Die 15 besten viktorianischen Horrorfilme aller Zeiten

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Michelle Baier

Entertainment - August 21st 2026, 08:00 MESZ

Crimson Peak 2015 — 15. Crimson Peak (2015)

Guillermo del Toro macht unmissverständlich klar, dass die Geister eher Zeugen als die eigentlichen Schurken sind – eine Unterscheidung, die *Crimson Peak* deutlich bissiger macht, als es seine opulente Oberfläche zunächst vermuten lässt. Allerdale Hall blutet rote Tonerde, durch sein Dach fällt Schnee, und unter den Geheimnissen der Familie Sharpe ächzt das Anwesen förmlich. So wird das Herrenhaus zum ausdrucksstärksten „Darsteller“ des Films. Mia Wasikowska verleiht Edith genug Neugier, um nicht in die Rolle der hilflosen Braut zu verfallen, während Jessica Chastain mit einem einzigen Blick einen ganzen Raum vergiften kann. Die Toten sehen grässlich aus – die Lebenden sind allerdings weitaus schlimmer. | © Legendary Pictures

The House That Screamed 1969 1 — 14. Das Versteck – Angst und Mord im Mädcheninternat (1969)

Bevor maskierte Killer Ferienlager und Babysitterinnen in Vorstädten unsicher machten, fand *Das Versteck – Angst und Mord im Mädcheninternat* seine Opfer bereits in einem französischen Mädcheninternat. Lilli Palmer beherrscht den Ort mit eisiger Autorität als Madame Fourneau, deren Strafen eine Atmosphäre schaffen, in der Überwachung, Begehren und Gewalt kaum noch voneinander zu trennen sind. Narciso Ibáñez Serrador inszeniert die mysteriösen Verschwindensfälle mit gotischer Eleganz und spart sich das volle Grauen bis zur finalen Enthüllung auf. Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen fiebrigem Melodram und frühem Slasher – inklusive eines Endes, das auf beeindruckend kalkulierte Weise gleich in mehrfacher Hinsicht verstörend wirkt. | © Anabel Films

The Lodger 1944 — 13. Scotland Yard greift ein (1944)

Ein höflicher, zurückhaltender Herr mietet ein Zimmer und einen Dachboden, bittet um Privatsphäre und beginnt, geheimnisvolle Experimente durchzuführen, während in der Umgebung Frauen ermordet werden. Die Warnzeichen sind in *Scotland Yard greift ein* nun wirklich nicht schwer zu erkennen, doch John Brahm erzeugt Spannung, indem er zeigt, wie ein gutbürgerlicher Haushalt versucht, sie zu verdrängen und zu rationalisieren. Laird Cregars Slade wirkt einschüchternd, verletzt und auf unangenehme Weise sympathisch, ohne je zu einer eindimensionalen Karikatur des Rippers zu verkommen. Lucien Ballard fotografiert das viktorianische London wie einen vom Gaslicht erhellten Film noir, in dem kultivierte Eleganz der Gewalt lediglich bessere Möbel bietet, hinter denen sie sich verbergen kann. | © 20th Century Fox

The Plague of the Zombies 1966 — 12. Nächte des Grauens (1966)

Hammer drehte nur einen einzigen echten Zombiefilm und schuf damit ganz nebenbei ein wichtiges Bindeglied zwischen haitianischer Folklore und Romeros späteren Horden von Fleischfressern. In *Nächte des Grauens* erweckt ein Gutsherr aus Cornwall die örtlichen Toten zum Leben, um sie in seiner Zinnmine arbeiten zu lassen – und macht die Untoten damit zu einem besonders unverblümten Sinnbild für industrielle Ausbeutung. John Gilling hält die Ermittlungen angenehm zügig in Gang, doch in der berühmten Friedhofsszene reißt der Film alle Zurückhaltung auf: Grünhäutige Leichen brechen aus der Erde hervor – in einer Sequenz, die weitaus drastischer ausfällt, als es die vornehme Atmosphäre des Films zunächst vermuten lässt. | © Hammer Film Productions

