Solo Leveling verwandelt den schwächsten Jäger der Welt mithilfe eines videospielartigen Levelsystems in eine unaufhaltsame Kraft – ein Konzept, das gezielt jede Power-Fantasy gleichzeitig bedient. Das Animationsstudio A-1 Pictures investiert ein beachtliches Budget in die Kampfszenen, die eher wie epische Bosskämpfe wirken als wie klassische Anime-Gefechte, inklusive leuchtender Statusfenster und dramatischer Level-up-Momente. Jede Folge steuert darauf zu, dass Sung Jin-Woo immer absurd mächtiger wird, und die Serie macht keinerlei Anstalten, sich dafür zu schämen, wie viel Spaß diese Formel macht. Kritiker, die sie als oberflächlich abgetan haben, haben völlig verpasst, warum es so reizvoll ist, jemandem mit so viel visuellem Flair beim Aufstieg vom Niemand zum Helden zuzusehen. | © Crunchyroll
Kaiju No. 8 greift die ausgelutschte Prämisse von riesigen Monstern, die Japan angreifen, auf und lässt sie funktionieren, indem der Fokus auf die Aufräumtrupps statt auf die Helden gelegt wird. Kafka Hibino verbringt seine Tage damit, für einen Hungerlohn Kaiju-Überreste zu beseitigen und davon zu träumen, der Defense Force beizutreten, bis er selbst zufällig zu dem wird, was er zuvor von den Straßen geschrubbt hat. Die Serie findet echten Humor darin, Monsterbeseitigung wie jeden anderen Knochenjob zu behandeln, inklusive Beschwerden über die Arbeit und Überstunden. Was leicht ein weiterer generischer Kaiju-Action-Anime hätte sein können, wirkt hier deutlich wärmer, weil er sich mehr für den Hausmeister interessiert als für den riesigen Kampfroboter. | © Crunchyroll
The Summer Hikaru Died macht aus einer einfachen Prämisse etwas wirklich Unheimliches: Dein bester Freund kommt aus den Bergen zurück, aber er ist nicht mehr ganz er selbst. Der Horror funktioniert, weil die Serie sich nie beeilt zu erklären, was passiert ist oder was das Wesen, das Hikarus Gesicht trägt, eigentlich will. Stattdessen lässt sie das Unbehagen durch kleine, falsche Details wachsen und durch die zunehmende Erkenntnis, dass Trauer vielleicht leichter zu ertragen wäre als das hier. Die meisten Body-Horror-Geschichten setzen auf Blut und Schockeffekte, doch diese hier findet ihren Schrecken in der Lücke zwischen Erinnerung und Wiedererkennen. | © Netflix
Dandadan wirft Teenager-Romantik, Alien-Entführungen und Geisterbesessenheit in denselben Mixer und schafft es irgendwie, dass alles funktioniert, ohne völlig durchzudrehen. Die Serie springt so schnell zwischen derbem Humor und echten emotionalen Momenten hin und her, dass einem eigentlich schwindelig werden müsste, doch die Figuren wirken glaubwürdig genug, um selbst das wildeste übernatürliche Chaos zu erden. Die meisten Anime würden an so starken Tonwechseln zerbrechen. Dieser hier findet stattdessen immer neue Wege, dich damit zu überraschen, wie viel Herz er zwischen all dem Geschrei und den herumfliegenden, absurd überzeichneten Monstern unterbringt. | © Crunchyroll
Trigun Stampede nimmt den beliebten Space-Western der 1990er Jahre und baut ihn mit vollständig computeranimierter CGI von Grund auf neu auf, und das überraschend gelungen. Der neue Stil fängt die raue Schönheit des Wüstenplaneten ein und verleiht Vashs Revolverduellen eine fließende, physische Dynamik, die mit klassischer Animation so kaum möglich gewesen wäre. Studio Orange zeigt, dass Computeranimation durchaus Seele haben kann, indem es die Mischung aus albernem Humor und überraschender emotionaler Tiefe des Originals beibehält. Das Ergebnis fühlt sich zugleich vertraut für Fans an und mutig genug, um einen Neuanfang zu rechtfertigen. | © Crunchyroll
