Quentin Tarantinos 11 Lieblingsfilme aller Zeiten

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Ignacio Weil

Entertainment - Februar 2nd 2026, 08:00 MEZ

Cropped Portada — Zur Liste:

In dieser Galerie stellen wir von EarlyGame 11 Filme vor, die Quentin Tarantino im Laufe der Jahre als seine persönlichen Favoriten bezeichnet hat. Eine kurze Anmerkung, bevor du in die Liste eintauchst: Dies ist keine definitive Rangliste der "besten Filme aller Zeiten" von Tarantino. Es handelt sich lediglich um Titel, die er in Interviews und Podcasts wiederholt gelobt hat.

Jetzt bist du dran: Welcher Film erscheint dir am wichtigsten, und welcher hat dich überrascht? Schreib deine Favoriten gerne in die Kommentare. | © Miramax

Cropped Blow Out — Blow Out – Der Tod löscht alle Spuren (1981)

Tarantinos Liebe zu Brian De Palma ist nicht abstrakt – er spricht über sein Handwerk wie ein Mechaniker über einen Motor, und dieser Film ist pure Präzision. Man spürt es daran, wie *Blow Out* den Ton gleichzeitig als Beweis, Stimmung und Waffe behandelt und ein einfaches "Was ist passiert?"-Rätsel in eine Ganzkörper-Paranoia-Spirale verwandelt.

Er hebt hervor, dass John Travolta hier eine seiner besten Darbietungen seiner Karriere aufzeigt, weil seine Darstellung nicht nur Angst ist – es ist Besessenheit, Stolz und Herzschmerz, die in Echtzeit aufeinanderprallen. Die Filmkunst ist auf die beste Art und Weise auffällig: schleichende Kamerabewegungen, messerscharfe Inszenierung und Spannung, die sich immer weiter zuspitzt, selbst wenn man bereits weiß, wohin die Reise geht. Es ist auch einer dieser Favoriten, die Tarantinos Geschmack perfekt erklären – Genrekino, das wie Unterhaltung wirkt und einen dann beim Verlassen des Kinos völlig erschöpft zurücklässt. | © Viscount Associates

Cropped Carrie — Carrie (1976)

De Palma reder die Grausamkeit der Teenager nicht schön, und das ist einer der Gründe, warum Tarantino diesen Film so schätzt – es gibt keine höfliche Distanz zu der Demütigung, der Lust, dem Gelächter auf dem Flur. *Carrie* mbewegt sich wie ein Highschool-Albtraum, der ständig die Regeln ändert und innerhalb eines Augenblicks von sanft zu bösartig wird.

Die Prom-Szene ist nicht nur wegen des Schocks ikonisch, sondern auch, weil De Palma einen in Angst versetzt und den Moment so lange hinauszögert, bis man um Erlösung bettelt. Tarantino hat eine Schwäche für Filme, die sowohl publikumswirksam als auch formal gewagt sind, und die Split-Screen-Bravour hier ist genau das: ein Regisseur, der sich in Szene setzt, während er das Messer schärft. Es ist Horror mit Empathie, und keine Gnade. | © Red Bank Films

Cropped Taxi Driver — Taxifahrer (1976)

Wenn du verstehen möchtest, was Tarantino an charakterorientierten Filmen so fasziniert, schau dir an, wie er über Einsamkeit als eigenständiges Genre spricht. Er hat hier wiederholt Scorseses Kontrolle hervorgehoben: Wie sich die Stadt wie ein Fiebertraum anfühlt, ohne dass der Film jemals ankündigt, dass er "stilisiert" ist. Die Stimme des Drehbuchs ist der Clou; tagebuchartig, auf unangenehme Weise witzig und mit der Logik eines Mannes, der glaubt, die Welt zu säubern.

Tarantino liebt Filme, die einen in einer bestimmten Sichtweise gefangen halten, und die Art und Weise, wie Robert De Niro kleine Gesten in eine ganze Psychologie verwandelt, ist genau diese Art von Falle. Es ist hässlich, hypnotisch und seltsam verführerisch, die Art von Klassiker, den Filmemacher nicht nur bewundern, sondern an dem sie sich messen: *Taxifahrer*. | © Bill/Phillips Productions

Cropped Jaws — Der weiße Hai (1975)

Der Titel "der beste Film aller Zeiten" ist nichts, was Tarantino leichtfertig in den Mund nimmt, und er hat diesen in Bezug auf *Der weiße Hai* mit einer Gewissheit verwendet, die jede Diskussion beendet. Was er wirklich lobt, ist das Timing, wie jede Szene genau zum richtigen Zeitpunkt kommt, wie die Spannung immer weiter steigt, ohne sich mechanisch anzufühlen, und wie Spielberg eine einfache Prämisse in eine perfekte Achterbahnfahrt verwandelt.

