EarlyGame | Die besten und schlechtesten SciFi-Filme aller Zeiten

20. Der Marsianer (2015)

Ridley Scott machte aus der Geschichte eines gestrandeten Astronauten einen der seltenen Science-Fiction-Blockbuster, bei denen der große emotionale Höhepunkt im Grunde lautet: Bitte lass die Rechnung aufgehen.

Matt Damons Mark Watney überlebt auf dem Mars mit Klebeband, Botanik, seinem Hass auf Disco und einer Art der Problemlösung, die selbst NASA-Protokolle überraschend spannend wirken lässt. Der Charme des Films entsteht dadurch, dass Intelligenz hier zur Unterhaltung wird, ohne die Gefahr dabei abzuschwächen. Wissenschaft wird zur Spannung statt zur Hausaufgabe.

Der Film ist optimistisch, ohne weich zu wirken, witzig, ohne den Ernst der Lage zu untergraben, und bis heute einer der unterhaltsamsten Weltraum-Survival-Filme der modernen Ära, die man sich immer wieder ansehen kann.

| © 20th Century Fox

19. Das Fünfte Element (1997)

Luc Bessons Space Opera sieht aus, als hätte jemand eine Modekanone auf ein Comicbuch abgefeuert und damit genau ins Zentrum des Kultfilm-Vergnügens getroffen.

Unter den orangefarbenen Haaren, fliegenden Taxis, dem uralten Bösen und Chris Tucker, der sich permanent auf menschlicher Sirenenlautstärke bewegt, steckt ein wunderbar einfacher Kern: Liebe ist die einzige Waffe, die mächtig genug ist, um das Universum zu retten.

Bruce Willis gibt den mürrischen Actionhelden, Milla Jovovich macht Leeloo zur Ikone der Pop-Science-Fiction, und jedes einzelne Set scheint eine regelrechte Allergie gegen Beige zu haben. Der Film ist auf die konsequenteste Art völlig absurd – und genau dort entwickelt großartige Science-Fiction oft ihren ganz eigenen Glanz.

| © Gaumont

18. Avatar: The Way of Water (2022)

James Cameron ließ sich lange genug Zeit, dass die Leute anfingen, an ihm zu zweifeln – und kehrte dann ganz beiläufig mit einer Fortsetzung zurück, die Wasser so aussehen ließ, als wäre es erst fünf Minuten zuvor für das Kino erfunden worden.

Avatar: The Way of Water erweitert Pandora um den Riff-Clan der Metkayina und verleiht der Reihe einen lockereren, stärker familiengetriebenen Rhythmus, während der Film gleichzeitig auf ein gewaltiges Spektakel zusteuert. Auf dem Papier ist die Handlung simpel, doch die Immersion übernimmt den Großteil der Arbeit: Atmen, Schwimmen, Trauern und Kämpfen werden alle Teil desselben Ökosystems.

Es ist Blockbuster-Kino als Ganzkörpererlebnis – und damit weiterhin James Camerons wohl nervigste Superkraft.

| © Lightstorm Entertainment

17. RoboCop (1987)

Paul Verhoevens RoboCop ist so messerscharf, dass viele ihn bis heute einfach nur für einen coolen Film über einen Cyborg mit beeindruckend sauberer Schusshaltung halten.

Doch die eigentliche Maschine hinter dem Film ist seine Satire: privatisierte Polizeiarbeit, skrupellose Konzerne, Medienmüll, städtischer Verfall und ein Held, der buchstäblich als Produkt neu zusammengesetzt wird. Peter Weller verleiht Murphy gerade genug tief vergrabene Menschlichkeit, damit man den Schmerz unter all dem Metall spürt, während die Gewalt mit der brutalen Wucht eines Witzes einschlägt, der ganz genau weiß, wie bitter seine Pointe ist.

