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Die 25 schlechtesten Film-Remakes aller Zeiten

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Nazarii Verbitskiy

Filme und Serien - September 3rd 2026, 07:30 MESZ

25. The Eye (2008)

Das Original *The Eye* machte das wiedergewonnene Augenlicht zu einem grausamen Tauschgeschäft: Die Protagonistin konnte wieder sehen, doch mit allem anderen rückten auch die Toten in ihren Blick. Das Remake mit Jessica Alba übernimmt diese Prämisse und mehrere zentrale Szenen, verwandelt den leisen übernatürlichen Schrecken der Pang-Brüder jedoch in glatt polierte Studio-Schockmomente. Alba ist als Konzertviolinistin Sydney Wells durchaus glaubwürdig, doch der Film erklärt ständig Dinge, die eigentlich unheimlich und rätselhaft wirken sollten. Selbst die Geister sind so hell ausgeleuchtet, als wären sie zu früh zum Casting für eine Krankenhausserie erschienen.
| © Lionsgate

Fathers Day — 24. Zwei irre Spaßvögel (1997)

Robin Williams und Billy Crystal gemeinsam in einer Komödie zu besetzen, klingt wie eine Garantie für jede Menge Lacher. *Ein Vater zuviel*, das US-Remake der französischen Komödie *Zwei irre Spaßvögel*, verwandelt diese Traumbesetzung jedoch irgendwie in 98 Minuten angestrengten Gezänks. Beiden Männern wird erzählt, sie könnten der Vater desselben ausgerissenen Teenagers sein – eine Prämisse wie geschaffen für eine immer weiter eskalierende Farce. Das Drehbuch bevorzugt allerdings Umwege im Roadmovie-Stil und überraschend gehässige Witze. Williams improvisiert gelegentliche Funken, Crystal liefert die genervten Reaktionen. Der Film hält beide auf Trab, statt ihnen Raum für echte Chemie zu geben.
| © Warner Bros.

23. Red Dawn (2012)

*Red Dawn* wurde ursprünglich mit chinesischen Invasoren gedreht, während der finanziellen Krise von MGM auf Eis gelegt und anschließend digital verändert, sodass Nordkorea zur Besatzungsmacht wurde. Diese Identitätskrise aus der Postproduktion ist dem gesamten Film anzumerken. Chris Hemsworth besitzt zwar glaubwürdige Autorität auf dem Schlachtfeld, doch das Remake ersetzt die Kalter-Krieg-Paranoia des Originals durch austauschbare Videospiel-Action und ein geopolitisches Szenario, das nicht einmal ansatzweise überzeugt. Die Wolverines schreien, schießen und leiden weiterhin. Was verloren geht, ist die beunruhigende Vorstellung, dass ihr Vorstadtzuhause tatsächlich zu feindlich besetztem Gebiet geworden ist.
| © FilmDistrict

22. Flubber (1997)

*Flubber* gibt Robin Williams eine fliegende Gummierfindung, eine liebeskranke Roboterassistentin und genug Cartoon-Physik, um eine ganze Sporthalle in Schutt und Asche zu legen. Was der Film ihm nicht geben kann, ist eine Figur, die es wert wäre, gespielt zu werden. Das Remake des Disney-Films *Der fliegende Pauker* tauscht den geradlinigen, albernen Charme des Originals gegen hektische Effekte, brachiale Slapstickeinlagen und einen Professor, dessen Vergesslichkeit immer weniger liebenswert wirkt, sobald er wieder einmal seine eigene Hochzeit verpasst. Williams stürzt sich mit heldenhaftem Einsatz auf das Material, doch selbst er kann die Maschinerie um ihn herum nicht überspringen.
| © Walt Disney Pictures

The Fog 2005 — 21. The Fog (2005)

