The Thing will ein Prequel sein, nach dem niemand gefragt hat, und begeht dann den Fehler, zu viele Geheimnisse aufzuklären, die besser funktionierten, als sie unerklärt blieben. Während John Carpenters Version von 1982 von Paranoia und praktischen Effekten lebte, die sich wirklich fremdartig anfühlten, setzt diese Version stark auf digitale Kreaturen, die zwar teuer aussehen, aber nie wirklich beunruhigend wirken. Die Schauspieler geben ihr Bestes mit einem Material, das eher dazu verpflichtet scheint, die Punkte zu verbinden, als neue Ängste zu schüren. Prequels rechtfertigen selten ihre Existenz, und dieser Film beweist, warum manche Geschichten abgeschlossen bleiben sollten. | © Universal Pictures
Johnny English – Jetzt erst recht! nimmt das altbekannte Schema des tollpatschigen Geheimagenten und macht es tatsächlich zum Erfolg, indem er Rowan Atkinsons körperbetontes komödiantisches Talent voll ausschöpft, anstatt es zu bekämpfen. Die Fortsetzung behebt die meisten Probleme des Originals, indem sie English echte Herausforderungen und authentische Spionagefilm-Produktionswerte verleiht, die Atkinson dann auf immer ausgefeiltere Weise wieder auf die Probe stellt. Seine wortlosen Slapstick-Einlagen während einer Verfolgungsjagd in Hongkong treffen besser als die meisten Actionkomödien mit ihren ganzen Drehbüchern. Das Ergebnis fühlt sich an wie eine richtige Bond-Parodie, die sich daran erinnert, in erster Linie witzig zu sein. | © Universal Pictures
Die Schlümpfe versetzen beliebte Zeichentrickfiguren ins moderne Manhattan, wo sie mit ihrer unbändigen Fröhlichkeit und ihrem winzigen blauen Chaos Neil Patrick Harris' Leben komplett auf den Kopf stellen. Die Mischung aus computeranimierten Schlümpfen, die durch reale New Yorker Schauplätze hüpfen, erzeugt genau die Art von visueller Skurrilität, die Kinder zum Lachen bringt und Eltern ihre Lebensentscheidungen hinterfragen lässt. Hank Azaria gibt sich als Bösewicht Gargamel so richtig hin, als wäre er ein Broadway-Schauspieler, der sich im falschen Theater verirrt hat. Der ganze Film lebt von seiner überschäumenden Energie, die einen entweder mitreißt oder einen fluchtartig aus dem Kino treibt. | © Sony Pictures
Der dritte Transformers-Film verstärkt alles, was die Fans an der Reihe begeistert oder gehasst hat, und dreht die Lautstärke bis zum Äußersten auf – fast schon aggressiv. In Transformers 3 dehnt sich die finale Schlacht über fast eine Stunde aus, in der Chicago systematisch dem Erdboden gleichgemacht wird. Michael Bay inszeniert die Zerstörung dabei wie ein Komponist eine Symphonie. Das Spektakel erreicht einen Punkt, an dem es nicht mehr um Roboter oder Menschen geht, sondern nur noch darum, teure Dinge in immer aufwendigeren Explosionen zu sehen. Bay hat sich nie die Mühe gemacht, so zu tun, als wäre das Ganze etwas anderes als eine als Film getarnte Freizeitparkattraktion. | © Paramount Pictures
Cowboys & Aliens vereint zwei Genres, die eigentlich nie aufeinandertreffen sollten, und inszeniert diese Kollision mit kostspieliger Ernsthaftigkeit. Daniel Craig erwacht im Wilden Westen mit einem mysteriösen Armband und ohne Erinnerung. Kurz darauf entdeckt er, dass seine Heimatstadt von außerirdischen Invasoren angegriffen wird, die es auf Gold und Menschen abgesehen haben. Der Film nimmt alles todernst und behandelt Alien-Entführungen und Revolverhelden-Showdowns als gleichermaßen reale Bedrohungen – ohne jede Spur von Ironie. Dieser humorlose Ansatz verwandelt das, was eigentlich ein schräger Spaß hätte sein können, in etwas, das trotz aller Explosionen seltsam freudlos wirkt. | © Universal Pictures