Viele Science-Fiction-Filme versuchen, die Zukunft vorherzusagen. Dieser hier wurde mit der Zeit beinahe unbeabsichtigt immer lustiger, böser und deprimierender.

| © Orion Pictures

16. E.T. – Der Außerirdische (1982)

Steven Spielberg drehte einen Alien-Film, in dem das Raumschiff weniger wichtig ist als der Schmerz kindlicher Einsamkeit – und genau deshalb funktioniert E.T. – Der Außerirdische bis heute, ohne dass es irgendein zynisches modernes Update bräuchte.

Das Design des Außerirdischen ist seltsam, faltig und nicht gerade auf Kuscheltier-Niedlichkeit ausgelegt, doch die Verbindung zwischen Elliott und E.T. lässt ihn sofort verletzlich wirken. Das Vorstadt-Setting verwandelt Fahrräder, Kleiderschränke, Süßigkeiten und die Taschenlampen der Regierungsbeamten in beinahe mythische Objekte, als wäre die Kindheit selbst von etwas Außerirdischem heimgesucht worden.

Die Science-Fiction-Elemente sind sanft, doch die emotionale Präzision ist gnadenlos. Viel Glück dabei, diesen Abschied mit trockenen Augen zu überstehen.

| © Amblin Entertainment

15. Terminator 2 – Tag der Abrechnung (1991)

James Cameron machte nicht einfach nur eine größere Fortsetzung – er verdrahtete die komplette emotionale Dynamik der Reihe neu.

Terminator 2 – Tag der Abrechnung verwandelt Arnold Schwarzeneggers Killermaschine in einen Beschützer, beschert Linda Hamilton eine der beeindruckendsten Transformationen des Actionkinos und macht mit dem T-1000 flüssiges Metall zum absoluten Albtraumstoff. Die visuellen Effekte veränderten die Filmindustrie, doch seine anhaltende Wirkung verdankt der Film vor allem Sarah Connors Angst vor einer Zukunft, die niemand für real hält, obwohl sie sie bereits gesehen hat.

Der Film ist brachial, emotional, unerbittlich und absurd effizient – ein Popcorn-Blockbuster, durch dessen Adern apokalyptisches Trauma fließt.

| © Carolco Pictures

14. Das Ding aus einer anderen Welt (1982)

John Carpenters Das Ding aus einer anderen Welt verwandelt Paranoia in ein eigenes Klima. Die Antarktis ist schon feindselig genug, bevor das Alien überhaupt auftaucht, doch sobald die perfekte Imitation zur wichtigsten Fähigkeit des Monsters wird, wirkt jeder Blick im Raum plötzlich wie ein Geständnis.

Rob Bottins praktische Effekte sind bis heute herrlich widerlich – Zähne, Tentakel und eine Biologie, die scheinbar einen kompletten Nervenzusammenbruch erleidet. Doch der eigentliche Horror steckt in der Stille zwischen den Männern. Kurt Russells MacReady ist kein Superheld, sondern ein erschöpfter, misstrauischer Mann, dem langsam sowohl das Vertrauen als auch der Treibstoff für den Flammenwerfer ausgehen.

Science-Fiction-Horror fühlt sich nur selten so kalt, schleimig und bösartig an.

| © Universal Pictures

13. Blade Runner (1982)

Ridley Scotts Blade Runner hat die Zukunft nicht einfach nur erfunden – er gab ihr schlechtes Wetter, neongetränkte Erschöpfung und ein ernsthaftes Zigarettenproblem.

Harrison Ford bewegt sich durch Los Angeles wie ein Mann, der viel zu müde ist, um überhaupt zu bemerken, dass er sich mitten in einer der einflussreichsten Filmwelten aller Zeiten befindet, während Rutger Hauers Roy Batty aus einem Replikanten-Schurken eine tragische, wütende Suche nach dem Sinn des Lebens macht.

Die Detektivgeschichte rückt dabei fast in den Hintergrund gegenüber der Atmosphäre, die sich auf seltsame Weise gleichzeitig futuristisch und uralt anfühlt. Die Fragen des Films über Erinnerung, Identität und künstliches Leben sind mit der Zeit nur noch relevanter geworden, während die Technologie den damaligen Albträumen immer weiter näherkommt.

| © The Ladd Company

12. Ex Machina (2014)

Alex Garlands Ex Machina reduziert Science-Fiction auf ein Haus, einen Milliardär, einen Programmierer und eine künstliche Intelligenz, die den Raum besser versteht als jeder der Männer darin.