Das Geniale an dem Film ist laut Tarantino, dass er auf das Publikum zugeschnitten ist: große Lacher, große Schocks, noch größere Spannung, ohne dass die Charaktere dabei untergehen. Ihn fasziniert auch, wie der Film einem beibringt, ihn zu schauen – ein ominöses Detail, ein Schnitt, ein musikalischer Hinweis, und der Rest erledigt sich von selbst. Es ist Filmkunst, die mühelos wirkt, obwohl sie etwas extrem Schwieriges leistet: alle im Raum dazu zu bringen, gemeinsam zu reagieren. | © Universal Pictures

Cropped Five Fingers of Death — Zhao – Der Unbesiegbare (1972)

*Zhao – Der Unbesiegbare* steht nicht als skurriler Geheimtipp auf Tarantinos Liste aller Zeiten. Es ist eine prägende Obsession, die Art von Film, die das Gehirn eines Kindes neu verdrahtet und nie ganz loslässt. Er hat erzählt, wie er als Kind den Trailer gesehen hat und wie ihn die Kung-Fu-Begeisterung der frühen 70er Jahre wie ein Schalter umgelegt hat, weil der Film eine Intensität versprach, die amerikanische Filme nicht in gleicher Weise bieten konnten.

Was ihn anspricht, ist die klare, mythische Handlung: ein Kämpfer, der geprüft, gedemütigt, wieder aufgebaut und entfesselt wird, mit einer Choreografie, die wie eine Erzählung wirkt und nicht nur wie Spektakel. Man kann den Reiz direkt auf sein eigenes Werk zurückführen – wie Rache zur Struktur wird, wie Musik und Bewegung miteinander verschmelzen, wie Gewalt opernhaft wird. Über die Schläge hinaus ist es der Publikumseffekt, der zählt: das gemeinsame Hochgefühl, wenn man sieht, wie ein Held sich weiterentwickelt und schließlich den Scheck einlöst, den die Handlung geschrieben hat. | © Shaw Brothers Studio

Cropped The Good the Bad and the Ugly — Zwei glorreiche Halunken (1966)

Tarantino hat diesen Film ganz klar als seinen Lieblingsfilm bezeichnet, und man muss nicht lange suchen, um zu verstehen, warum: Er behandelt Stil als Substanz und verwandelt das Warten in eine Form der Handlung. Leones Welt ist staubig, komisch, grausam und seltsam intim – drei Männer umkreisen sich mit wechselnden Allianzen, und jede Nahaufnahme fühlt sich wie ein Duell vor dem Duell an. Er ist fasziniert davon, wie der Film seinen Rhythmus aufbaut: Morricones Musik, die Pausen, die sich gerade so weit hinausziehen, dass sie unangenehm werden, und die Art und Weise, wie ein einfacher Blick wie ein Schuss wirken kann.

Für Tarantino ist dies der Goldstandard des filmischen Erzählens – ein großer Mythos, scharf gezeichnete Charaktere und ein Finale, das reine Filmsprache ist und keiner Übersetzung bedarf. Selbst die Comedy ist Teil der Gewalt: Man lacht und merkt dann, dass man auf einem Friedhof lacht. Das ist der Zauber, den Zwei glorreiche Halunken ausübt, und er wirkt immer noch. | © Produzioni Europee Associati

Cropped Rio Bravo — Rio Bravo (1959)

Der schnellste Weg, Tarantinos Geschmack zu erkennen, ist, sich einen seiner sogenannten "Hangout-Filme" anzusehen, die für ihn den Goldstandard darstellen. Er lobt das Vergnügen, einfach mit diesen Charakteren zusammenzuleben, zu warten, Witze auszutauschen, durchzuhalten, denn die Kameradschaft ist genauso wichtig wie die Belagerung. Das Büro des Sheriffs wird zu einem eigenen kleinen Ökosystem, in dem Kompetenz, Loyalität und sturer Stolz wie Dialoge in einem überfüllten Raum aufeinanderprallen. Es ist auch eine Meisterklasse in Sachen Tonfall: witzig, ohne zur Parodie zu werden, spannend, ohne sich wichtig zu nehmen, und entspannt, selbst wenn es um Leben und Tod geht.