John Carpenters *The Fog – Nebel des Grauens* verwandelte eine Radiosendung an der Küste und eine leuchtende Nebelbank in ein langsam herannahendes Todesurteil. Das Remake übernimmt die ermordeten Seeleute und das verdrängte Verbrechen der Stadt, erstickt den Schrecken jedoch unter glatt polierter Romantik und computergenerierten Geistern, die unbedingt gesehen werden wollen. Selma Blair trifft als nächtliche Radiomoderatorin kurz den richtigen einsamen Ton, doch Tom Welling und Maggie Grace sind in einer Geschichte gefangen, die lieber ihre Mythologie erklärt, als irgendjemanden heimzusuchen. Selbst der Nebel scheint so schnell wie möglich wieder verschwinden zu wollen.
| © Columbia Pictures

20. Jungle 2 Jungle (1997)

Der Wall-Street-Broker Michael Cromwell reist nach Venezuela, entdeckt dort, dass er einen im Amazonasgebiet aufgewachsenen Teenagersohn hat, und nimmt ihn mit nach New York. Statt irgendeinen Teil dieser Konstellation zu hinterfragen, nutzt *Aus dem Dschungel, in den Dschungel* sie für Culture-Clash-Witze über Lendenschurze, Blasrohre und die Sanitäranlagen eines Apartments. Tim Allen und der junge Sam Huntington sind durchaus sympathisch, doch dieses Remake der französischen Komödie *Little Indian – Der Großstadtindianer* behandelt eine ganze Kultur wie eine Requisitenkiste. Martin Short taucht regelmäßig auf, um herumzuschreien, in Panik zu geraten und seinen Gehaltsscheck einzusammeln.
. | © Walt Disney Pictures

Cabin Fever 2016 — 19. Cabin Fever (2016)

Einen Großteil von Eli Roths ursprünglichem Drehbuch wiederzuverwenden, klingt weniger nach einer Adaption als nach einem Bürokopierer, der versehentlich eine Filmfinanzierung erhalten hat. *Cabin Fever* schickt eine weitere Gruppe austauschbarer Freunde in dieselbe abgelegene Hütte, infiziert sie mit derselben fleischfressenden Krankheit und wiederholt bekannte Szenen mit saubererer Beleuchtung, aber ohne die schmutzige Persönlichkeit des Originals. Blut und Ekel gibt es reichlich, doch der boshafte, pechschwarze Humor, der den ersten Film so einprägsam machte, wurde vollständig desinfiziert. Übrig bleibt eine originalgetreue Coverversion, gespielt von einer Band, an deren Buchung sich niemand erinnern kann.
| © IFC Midnight

A nightmare on elm street 2010 msn — 18. A Nightmare on Elm Street (2010)

Jackie Earle Haley hatte das schauspielerische Können, Freddy Krueger neu zu erfinden, und die Idee der Mikroschlafphasen öffnet kurzzeitig eine böse neue Tür zwischen Wachsein und Traum. *A Nightmare on Elm Street*verschwendet beide Vorteile. Der Film kopiert berühmte Bilder aus Wes Cravens Original, ersetzt die handgemachten Effekte durch gummiartig wirkendes CGI und nimmt Freddy jene theatralische Boshaftigkeit, die Robert Englund untrennbar mit der Rolle verbunden hatte. Rooney Maras zurückhaltende Darstellung lässt Nancy weniger übermüdet als vielmehr innerlich komplett ausgecheckt wirken – was unbeabsichtigt perfekt zum restlichen Film passt.
| © New Line Cinema

Get Carter — 17. Jack rechnet ab (2000)

Michael Caine machte Jack Carter im Original *Jack rechnet ab* zu einer furchteinflößenden Figur, die sich durch Newcastle bewegte wie ein Gangster, der seine Seele längst abgelegt hatte. Sylvester Stallones Version verlegt die Handlung nach Seattle, ergänzt eine Hochglanz-Inszenierung und versucht, unter dem brutalen Vollstrecker einen einfühlsamen Familienmenschen hervorzuholen. Genau dieser Ansatz widerspricht dem Stoff. Carter kann brutal oder erlösungsfähig sein, doch das Remake will beides, ohne sich eines davon zu verdienen. Caine taucht in einer Nebenrolle auf und erinnert dabei auf unangenehme Weise daran, dass der kältere, geradlinigere und weitaus bessere Film noch immer direkt danebensteht.
| © Warner Bros.