Die Stärke des Films liegt darin, wie ruhig und kontrolliert alles wirkt, während die Machtverhältnisse darunter langsam verfaulen. Alicia Vikanders Ava wird nie einfach nur als Maschine oder Opfer dargestellt, Oscar Isaac verwandelt den Charme eines Tech-Bros in etwas zutiefst Unheimliches, und Domhnall Gleeson wird zum nervösen Stellvertreter des Publikums.

Es ist ein eleganter Turing-Test mit vergiftetem Kern, der die Frage stellt, ob Bewusstsein am Ende weniger wichtig ist als die Frage, wer die Kontrolle über die Schlösser hat.

| © DNA Films

11. Star Wars: Episode IV – Eine neue Hoffnung (1977)

George Lucas erschuf Star Wars: Episode IV – Eine neue Hoffnung aus alten Abenteuer-Serien, Samurai-Filmen, Western und mythischem Storytelling – und schaffte es irgendwie trotzdem, das Ganze völlig neu wirken zu lassen.

Luke, der auf die beiden Sonnen blickt, sagt bis heute mehr über Sehnsucht aus als die meisten Origin Storys mit ganzen Seiten voller Dialog. Im Vergleich zu dem, was aus der Reihe später wurde, wirkt der Film beinahe improvisiert und handgemacht, doch genau diese Textur ist ein Teil seiner Magie: staubige Droiden, sichtbar bewohnte Raumschiffe, seltsame Cantinas und Bösewichte mit opernreifen Atemproblemen.

Der Film machte Weltraum-Fantasy universell verständlich, ohne das Staunen durch endlose Erklärungen kaputtzumachen.

| © Lucasfilm

10. Aliens (1986)

James Cameron blickte auf Ridley Scotts Spukhaus-im-Weltall-Meisterwerk und entschied, dass die einzig vernünftige Antwort darin bestand, die Marines reinzuschicken.

Aliens – Die Rückkehr wechselt von langsam wachsendem Grauen zu militärischer Survival-Action, ohne dabei den Schrecken der Kreaturen zu verlieren – vor allem, weil die Xenomorphs keine mysteriöse Bedrohung mehr sind, sondern zu einem ausgewachsenen Krieg werden.

Sigourney Weavers Ripley kehrt härter, wütender und zugleich menschlicher zurück, während Newt ihrem Trauma einen Grund gibt, nach vorne zu kämpfen, statt einfach nur zu überleben. Die Alien-Königin ist ein großartiger Albtraum, doch die eigentliche Geheimwaffe des Films ist seine Struktur: Jede Eskalation fühlt sich verdient an, sorgfältig vorbereitet und jederzeit bereit zu explodieren.

| © Brandywine Productions

9. Zurück in die Zukunft (1985)

Zurück in die Zukunft lässt Zeitreisen so mühelos wirken, dass man leicht übersieht, wie wahnsinnig gut das Drehbuch eigentlich konstruiert ist.

Jeder Witz, jede Requisite, jeder Song, jedes Familiendetail und jede peinliche Teenager-Situation greift ineinander wie eine Maschine, die Doc Brown an seinem allerbesten Tag gebaut haben könnte. Michael J. Fox verleiht Marty McFly die perfekte Mischung aus Panik und Selbstbewusstsein, während Christopher Lloyd selbst Erklärungen wie koffeingeladenen Jazz wirken lässt.

Die Regeln der Zeitreise sind klar, die Comedy funktioniert bis heute, und der emotionale Kern ist überraschend herzlich: Manchmal bedeutet die Zukunft zu retten einfach, zu erkennen, dass auch die eigenen Eltern früher ein einziges Chaos waren.

| © Amblin Entertainment

8. 2001: Odyssee im Weltraum (1968)

Stanley Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum gehört noch immer zu den seltenen Meilensteinen der Filmgeschichte, die sich anfühlen, als wären sie von irgendwo ganz anderem zu uns gekommen.