Alucarda 1977 — 11. Alucarda – Tochter der Finsternis (1977)

Subtilität machte um dieses Kloster einen großen Bogen, hörte die Schreie und ging sicherheitshalber einfach weiter. *Alucarda – Tochter der Finsternis* wirft Blutrituale, Besessenheit, vampirische Anklänge, medizinische Überheblichkeit und religiösen Sadismus in einen Film, der kaum Zeit zum Luftholen lässt. Tina Romero und Susana Kamini verleihen der Freundschaft im Zentrum eine rebellische Intensität, während die in Lumpen gehüllten Nonnen die Institution wie ein Krankenhaus wirken lassen, das von einem mittelalterlichen Fiebertraum entworfen wurde. Unter all dem Delirium verbirgt sich eine scharfe Absage an den Anspruch von Religion und Wissenschaft, für sich allein die moralische Überlegenheit zu beanspruchen. Mexikanischer Gothic-Horror kam selten lauter, wütender oder herrlich entfesselter daher. | © Films 75

Cropped johnny depp Sweeney Todd The Demon Barber of Fleet Street 2007 — 10. Sweeney Todd – Der teuflische Barbier aus der Fleet Street (2007)

Die meisten Musicals steuern auf Applaus zu, *Sweeney Todd – Der teuflische Barbier aus der Fleet Street* dagegen auf ein zunehmend problematisches Fleischsortiment. Tim Burton behandelt Stephen Sondheims Musik wie das innere Uhrwerk eines Rachethrillers, wobei Johnny Depps etwas abgehackter Gesang Todd so klingen lässt, als wäre er emotional längst eingerostet. Helena Bonham Carter sorgt für die schiefe Herzlichkeit, Alan Rickman verleiht dem Ganzen ölige Autorität, und Dante Ferrettis London scheint permanent von einer Schicht Ruß überzogen zu sein. Wenn schließlich leuchtend rotes Blut die graue Farbpalette durchbricht, hört der Film auf, wie vornehmes viktorianisches Kino auszusehen, und offenbart den brutalen Slasher, der er schon immer war. | © Warner Bros. Pictures

The Picture of Dorian Gray 1945 1 — 9. Das Bildnis des Dorian Gray (1945)

Der Großteil von *Das Bildnis des Dorian Gray* spielt sich in elegantem Schwarz-Weiß ab, wodurch die plötzlich auftauchenden Technicolor-Porträts wie verbotene Objekte wirken, die heimlich in den Film geschmuggelt wurden. Hurd Hatfields regungslose Darstellung ist dabei eine geniale Entscheidung: Dorian bleibt äußerlich vollkommen unberührt, während das verborgene Gemälde jede Grimasse zeigt, die sein Gesicht nicht preisgeben will. George Sanders sorgt für den giftigen Witz, während Angela Lansbury als Sibyl Vane echten Herzschmerz vermittelt. Die Adaption mildert einige der schärferen Kanten von Oscar Wildes Vorlage ab, doch ihre Vorstellung von Schönheit, die sich durch verborgene Grausamkeit selbst bewahrt, bleibt köstlich düster. | © Metro-Goldwyn-Mayer

Frankensteins Monster 2025 cropped processed by imagy — 8. Frankenstein (2025)

Guillermo del Toro hat wenig Interesse daran, Victor Frankenstein als missverstandenes Genie darzustellen. Oscar Isaac verkörpert ihn als brillant, eitel und katastrophal unvorbereitet auf die Verantwortung, die mit seiner eigenen Schöpfung einhergeht, während Jacob Elordi das Wesen wie ein verlassenes Kind spielt, das in erschreckendem Tempo Sprache, Zärtlichkeit und Wut erlernt. Das gewaltige Laboratorium in *Frankenstein* liefert das erwartete gotische Spektakel, doch die grausamsten Szenen sind die intimen: Ein Schöpfer erkennt, dass Leben Geduld erfordert – nachdem er selbst längst das Interesse daran verloren hat. Der zusammengenähte Körper des Monsters ist verstörend. Victors Erziehungsfähigkeiten sind die wahre Horrorshow. | © Netflix