Super 8 baut seine Spannung um einen Zugunfall auf, der etwas Gefährliches in eine Kleinstadt in Ohio freisetzt. Doch die wahre Magie entfaltet sich in den ruhigen Momenten zwischen den Jugendlichen, die ihren Zombiefilm fertigstellen möchten. J.J. Abrams fängt den besonderen Rhythmus von Freundschaften in der Kindheit Ende der 1970er-Jahre ein, in der das gemeinsame Filmemachen mit Freunden das Wichtigste auf der Welt zu sein schien. Die Monsterhandlung funktioniert gut, aber der Film überzeugt vor allem dadurch, dass er nie vergisst, dass diese Charaktere echte Kinder mit ihren eigenen Problemen sind – keine kleinen Erwachsenen mit übertrieben reifen Dialogen. Das Produktionsdesign und die Details der Zeit wirken authentisch und nicht nostalgisch und verleihen den Science-Fiction-Elementen eine echte persönliche Note. | © Paramount Pictures
Captain America: The First Avenger bekennt sich ganz dazu, ein Zweiter-Weltkrieg-Stück zu sein, obwohl er einfachere Abkürung hätte nehmen können. Doch gerade diese altmodische Herangehensweise erweist sich als Stärke. Chris Evans verkörpert die Verwandlung vom schmächtigen Jungen aus Brooklyn zum Supersoldaten so überzeugend, dass es nicht wie eine völlig andere Person mit demselben Gesicht wirkt. Der Film steuert auf Steve Rogers' Opferung bei einem Flugzeugabsturz zu und lässt ihn dann in der Gegenwart erwachen – mit einem der wahrhaft traurigsten Enden im gesamten Marvel-Universum. Die meisten Superhelden-Ursprungsgeschichten drängen auf eine Fortsetzung, doch diese hier verdient sich ihre Tragik. | © Paramount Pictures
X-Men: Erste Entscheidung verzichtet auf die Lederkostüme und die düstere Atmosphäre der Vorgängerfilme und kehrt zurück in die 1960er-Jahre, als Mutanten ungeniert leuchtendes Gelb und Blau trugen. Das Setting des Kalten Krieges verleiht der Superhelden-Ursprungsgeschichte echtes historisches Gewicht: Kuba und Atomraketen sorgen für eine Bedrohung, die weit über einen weiteren Bösewicht hinausgeht, der die Welt zerstören will. Michael Fassbender und James McAvoy verkörpern die zentrale Freundschaft zwischen Magneto und Professor X überzeugend, obwohl jeder weiß, wie sie endet. Der Film hat Erfolg, indem er die X-Men-Mythologie ernst nimmt und den Charakteren gleichzeitig erlaubt, einfach Spaß am Superheldendasein zu haben. | © 20th Century Fox
Thor hätte eine weitere austauschbare Superhelden-Entstehungsgeschichte sein können, doch Kenneth Branagh entschied sich, Asgard wie ein echtes Shakespeare-Drama zu behandeln, anstatt es nur als CGI-Spektakel zu inszenieren. Der Film funktioniert, weil er das Familiendrama zwischen Thor, Loki und Odin ernst nimmt und jeder Verbannung und jedem Verrat Gewicht verleiht. Chris Hemsworth verkörpert den Wandel von Arroganz zu Demut überzeugend, ohne Thor in den ersten Szenen unerträglich zu machen. Was leicht zu einer reinen Hammer-Action und Regenbogenbrücken hätte werden können, entwickelt sich zu einer Tragödie im Stile Shakespeares mit wirklich gelungenen Spezialeffekten. | © Paramount Pictures
Fast & Furious Five merkte, dass sich niemand mehr für Straßenrennen interessierte, also verwarf der Film das Konzept, Autos als Charaktere zu inszenieren, und entwickelte sich zu einem waschechten Heist-Movie mit Vin Diesel in der Hauptrolle. Der Kurswechsel funktionierte, weil die Reihe so ihre Stärken ausspielen konnte: waghalsige Actionsequenzen, Familien-Reden und Dwayne Johnson, der Leute durch Wände schlug. Als Paul Walker und Diesel einen riesigen Tresor durch die Straßen von Rio schleiften, schien die Physik endgültig außer Kraft gesetzt. The Rocks Auftritt als Bösewicht, der zur Familie wird, verdeutlichte perfekt, wie diese Reihe mit purem Charme statt Logik funktioniert. | © Universal Pictures