Der Film bewegt sich in seinem ganz eigenen majestätischen Tempo und vertraut darauf, dass Stille, Musik und Bilder die Arbeit übernehmen, die andere Filme unter Erklärungen begraben würden. HAL 9000 ist gerade deshalb so beängstigend, weil er höflich bleibt und nicht, weil er die Kontrolle verliert.

Der Sprung von der menschlichen Evolution hin zu einem kosmischen Mysterium besitzt bis heute den Mut, das Publikum selbst nach einer Bedeutung suchen zu lassen, anstatt ihm eine Gebrauchsanweisung mitzuliefern.

Besonders warmherzige Science-Fiction ist das nicht gerade, dafür aber monumental, hypnotisch und fast schon unverschämt selbstbewusst.

| © Metro-Goldwyn-Mayer

7. Avatar (2009)

James Camerons Avatar – Aufbruch nach Pandora wurde zu einem derartigen Giganten an den Kinokassen, dass man den Film leicht auf seine Technik, Witze über blaue Aliens und Diskussionen über seinen kulturellen Einfluss reduzieren kann.

Der Film selbst ist deutlich interessanter als diese oberflächliche Debatte: ein gewaltiges ökologisches Abenteuer, getragen von körperlich spürbarer Immersion, antikolonialer Wut und der simplen Freude daran, einem Regisseur zuzusehen, der von jedem einzelnen Blatt geradezu besessen ist.

Pandora funktioniert, weil sich die Welt biologisch miteinander verbunden anfühlt und nicht einfach nur dekoriert. Gleichzeitig verleihen die Motion-Capture-Performances der Na’vi den digitalen Figuren ein ungewöhnlich starkes emotionales Gewicht.

Die Geschichte ist sicherlich vertraut, doch Cameron nutzt genau diese Vertrautheit als Fundament für echtes Staunen.

| © Lightstorm Entertainment

6. Blade Runner 2049 (2017)

Denis Villeneuve hatte eigentlich keine Chance, eine Fortsetzung zu Blade Runner zu drehen, die derart elegant funktioniert – und trotzdem betritt Blade Runner 2049 dieses beinahe heilige Science-Fiction-Territorium mit beeindruckender Ruhe.

Ryan Goslings K ist zugleich Ermittler, Waffe und einsame Seele, gefangen in der Mythologie eines anderen, während Roger Deakins’ Kameraarbeit zerstörte Städte, orangefarbene Ödlandschaften und sterile Innenräume in regelrechte Gefühlswelten verwandelt.

Der Film ehrt das Original, ohne es wie ein Museumsstück zu behandeln, und erweitert seine Welt durch Fragen nach Erinnerung, Fortpflanzung und einem künstlich erschaffenen Lebenszweck.

Er ist langsamer, als es sich die meisten Blockbuster heute erlauben würden – und genau dadurch trifft seine Einsamkeit umso härter.

5. Interstellar (2014)

Christopher Nolans Interstellar ist die Art von Film, die Relativität erklären, Matt Damon auf einem gefrorenen Planeten stranden lassen und trotzdem darauf bestehen kann, dass auch Liebe Teil der Gleichung ist.

Diese Ernsthaftigkeit müsste eigentlich unter ihrem eigenen Gewicht zusammenbrechen, doch der Film zieht sie so konsequent durch, dass jeder Widerstand irgendwann zwecklos wird. Matthew McConaugheys Cooper gibt den kosmischen Dimensionen einen angeschlagenen menschlichen Kern, während die Andocksequenz bis heute zu den größten Nerventests des modernen Blockbuster-Kinos gehört.

Die Wissenschaft ist ambitioniert, die Emotionen sind gewaltig, und Hans Zimmers Orgel-Soundtrack klingt, als würde eine Kathedrale versuchen, sich selbst ins Weltall zu schießen.

| © Syncopy

4. Star Wars: Episode V – Das Imperium schlägt zurück (1980)

Star Wars: Episode V – Das Imperium schlägt zurück ist der Moment, in dem die Saga entdeckt, dass Mythos noch besser funktioniert, wenn er wehtut.