Bram Stokers Dracula 1992 — 7. Bram Stoker’s Dracula (1992)

„Werktreu“ ist hier ein dehnbarer Begriff. *Bram Stoker’s Dracula* bringt einen Großteil der umfangreichen Figurenriege und das fiebrige Tempo des Romans zurück, erfindet dann jedoch eine wiedergeborene Liebesgeschichte hinzu, die Gary Oldmans Vampir zum am aufwendigsten gekleideten Stalker der Filmgeschichte macht. Francis Ford Coppola setzt auf aufwendige Kulissen, In-Camera-Effekte und Tricks, die vom frühen Kino inspiriert sind, und verleiht dem Film eine Atmosphäre, die kein noch so perfekt polierter digitaler Effekt nachbilden könnte. Eiko Ishiokas Kostüme hätten eine eigene Nennung verdient, während die opernhafte Übertreibung jede Verführung, jede Enthauptung und jeden fragwürdigen Akzent wie einen Teil desselben fiebrigen Deliriums wirken lässt. | © Columbia Pictures

The Phantom of the Opera 1925 — 6. Das Phantom der Oper (1925)

Eine einzige Demaskierung reichte aus, um Lon Chaney einen festen Platz in der Horrorgeschichte zu sichern. Sein selbst entworfenes Phantom-Make-up ist bis heute erschreckend, weil es Eriks Gesicht wie freiliegende Anatomie erscheinen lässt, während Chaneys Darstellung verletzten Stolz und obsessive, raubtierhafte Besessenheit auf unangenehme Weise miteinander verknüpft. *Das Phantom der Oper* denkt zudem in monumentalen Dimensionen: Das Pariser Opernhaus verfügt über Falltüren, Kellergewölbe, einen unterirdischen See und genügend Gänge, um einen modernen Location-Manager finanziell in den Ruin zu treiben. Der farbenprächtige Maskenball liefert das große Spektakel, doch Christines entsetzte Reaktion ist das Bild, das sich dem Publikum nachhaltig einprägte. | © Universal Pictures

Cropped Nosferatu — 5. Nosferatu (2024)

Robert Eggers macht aus Graf Orlok keinen weiteren verführerischen Aristokraten. Bill Skarsgård verkörpert ihn als verfallenes Relikt des Feudalismus, dessen Stimme zu sein scheint, als würde sie direkt aus der Erde emporsteigen – inklusive eines Schnurrbarts, der im Internet mehr Diskussionen ausgelöst hat als die meisten Vampire in einem ganzen Jahrhundert. *Nosferatu* verleiht Ellen zudem durch Lily-Rose Depps körperlich intensives Spiel eine echte dramatische Präsenz. Kerzenbeleuchtete Räume, von der Pest heimgesuchte Karren und Schwärme von Ratten erschaffen eine Welt, in der Aberglaube vollkommen rational erscheint und Begehren unverkennbar nach einem geöffneten Grab riecht. | © Focus Features

Dr Jekyll and Mr Hyde 1931 — 4. Dr. Jekyll und Mr. Hyde (1931)

Die Verwandlungseffekte stehen meist im Mittelpunkt – und das aus gutem Grund: Rouben Mamoulian enthüllt Fredric Marchs Hyde ohne einen offensichtlichen Schnitt und setzt dafür farbiges Make-up und Kamerafilter ein, deren Wirkung der Schwarz-Weiß-Film geschickt verbirgt. Die weitaus perfidere Leistung von *Dr. Jekyll und Mr. Hyde* ist jedoch psychologischer Natur. Hyde ist kein fremdartiges Wesen, das von einem guten Arzt Besitz ergreift, sondern Jekylls von allen Konsequenzen befreites Verlangen – besonders deutlich in seinem missbräuchlichen Umgang mit Miriam Hopkins’ Ivy. Das Hollywood der Pre-Code-Ära hat die privilegierte Anspruchshaltung angesehener Männer selten derart verwildert dargestellt – oder sie so eifrig als Wissenschaft verkauft. | © Paramount Pictures