Oldboy 2013 — 16. Oldboy (2013)

Josh Brolin wirft für *Oldboy* seinen ganzen Körper in die Waagschale: Er nimmt zu, trainiert das Gewicht wieder herunter und attackiert einen ganzen Korridor voller Männer mit einem Hammer. Doch selbst dieser Einsatz kann das Problem der bloßen Nachahmung nicht lösen. Spike Lees Remake folgt Park Chan-wooks Rachealbtraum so eng, dass jede berühmte Wendung die Erinnerung an eine stärkere Version mit sich trägt, während der neu inszenierte Korridorkampf wie ein kostspieliges Showreel wirkt. Die finale Enthüllung bleibt grotesk, doch die opernhafte Tragik drum herum ist verschwunden. Der Schock bleibt – der Grund, ihn auszuhalten, nicht.
| © FilmDistrict

Jacobs Ladder 2019 — 15. Jacob’s Ladder (2019)

Das Original *Jacob’s Ladder – In der Gewalt des Jenseits* bewegte sich wie ein Fiebertraum, aus dem niemand erwachen konnte, und ließ Kriegstrauma, Schuld und spirituellen Schwebezustand miteinander verschmelzen. Das Remake gibt Jacob einen vermeintlich verstorbenen Bruder, eine Spur zu einem Pharmaunternehmen und genug Erklärungen, um die Logik eines Albtraums in routinemäßige Verschwörungsermittlungen zu verwandeln. Michael Ealy verleiht seinem zunehmenden Zusammenbruch echtes emotionales Gewicht, doch die übernommenen zuckenden Gesichter und verzerrten Körper wirken eher wie Dekorationen als wie Visionen aus einem beschädigten Geist. Sobald jede Halluzination zu einem Hinweis wird, gleicht die Leiter nur noch einem schlecht beschrifteten Ablaufdiagramm.
| © Vertical Entertainment

The Haunting — 14. Bis das Blut gefriert (1999)

Robert Wises *Bis das Blut gefriert* ließ eine Tür, einen Schatten und ein paar unerklärliche Geräusche bedrohlicher wirken als die meisten Monster. Jan de Bonts Remake reagiert darauf, indem es schlichtweg alles zeigt. Aus Hill House wachsen digitale Skelette, geschnitzte Putten erwachen zum Leben und Hugh Crain wird von einer bösartigen Präsenz zu einem CGI-Tyrannen hochgestuft, der Kinderarbeiter folterte und tötete. Lili Taylor bemüht sich, Eleanors Zerbrechlichkeit zu bewahren, während Liam Neeson und Catherine Zeta-Jones durch Kulissen wandern, die zu prunkvoll sind, um verflucht zu wirken. Die Subtilität wurde offenbar vor der Tür ausgesperrt.
| © DreamWorks Pictures

The Bachelor — 13. Sieben Chancen (1999)

Buster Keatons *Sieben Chancen* baute eine ganze Stummfilm-Komödienmaschinerie um einen Junggesellen auf, der vor Ablauf einer Frist heiraten muss, um ein Vermögen zu erben. *Der Junggeselle* behält den Zeitdruck bei und wirft die Präzision über Bord. Chris O’Donnell behandelt die Ehe während des größten Teils des Films wie eine ansteckende Krankheit und erwartet anschließend, dass Renée Zellweger – und das Publikum – seine Wandlung nach einer Parade abgewiesener Exfreundinnen akzeptieren. Der abschließende Ansturm heiratswilliger Frauen in Brautkleidern imitiert Keatons berühmte Verfolgungsjagd – nur lauter, länger und mit deutlich geringerem Risiko für die Würde aller Beteiligten.
| © New Line Cinema