Die Rebellen verlieren, Luke wird auf den Boden der Tatsachen zurückgeholt, die Romanze zwischen Han und Leia gewinnt unter Druck an Schärfe, und Darth Vader hört auf, nur ein beeindruckend inszenierter Bösewicht zu sein – stattdessen wird er zum Zentrum einer familiären Wunde.

Irvin Kershner verleiht dem Film Tiefe und Geduld und lässt Dagobah mystisch, Hoth verzweifelt und die Wolkenstadt beinahe zu schön wirken, um ihr zu vertrauen.

Der Film ist düsterer, ohne freudlos zu sein, monumental, ohne steif zu wirken, und bis heute das überzeugendste Beispiel der Reihe dafür, dass Space Opera auch als Tragödie funktionieren kann.

| © Lucasfilm

3. The Matrix (1999)

Die Wachowskis verwandelten Cyberpunk-Philosophie, Martial Arts, Ledermäntel und die Existenzangst des Büroalltags in eine popkulturelle Explosion.

The Matrix steckt voller Ideen – simulierte Realität, körperliche Selbstbestimmung, Kontrollsysteme und die Mythologie des Auserwählten – vergisst dabei aber nie, sich wie ein Actionfilm zu bewegen, der etwas beweisen will.

Keanu Reeves verleiht Neo genau die richtige verletzliche Unbeschriebenheit, Carrie-Anne Moss macht Trinity auf Anhieb zur Ikone, und Laurence Fishburne trägt jede einzelne Zeile vor, als würde er einem gerade eine verbotene Schrift überreichen.

Die Bullet-Time-Aufnahmen wurden zum offensichtlichsten Markenzeichen des Films, doch die eigentliche Leistung liegt darin, wie stilvoll The Matrix das Erwachen zu etwas Gefährlichem macht.

2. Inception (2010)

Christopher Nolans Inception verwandelt Erklärungen in Architektur und fordert das Publikum dann auch noch dazu heraus, Spaß daran zu haben, sich darin zu verirren.

Die Idee eines Raubzugs innerhalb von Träumen ist clever, doch der Film funktioniert vor allem deshalb, weil jede Ebene ihren eigenen Rhythmus hat: regennasse Straßen, Hotelkorridore, verschneite Festungen und die emotionale Zerstörung, die Cobb immer wieder mit in den Auftrag hineinzieht.

Leonardo DiCaprio spielt Besessenheit als einen Mann, der versucht, seine Trauer mit Planung und Kontrolle zu überlisten, während das Ensemble die ganze Konstruktion mit beinahe absurdem Präzisionsgefühl am Laufen hält.

Der Kreisel wurde natürlich zum großen Diskussionsthema, doch die spannendere Frage ist, ob es überhaupt noch darauf ankommt, einem Traum zu entkommen, wenn die eigene Schuld das Gefängnis längst gebaut hat.

| © Syncopy

1. Alien (1979)

Ridley Scotts Alien – Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt ist bis heute der Goldstandard dafür, den Weltraum weniger wie Schicksal und mehr wie einen furchtbaren Arbeitsplatz mit schlechter Beleuchtung wirken zu lassen.

Die Crew der Nostromo besteht nicht aus selbstbewussten Helden, sondern aus müden Angestellten, die über Bezahlung, Vorschriften und einen Konzern meckern, der sie letztlich nur als entbehrliche Fracht betrachtet.

Dann dringt H. R. Gigers Kreatur förmlich in den Blutkreislauf des Films ein, und plötzlich wird alles industriell, sexuell, mechanisch und zutiefst verstörend.

Sigourney Weavers Ripley überlebt, weil sie aufmerksam bleibt, während alle anderen darauf vertrauen, dass die Regeln sie schon schützen werden. Science-Fiction-Horror versucht seit Jahrzehnten, aus dem Schatten dieses Films herauszutreten – und nur selten gelingt es.