Die vierte Mission: Impossible bewies, dass praktische Stunts wichtiger sind als eine komplizierte Handlung – Tom Cruises Stunts am Burj Khalifa lieferten den Beweis. Phantom Protokoll verzichtet auf die verschachtelten Intrigen, die die vorherigen Fortsetzungen so sehr belasteten, und konzentriert sich stattdessen auf spektakuläre Szenen, die sich wirklich gefährlich anfühlen. Brad Bird brachte seine Erfahrung im Animationsbereich in die Realverfilmung ein und sorgte dafür, dass jede Verfolgungsjagd, jeder Aufstieg und jede Explosion präzise choreografiert wirkte, ohne dabei an Chaos einzubüßen. Allein die Sequenz am Dubai Tower ließ die Zuschauer vergessen, wie sehr die Filmreihe zwischenzeitlich an Reiz verloren hatte. | © Paramount Pictures
Baseballfilme legen üblicherweise mehr Wert auf mitreißende Reden als auf strategische Überlegungen, doch Moneyball begeistert sich für Tabellenkalkulationen und statistische Modelle statt für emotionale Momente in der Umkleidekabine. Brad Pitt verkörpert Billy Beane wie einen Mann, der versucht, ein mathematisches Problem zu lösen, während seine Karriere auf dem Spiel steht. So werden Kaderentscheidungen zu intellektuellen Rätseln statt zu Bauchentscheidungen. Der Film lässt Budgetbeschränkungen und Draft-Picks genauso spannend wirken wie jedes Spiel im letzten Inning. Er beweist, dass man auch um Diskussionen über On-Base-Quoten ein Drama aufbauen kann. | © Columbia Pictures
Drive verwandelt einen einfachen Fluchtwagenfahrer in einen neongetränkten Fiebertraum, untermalt von Synthesizer-Musik und plötzlichen, unerwarteten Gewaltausbrüchen. Ryan Gosling spricht kaum, doch die Stille wirkt, denn der ganze Film ist wie ein stilisierter Albtraum, in dem jedes Gespräch tödlich enden könnte. Die pinkfarbene Schriftart und der verträumte Soundtrack erinnern an ein Musikvideo der 80er – bis jemandem im Aufzug der Kopf eingeschlagen wird. Nicolas Winding Refn hat ein Werk geschaffen, das die Gemüter spaltet: Es verspricht einen Fast & Furious-artigen Autofilm, liefert aber stattdessen brutale Arthouse-Action. | © FilmDistrict
Martin Scorsese dreht einen Kinderfilm – das klingt wie der Anfang eines Witzes, doch Hugo Cabret beweist, dass die Faszination des Regisseurs für Filmgeschichte weit über Gangsterfilme hinausgeht. Der Film entfaltet ein ganzes Abenteuer, das Georges Méliès und die Anfänge des Kinos feiert und die Filmerhaltung in eine Geschichte über Uhrwerke, Magie und die Suche nach dem eigenen Platz in der Welt einbettet. Scorsese nutzt 3D nicht als bloßen Effekt, sondern um den Pariser Bahnhof wie eine lebendige, atmende Maschine wirken zu lassen. Das Ergebnis ist eine Liebeserklärung an das Kino selbst, erzählt aus der Perspektive eines Mannes, der fest daran glaubt, dass Kino Leben retten kann. | © Paramount Pictures
The Artist bewies, dass das Publikum nach wie vor Platz für Schwarzweiß-Stummfilme hatte, solange jemand einen drehte, der es wart war, geschaut zu werden. Jean Dujardin spielt einen Filmstar der 1920er-Jahre, dessen Karriere mit dem Aufkommen des Tonfilms zu zerbrechen droht. Der Film funktioniert, weil er sich voll und ganz auf das Genre einlässt, anstatt es wie ein Museumsstück zu behandeln. Er findet in seiner altmodischen Hollywood-Geschichte über Ruhm, Scheitern und das, was passiert, wenn die Branche sich ohne einen weiterdreht, echte Emotionen. Stummfilme starben aus gutem Grund, aber dieser Film lässt einen daran erinnern, warum sie überhaupt so wichtig waren. | © The Weinstein Company
Manche Filme altern unauffällig, andere gewinnen mit der Zeit sogar an Qualität. Diese 15 Filme, die vor 15 Jahren erschienen sind, haben bis heute nichts von ihrer Faszination verloren – sei es durch packendes Storytelling, unvergessliche Darbietungen oder ihren nachhaltigen kulturellen Einfluss. Rückblickend wird deutlich: Sie sind nie wirklich verblasst.