Picnic at Hanging Rock 1975 — 3. Picknick am Valentinstag (1975)

Am Appleyard College kommt selbst ein Picknick inmitten von Regeln, Handschuhen und erstickend guten Manieren daher. Dann verschwinden mehrere Schülerinnen und eine Lehrerin am Hanging Rock, und Peter Weir lässt die viktorianische Gewissheit unter der australischen Sonne dahinschmelzen. Weichzeichner, verlangsamte Bewegungen und Gheorghe Zamfirs Panflötenmusik verleihen *Picknick am Valentinstag* die Atmosphäre einer Erinnerung, deren Wahrheitsgehalt niemand überprüfen kann. Das Fehlen einer Erklärung ist dabei kein fehlendes Puzzleteil, sondern der eigentliche Kern der Verstörung: Die koloniale Ordnung steht einer Landschaft hilflos gegenüber, die sie nie wirklich verstanden hat. | © Picnic Productions

Cropped Horror of Dracula 1958 — 2. Dracula (1958)

Hammer verschwendet keine Zeit damit, Jonathan Harker als ahnungslosen Besucher darzustellen: Er betritt Draculas Schloss mit der Absicht, dessen Besitzer zu töten, und verleiht *Dracula* damit von Anfang an den Puls einer Verfolgungsjagd statt einer werkgetreuen Literaturverfilmung. Christopher Lee braucht kaum Dialog, um mit Körpergröße, Schnelligkeit und plötzlichen, animalischen Wutausbrüchen die Erinnerung an den höflichen Salonvampir auszulöschen. Peter Cushing begegnet ihm als ungewöhnlich athletischer Van Helsing, und das finale Duell ist auch heute noch beeindruckend choreografiert. Zusammen mit dem Technicolor-Blut und James Bernards wuchtiger Filmmusik hatte die viktorianische Zurückhaltung von Anfang an keine Chance. | © Hammer Film Productions

The Innocents 1961 — 1. Schloss des Schreckens (1961)

Tageslicht soll eigentlich beruhigend wirken. Jack Clayton nutzt es jedoch für die wohl unheimlichste Erscheinung in *Schloss des Schreckens*, indem er eine entfernte Gestalt an einem sonnendurchfluteten See platziert und es dem Publikum überlässt, in Panik zu geraten. Deborah Kerr bewegt sich als Miss Giddens, die Gouvernante, auf einem schmalen Grat: Sie könnte zwei Kinder vor dem Verderben schützen – oder ihre eigenen Ängste auf sie projizieren. Freddie Francis’ Schwarz-Weiß-Aufnahmen im CinemaScope-Format lassen verdächtige Gestalten in jeder Bildebene lebendig wirken. Der Film löst seinen zentralen Zweifel nie auf – und genau deshalb lässt er einen auch nach dem Abspann nicht los. | © 20th Century Fox

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Gasbeleuchtete Straßen, verfallende Herrenhäuser und tadellos gekleidete Menschen, die ihre wahrhaft erschreckenden Abgründe verbergen: Dem viktorianischen Horror mangelt es wahrlich nicht an Charakter. Die Faszination der Epoche für Wissenschaft, Sexualität, gesellschaftliche Klassen und den Tod bietet Filmemachern weitaus mehr als nur Nebel und aufwendig gemusterte Tapeten. Neben den unverzichtbaren Geistergeschichten und Vampirklassikern gibt es internationale Produktionen und Kultfilme, die ebenso ins schummrige Kerzenlicht gehören. In dieser Ecke der Filmwelt sind ein steifer Kragen und ein geerbtes Landgut meistens eindeutige Warnzeichen.