Delicious in Dungeon macht aus klassischem Dungeon-Crawling eine Kochshow, und diese eigentlich absurde Idee funktioniert erstaunlich gut. Die Serie begleitet Abenteurer, die beschließen, die Monster zu essen, gegen die sie kämpfen, sodass jede Begegnung zur Frage wird, ob ein Drache besser gebraten oder gegrillt schmeckt. Studio Trigger bringt die gleiche energiegeladene, leicht chaotische Inszenierung ein, die schon bei Kill la Kill zu sehen war, setzt sie hier jedoch für Rezepte und zwischenmenschliche Beziehungen ein statt für reines Chaos. Was wie ein Gag mit begrenzter Haltbarkeit wirkt, entwickelt sich zu einer überraschend warmherzigen Geschichte über Essen, Freundschaft und die Freude daran, selbst an den ungewöhnlichsten Orten etwas Positives zu finden. | © Netflix
Kill la Kill nimmt das Konzept von Magical-Girl-Verwandlungssequenzen und macht daraus ein Werkzeug des puren Chaos. Die Serie wirft Teenager, lebendige Kleidung und autoritäre Schülerräte in einen Mix aus grellen Farben und ohrenbetäubendem Geschrei, der genug Energie hätte, um eine Kleinstadt zu versorgen. Studio Trigger zieht die Absurdität so konsequent durch, dass das, was leicht als peinlicher Fanservice hätte wirken können, eher wie eine Art Performancekunst über die Absurdität von Fanservice selbst erscheint. Das Ergebnis fühlt sich an, als würde jemand Anime-Klischees gegen den Anime selbst in Stellung bringen. | © Netflix
One Punch Man nimmt die simpelste Form der Power-Fantasy und verwandelt sie in eine existenzielle Krise. Saitama kann jeden Gegner mit nur einem Schlag besiegen, was zunächst spannend klingt, bis man erkennt, wie erdrückend diese Unbesiegbarkeit wird, wenn es keinerlei echte Herausforderungen mehr gibt. Die Serie zieht echten Humor daraus, einem gottgleichen Helden dabei zuzusehen, wie er sich mit alltäglichen Problemen wie verpassten Supermarktangeboten herumschlägt, während alle um ihn herum mit Bedrohungen kämpfen, die er nebenbei beenden könnte. Sie zeigt, dass das eigentlich Interessante an unbegrenzter Macht manchmal darin liegt, wie langweilig sie alles andere macht. | © Crunchyroll
Carole & Tuesday baut seine gesamte Welt auf der Idee auf, dass von Menschen gemachte Musik auch in einer Zeit voller KI-generierter Inhalte noch Bedeutung hat. Die Serie folgt zwei Mädchen aus völlig unterschiedlichen Verhältnissen, die sich zufällig begegnen und gemeinsam auf dem Mars Musik machen. Die eigentliche Magie liegt jedoch darin, wie ihre Akustikgitarren und handgeschriebenen Texte in einer Gesellschaft, die Kreativität automatisiert hat, fast schon revolutionär wirken. Regisseur Shinichirō Watanabe füllt jede Folge mit echten Musikerinnen und Musikern, die originale Songs performen, und macht aus einer potenziell gewöhnlichen „Folge deinem Traum“-Geschichte etwas, das die unperfekte, menschliche Schönheit kreativen Ausdrucks wirklich feiert. Das Setting in der Musikindustrie erlaubt es der Serie, hoffnungsvoll zu sein, ohne naiv zu wirken, was die Herausforderungen angeht, Kunst zu schaffen, die Menschen berührt. | © Netflix
Pluto nimmt die Detektivgeschichte aus Astro Boy als Grundlage und formt daraus etwas deutlich Düstereres und Philosophischeres. Die Serie folgt dem Roboter-Detektiv Gesicht, der eine Reihe von Morden untersucht, die sich sowohl gegen Androiden als auch gegen Menschen richten. Ihr eigentliches Gewicht entfaltet sie jedoch dadurch, wie sie künstliches Bewusstsein als dem menschlichen Erleben vollkommen ebenbürtig behandelt. Mit jeder Folge werden weitere Schichten aus Erinnerung, Trauma und Identität freigelegt, bis die Grenze zwischen menschlicher und roboterhafter Psyche vollständig verschwimmt. Was als Kriminalfall beginnt, entwickelt sich zu einer tiefgehenden Reflexion darüber, was Bewusstsein überhaupt schützenswert macht. | © Netflix
