei, den sozialen Rhythmus des Kopf-an-Kopf-Spiels zu etablieren, bei dem sich Menschenmengen bilden, Rivalen zurückkehren und kleine mechanische Vorteile zu persönlichen Obsessionen werden. Seit 1991 haben sich Kampfspiele in alle Richtungen weiterentwickelt, aber die Blaupause für die Szene geht immer noch auf diesen Spielautomaten zurück. | © Capcom
7. Quake
In dem Moment, als die Spieler begannen, „Engines“ als Produkte und nicht nur als unsichtbare Technologie zu betrachten, floss vieles davon aus einem düsteren, schnellen Shooter. Quake trug dazu bei, echte 3D-Räume voranzutreiben und popularisierte eine Kultur des Modding und Online-Spielens, die das Spiel als Grundlage betrachtete: etwas, das man umgestalten, neu gestalten und zu neuen Erfahrungen umbauen konnte.
Seine Multiplayer-First-Energie und sein engine-getriebener Ansatz drängten die Branche zu wiederverwendbaren Tech-Stacks und der Schaffung von Communities, während sein Einfluss sich im Aufstieg wettbewerbsfähiger FPS-Standards und der langen Lebensdauer von PC-Shooter-Ökosystemen widerspiegelte. | © id Software
6. Pong
Vor Grafik-Wettläufen und filmreifen Trailern gab es einen Holzschrank, zwei Paddel und einen Punkt, der sich seltsam lebendig anfühlte. Pong unterhielt nicht nur, es bewies auch das Geschäftsmodell, verwandelte die Neugierde der Spieler in eine anhaltende Nachfrage und bescherte Atari einen Erfolg, der eine ganze Branche ins Leben rufen konnte.
Seine Einfachheit etablierte auch ein Designprinzip, das bis heute Gültigkeit hat: Unmittelbares Verständnis ist eine Superkraft, insbesondere für ein neues Medium. Wenn Menschen über die kommerzielle Geburtsgeschichte des Gaming sprechen, beginnen sie in der Regel hier. | © Atari
5. Grand Theft Auto III
Liberty City wirkte 2001 nicht nur groß: es wirkte lebendig, wie ein Ort, an dem man die „richtige“ Route ignorieren konnte und trotzdem eine erzählenswerte Geschichte erlebte. Dieser Wechsel zu einer vollständig in 3D gestalteten, frei begehbaren Sandbox-Welt in Grand Theft Auto III veränderte die Erwartungen der Mainstream-Spieler an Open-World-Spiele grundlegend: Missionsstruktur plus chaotische Freiheit, Autos als Fortbewegungsmittel und Spielzeug, Radio als Weltgestaltung und eine Stadt, die sich weiterentwickelte, egal ob man sich gut benahm oder nicht. Nach seiner Veröffentlichung war „Open World“ keine Neuheit mehr, sondern wurde zu einem AAA-Ziel an sich. | © Rockstar North
4. World of Warcraft
MMOs gab es schon lange vor 2004, aber dieses Spiel machte das Genre zu etwas, das man auch Freunden empfehlen konnte, die noch nie damit in Berührung gekommen waren. Der questbasierte Levelaufstieg, die klar definierten Rollen und das endlos erweiterbare Endgame in World of Warcraft trugen dazu bei, das moderne MMO-Vokabular zu standardisieren – Gildenleben, Raids als geplante soziale Events und ein langfristiges Servicemodell, das den Kalender eines Spielers über Jahre hinweg dominieren konnte.
Es löste auch eine Ära von „WoW-ähnlichen“ Spielen aus, da die Branche plötzlich über eine klare Vorlage für Skalierbarkeit und Kundenbindung verfügte. | © Blizzard Entertainment
3. Doom
Die PC-Szene der frühen 90er Jahre lernte eine brutale Lektion: Geschwindigkeit, Atmosphäre und intelligente Distribution können wirkungsvoller sein als auffälliges Marketing. Doom hat nicht nur Ego-Shooter populär gemacht, sondern auch die Technologie vorangetrieben, LAN-Multiplayer zu einem begehrten Prestigeobjekt gemacht und Shareware so eingesetzt, dass sie sich wie ein Lauffeuer verbreitete.
Sogar die Diskussion um Urheberschaft und Mod-freundliche Kultur nahm eine Wendung, als die Spieler begannen, Levels und benutzerdefinierte Inhalte als Teil des Ökosystems zu betrachten und nicht als Nebensache. | © id Software
2. Baldur's Gate 3
Hoch budgetierte RPG-Ambitionen waren früher mit einer bekannten Einschränkung verbunden: großartige Geschichten, klar, aber man sollte nicht erwarten, dass jeder mitspielt. Dann kam Baldur's Gate 3 mit cineastischer Präsentation, reaktionsschnellen Quests und Entscheidungen, die sich weniger wie Dialogoptionen anfühlen, sondern eher wie Konsequenzen, die Bestand haben, und rückte die klassische CRPG-Tradition ins Rampenlicht des Mainstreams.
Die lange Reihe von Updates und der Support für die Community trugen ebenfalls dazu bei, die Vorstellung zu verstärken, dass sich ein weitläufiges Einzelspieler- (und Koop-)RPG weiterentwickeln kann, ohne zu einem Live-Service-Hamsterrad zu werden. | © Larian Studios
1. Minecraft
Die einflussreichste „Werkzeugkiste“ in der Geschichte der Videospiele sieht zufällig wie ein Spielzeug aus, und genau das ist Teil des Tricks. Bauen, Überleben, Modding, Rollenspiele, Ingenieurswesen. Minecraft hat all das in einer blockartigen Sprache natürlich erscheinen lassen und es dann der Community überlassen, daraus eine Plattform für benutzergenerierte Welten, Server und Kreationen zu machen, die über jedes einzelne Genre hinausgewachsen sind.
Es hat die Vorstellung normalisiert, dass Spieler Inhalte nicht nur konsumieren, sondern auch selbst herstellen, teilen und ein Spiel über mehr als ein Jahrzehnt hinweg kulturell relevant halten. | © Mojang Studios