12. Knock Knock (2015)

Keanu Reeves öffnet zwei gestrandeten Fremden seine Tür, trifft mehrere katastrophale Entscheidungen und hält schließlich eine wütende Rede über kostenlose Pizza, die dem Film entkam und als Meme ein deutlich gesünderes Eigenleben entwickelte. *Knock Knock* ist Eli Roths Remake des schmuddeligen Exploitation-Thrillers *Tödliche Spiele*, kann sich aber nicht entscheiden, ob Evan ein Opfer, ein Heuchler oder die Pointe eines abendfüllenden Moralwitzes sein soll. Ana de Armas und Lorenza Izzo verbreiten mit sichtlichem Vergnügen Bedrohlichkeit, während das Drehbuch Lautstärke ständig mit psychologischer Kriegsführung verwechselt.
| © Lionsgate Premiere

Martyrs 2015 — 11. Martyrs (2015)

*Martyrs* leichter konsumierbar zu machen, ist wie eine Rasierklinge mit abgerundeten Kanten neu aufzulegen: technisch sicherer, aber philosophisch nutzlos. Troian Bellisario und Bailey Noble stürzen sich mit vollem Einsatz in Lucies und Annas Martyrium, doch die US-Version zerhackt das Leiden in kurze Horrorpassagen und ersetzt Pascal Laugiers erschreckende Mehrdeutigkeit durch eine gefälligere Würdigung der Freundschaft. Die Geheimgesellschaft foltert weiterhin Frauen, um Erkenntnisse über das Leben nach dem Tod zu gewinnen. Der Film weigert sich jedoch, sich ernsthaft mit der Bedeutung dieser Besessenheit auseinanderzusetzen. Die Grausamkeit bleibt, während die Seele im Schnitt verloren geht.
| © Anchor Bay Entertainment

10. Kairo (2006)

Kiyoshi Kurosawas *Kairo* nutzte das Internet als Tor zur Einsamkeit und ließ leere Räume sowie menschenförmige Flecken eine Welt andeuten, die sich still der Verzweiflung hingibt. *Pulse – Du bist tot, bevor du stirbst* verwandelt diesen Schrecken in einen buchstäblichen Computervirus, fügt rotes Klebeband hinzu, das Geister abwehrt, und erklärt die Apokalypse so ausführlich, bis nichts Rätselhaftes mehr übrig bleibt. Kristen Bell gibt der Panik ein menschliches Zentrum, doch der Film behandelt Technologie wie einen verfluchten Toaster mit Breitbandanschluss. Das Original fragte, warum Vernetzung Menschen vereinsamen lässt. Das Remake rät dem Publikum hauptsächlich, den Router auszustecken.
| © Dimension Films

9. Downhill (2020)

Der entscheidende Moment in *Downhill* dauert nur wenige Sekunden: Eine Lawine scheint direkt auf ein Restaurant zuzurasen, und Pete schnappt sich sein Handy und lässt seine Frau und seine Kinder zurück. Den restlichen Urlaub verbringen Will Ferrell und Julia Louis-Dreyfus damit, die Ehe freizulegen, die sich hinter diesem Reflex verbirgt. Beide finden präzise, unangenehme Momente – besonders Louis-Dreyfus –, doch das Remake mildert die moralische Eiseskälte von *Höhere Gewalt* immer wieder mit derberen Witzen und beruhigenden Erklärungen ab. Eine Geschichte, die eigentlich blaue Flecken hinterlassen soll, verabschiedet sich mit einer inszenierten Rettungsaktion und einem letzten sauber abgerundeten visuellen Gag.
| © Searchlight Pictures

The Shaggy Dog — 8. Der unheimliche Zotti (2006)

Im Disney-Original *Der unheimliche Zotti* wird die Verwandlung durch einen magischen Ring ausgelöst. Hier wird Tim Allen von einem 300 Jahre alten heiligen Hund gebissen, dessen DNA von einem skrupellosen Pharmaunternehmen ausgebeutet wird. Allein dieser Satz enthält mehr Handlung, als die Komödie problemlos tragen kann. Allen schnüffelt, kratzt sich und jagt mit professionellem Einsatz Stöckchen hinterher, während Robert Downey Jr. den Bösewicht spielt, als würde er testen, wie viel Schalk selbst unter einer Laborbrille noch durchscheint. Die Botschaft über die Versöhnung der Familie ist harmlos. Der Weg dorthin fühlt sich allerdings an, als säße man in einem endlosen Gehorsamkeitskurs fest.
| © Walt Disney Pictures