Neon Genesis Evangelion beginnt als Mecha-Serie über Teenager, die riesige Roboter steuern, um gegen mysteriöse Engel zu kämpfen, und entwickelt sich nach und nach zu einem psychologischen Zusammenbruch in Echtzeit. Hideaki Anno macht aus dem, was auch eine geradlinige Giant-Robot-Action hätte sein können, etwas deutlich Fremdartigeres und Persönlicheres, besonders je näher die Serie ihren berüchtigt kontroversen finalen Episoden kommt. Die Serie weigert sich, in einer festen Genre-Schublade zu bleiben, und wechselt ohne Vorwarnung von apokalyptischen Kämpfen zu beinahe therapeutischen Selbstanalysen. Als schließlich das Budget knapp wurde und das Ende zu einem buchstäblichen Gespräch mit der Psyche der Hauptfigur wurde, machte genau das die Serie noch einprägsamer, als es ein konventioneller Abschluss je hätte sein können. | © Netflix
Cowboy Bebop erschafft seine Welt aus Zigarettenrauch, Jazz-Riffs und heruntergekommenen Raumschiffen, die sich eher bewohnt als geschniegelt anfühlen. Die Serie begleitet eine Gruppe von Kopfgeldjägern, die durch ein Sonnensystem treiben, in dem sich jeder Planet wie ein anderes Genre anfühlt. Die eigentliche Magie liegt jedoch darin, wie Stille und Musik den Großteil der emotionalen Wirkung tragen. Spikes Vergangenheit holt ihn auf eine Weise ein, die unvermeidlich statt konstruiert wirkt, und das Finale trifft mit dem Gewicht eines Menschen, der sein ganzes Leben vor demselben Konflikt davongelaufen ist. Kaum etwas anderes fängt diese besondere Mischung aus Noir-Coolness und kosmischer Einsamkeit so treffend ein. | © Adult Swim
Vinland Saga beginnt als Wikinger-Rachegeschichte und macht dann etwas, das die meisten Action-Anime nie wagen würden: Es lässt Gewalt hohl wirken und stellt die Frage, was danach kommt, wenn all die Wut verglüht ist. Die zweite Staffel lässt fast alles hinter sich, was Fans vom brutalen ersten Handlungsbogen erwartet haben, und begleitet Thorfinn dabei, wie er auf einem Bauernhof arbeitet und langsam erkennt, dass Stärke ohne Ziel nur neue Feinde schafft. Was zunächst wie ein radikaler Tonwechsel wirkt, entpuppt sich als der eigentliche Kern der Geschichte. Die Serie steht konsequent zu der Idee, dass echte Veränderung bedeutet, genau das aufzugeben, was einem zuvor das Gefühl von Macht gegeben hat. | © Netflix
Frieren: Beyond Journey’s End setzt genau dort an, wo die meisten Fantasygeschichten enden: nachdem die Heldengruppe den Dämonenkönig besiegt hat und sich trennt. Der entscheidende Kniff ist, dass Frieren eine Elfe ist, die Zeit völlig anders wahrnimmt als ihre menschlichen Gefährten, weshalb das gemeinsame Jahrzehnt für sie nur ein kurzer Moment in einem tausendjährigen Leben war. Zu beobachten, wie sie nach und nach erkennt, dass diese flüchtigen menschlichen Verbindungen dennoch Bedeutung hatten, erzeugt eine leise, aber tiefgehende Melancholie, die viele Anime gar nicht erst anstreben. Das Erzähltempo folgt Frierens eigener Wahrnehmung, was manche als zu langsam empfinden werden, während andere darin etwas beinahe Meditatives entdecken. | © Crunchyroll
Fullmetal Alchemist: Brotherhood nimmt die Ausgangsidee von zwei Brüdern, die versuchen, ihre tote Mutter wiederzubeleben, und entwickelt daraus etwas deutlich Düstereres, als die meisten Anime es wagen würden. Das Alchemiesystem wirkt wie echte Wissenschaft mit brutalen Konsequenzen, bei der jede „magische“ Lösung ein gleichwertiges Opfer verlangt, das oft mehr schadet als hilft. Edward und Alphonse beginnen als Kinder, die den schlimmstmöglichen Fehler begehen, und verbringen dann 64 Episoden damit zu erkennen, dass ihre persönliche Tragödie Teil einer Verschwörung ist, die ihr ursprüngliches Problem beinahe unbedeutend erscheinen lässt. Die Serie verdient sich ihren Ruf, indem sie es niemandem leicht macht, besonders dann nicht, wenn jemand glaubt, endlich die richtige Antwort gefunden zu haben. | © Funimation
Nicht jeder Anime erhält Lob. Diese fünfzehn Titel konnten sowohl Kritiker als auch Publikum überzeugen – und die Zahlen belegen es. Ihre Bewertungen auf Rotten Tomatoes sind keine Überraschung, sondern ein klares Urteil.