Psycho 1998 — 7. Psycho (1998)

Gus Van Sant kopierte *Psycho* beinahe Einstellung für Einstellung, übernahm Joseph Stefanos Drehbuch und inszenierte das Bates Motel in Farbe neu. Das Ergebnis ist ein kostspieliger Beweis dafür, dass sich filmische Wirkung nicht wie mit einer Schablone nachzeichnen lässt. Anne Heche und Vince Vaughn werden nicht nur mit Janet Leigh und Anthony Perkins verglichen – sie sind im Timing ihrer Vorgänger gefangen. Zusätzliches Blut, surreale Einschübe und Normans explizite Masturbation am Guckloch lassen die Nachahmung nur noch verkrampfter wirken. Die Duschszene erscheint exakt nach Zeitplan, doch die Angst checkt nie im Motel ein.
| © Universal Pictures

6. The Wicker Man – Ritual des Bösen (2006)

Neil LaBute verlegt *The Wicker Man – Ritual des Bösen* von einer feuchten schottischen Insel in eine matriarchalische Imkerkommune im US-Bundesstaat Washington und gibt Nicolas Cage anschließend eine Polizeimarke, ein Bärenkostüm und die Erlaubnis, völlig zu eskalieren. Die folkloristischen Rituale des Originals zogen sich langsam um einen dem Untergang geweihten Mann zusammen. Das Remake schreibt seine Feindseligkeit dagegen in Großbuchstaben und ersetzt religiöses Unbehagen durch Angst vor Frauen. Wie Cage im Bärenkostüm eine Frau schlägt, ist unvergesslich – die berüchtigte Bienenfolter aus der Unrated-Fassung sogar noch mehr. Horror war die Aufgabe, unbeabsichtigte Komik wurde zum Vermächtnis.
| © Warner Bros. Pictures

5. Taxi (2004)

Queen Latifahs Belle kann ein aufgemotztes Taxi durch den New Yorker Verkehr manövrieren, während Jimmy Fallons Detective Washburn kaum ein Auto bedienen kann, ohne dem Eigentum in seiner Umgebung den Krieg zu erklären. Die Kombination der beiden sollte eigentlich einen sauber laufenden Comedy-Motor ergeben. Stattdessen bleibt *Taxi*zwischen kraftlosen Wortgefechten, schwerelosen Verfolgungsjagden und einer Bande brasilianischer Bankräuberinnen liegen, die hauptsächlich als Supermodels mit Schusswaffen inszeniert werden. Latifahs Selbstbewusstsein hält das Taxameter am Laufen, doch Fallon macht aus Unfähigkeit einen derart aggressiven Darstellungsstil, dass Zufußgehen plötzlich wie die klügere Fortbewegungsmethode erscheint.
. | © 20th Century Fox

4. Rollerball (2002)

Norman Jewisons *Rollerball* entwarf eine von Konzernen beherrschte Zukunft, in der ein brutaler Sport die Bevölkerung ruhigstellte und die Macht des Einzelnen auslöschte. Das Remake behält die Rollschuhe, Motorräder und Gehirnerschütterungen bei, schickt die Satire jedoch auf die Strafbank. Chris Klein wird inmitten chaotischer Schnitte, eines Nu-Metal-Spektakels und einer berüchtigten Nachtsicht-Verfolgungsjagd, die wie die Aufnahme eines kaputten Camcorders aussieht, zum Extremsportstar. Umfangreiche Nachdrehs und eine Neufassung für die niedrigere US-Altersfreigabe PG-13 ließen die Action gleichzeitig hektisch und erstaunlich zahnlos zurück. Selbst Jean Renos Bösewicht scheint nicht zu wissen, welches Spiel hier eigentlich gespielt wird.
| © Metro-Goldwyn-Mayer

Lol 2012 — 3. LOL (2012)

Das Remake ihres eigenen französischen Erfolgsfilms hätte Regisseurin Lisa Azuelos eigentlich eine hilfreiche Orientierung bieten müssen. Stattdessen wirkt *LOL*, als wäre diese Vorlage durch einen fehlerhaften Gruppenchat übersetzt worden. Miley Cyrus navigiert durch Romanzen, Konflikte mit ihren Eltern und ein hauptsächlich über Textnachrichten geführtes Sozialleben, während Demi Moore eine Mutter spielt, die langsam erkennt, dass ihre Tochter Geheimnisse hat. Die Emotionen sind nachvollziehbar, doch die Jugendsprache und digitalen Spielereien wirkten bereits veraltet, als der Film in den USA nahezu ohne Werbung veröffentlicht wurde. Der Titel versprach Gelächter und lieferte versehentlich gleich die passende Kritik mit.
| © Lionsgate

2. Black Christmas (2019)

Sophia Takals *Black Christmas* besitzt berechtigte Wut über Frauenfeindlichkeit an Universitäten, den Schutz durch Institutionen und die Erschöpfung von Frauen, denen niemand glaubt. Der Fehler des Films besteht darin, jede Idee erst in Dialoge und anschließend in eine übernatürliche Studentenverbindungs-Verschwörung zu verwandeln, die von schwarzem Glibber angetrieben wird. Das Original machte einen unsichtbaren Mörder gerade deshalb so furchteinflößend, weil weder seine Identität noch sein Wahnsinn greifbar waren. Dieses zweite Remake erklärt das Böse dagegen bis hinunter in die Rohrleitungen. Selbst eine engagierte Besetzung und das hohe Tempo können nicht verhindern, dass der letzte Akt wie ein Protestslogan wirkt, der gegen einen billig produzierten Endgegner kämpft.
| © Universal Pictures

1. Stürmische Liebe – Swept Away (2002)

Guy Ritchie verfilmte Lina Wertmüllers bissige Klassensatire mit seiner damaligen Ehefrau Madonna neu, entfernte einen Großteil der politischen Aussagen und ließ ausgerechnet die hässlichsten Beziehungsdynamiken unangetastet. *Stürmische Liebe – Swept Away* lässt die verwöhnte High-Society-Dame Amber gemeinsam mit dem Matrosen Giuseppe stranden. Seine Überlebensfähigkeiten kehren das Machtverhältnis zwischen ihnen um und treiben die Geschichte in Richtung einer Romanze, die keiner der beiden Darsteller glaubwürdig vermitteln kann. Adriano Giannini ist der Sohn des Hauptdarstellers aus dem Original – eine genealogische Spielerei, die den Vergleich nur noch vernichtender macht. Der Film spielte weltweit gerade einmal rund eine Million US-Dollar ein und kam in Großbritannien gar nicht erst ins Kino. Die Flut zeigte Erbarmen.
| © Screen Gems

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Remakes werden meist als Chance verkauft, einen Klassiker einer neuen Generation näherzubringen. In der Praxis wirken einige jedoch eher wie kostspieliger Vandalismus. Beliebte Figuren werden fehlbesetzt, kluge Ideen bis zur Belanglosigkeit glattgebügelt und bekannte Szenen kehren mit dem doppelten Budget, aber nur halb so viel Leben zurück. Von neu aufgelegten Horrorfilmen, die vergessen haben, wie man Angst erzeugt, bis zu Blockbuster-Neuinterpretationen, die ihre eigene Vorlage missverstanden haben: Das sind die 25 schlechtesten Film-Remakes aller Zeiten.

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Remakes werden meist als Chance verkauft, einen Klassiker einer neuen Generation näherzubringen. In der Praxis wirken einige jedoch eher wie kostspieliger Vandalismus. Beliebte Figuren werden fehlbesetzt, kluge Ideen bis zur Belanglosigkeit glattgebügelt und bekannte Szenen kehren mit dem doppelten Budget, aber nur halb so viel Leben zurück. Von neu aufgelegten Horrorfilmen, die vergessen haben, wie man Angst erzeugt, bis zu Blockbuster-Neuinterpretationen, die ihre eigene Vorlage missverstanden haben: Das sind die 25 schlechtesten Film-Remakes aller Zeiten.