Der berühmte musikalische Exkurs in der Mitte des Films ist in Tarantinos Augen gar kein Exkurs – es ist Hawks' Verständnis, dass das Vergnügen des Publikums zum Geschichtenerzählen gehört. Man spürt, warum dieser Film wie ein Wohlfühlgericht immer wieder angesehen wird, denn der Rhythmus ist so klar, dass man die Mechanik nicht mehr wahrnimmt und einfach nur die Gesellschaft in Rio Bravo genießt. | © Armada Productions

Cropped Unfaithfully Yours — Unvergesslich (1948)

Tarantino hat ein besonderes Gespür für Filme, die den Schnitt wie Musik behandeln, und er hat diese Kuriosität von Preston Sturges als einen seltenen Fall genannt, in dem der Film im Wesentlichen "zur Musik geschnitten" ist. Das macht durchaus Sinn, wenn man sich einmal auf die Prämisse eingelassen hat: Eifersucht schlägt zu, das Orchester setzt ein, und die Fantasie des Helden beginnt, ihre eigenen gewalttätigen, romantischen und selbstmitleidigen Fantasien zu dirigieren.

Der Spaß besteht nicht nur darin, dass Rex Harrison gleichzeitig selbstgefällig und verstört spielen kann – es ist die Art und Weise, wie der Film das Timing als Waffe einsetzt und klassische Musik wie einen Gashebel die Stimmungsschwankungen steuern lässt. Dann kommt der Tiefpunkt: Die großartigen Pläne zerfallen zu einer demütigenden physischen Farce, einer Art Realismus, der Macho-Träumereien zunichte macht. Tarantino mag Filme, die in ihrer Form gewagt sind, ohne dabei den Humor zu verlieren, und die Art und Weise, wie *Unvergesslich* hochkarätige Konzertpracht in einen tickenden Comedy-Motor verwandelt, scheint wie maßgeschneidert dafür. | © Twentieth Century-Fox

Cropped Five Graves to Cairo — Fünf Gräber bis Kairo (1943)

Er hat davon gesprochen, dass er sich zu Kriegsfilmen hingezogen fühlt, bei denen die Geschichte im Vordergrund steht, und genau aus diesem Grund steht dieser Film oben in seiner persönlichen Sammlung. Tarantino hat ihn als eine seiner Lieblingskriegsgeschichten bezeichnet und bewundert, dass Billy Wilder und Charles Brackett weniger an einer pflichtbewussten Geschichtsstunde interessiert sind als vielmehr an einem spannungsgeladenen Thriller mit wechselnden Identitäten. Die Kulisse des Wüstenhotels ist typisch für Wilder: ein beengter Raum, in dem sich die Machtverhältnisse minütlich ändern und jedes Gespräch tödlich enden kann.

Tarantino hat die Darstellung Rommels in dem Film hervorgehoben: Er sagt, sie sei nicht besonders "glaubwürdig", aber eine fantastische Verfilmung, weil sie die Figur als dramatische Funktion versteht. Es ist Spionage, der man folgen kann, Spannung, die eher aus Entscheidungen als aus Spektakel entsteht, und eine Erinnerung daran, dass Kriegszeiten nicht unbedingt mit endlosen Kampfszenen einhergehen müssen. Diese Mischung aus klarer Handlung und präziser Tonkontrolle ist der Grund, warum *Fünf Gräber bis Kairo* immer wieder in seinen Referenzen auftaucht. | © Paramount Pictures

Cropped His Girl Friday — Sein Mädchen für besondere Fälle (1940)

Tarantino hat erzählt, wie er durch diesen Film Howard Hawks entdeckt hat, und die Pointe ist einfach: Er fand, dass es das Beste war, was er je gesehen hatte. Der Grund dafür wird allein schon in den Dialogen deutlich – sie überlagern sich, sind aggressiv, kokett und so schnell, dass man das Gefühl hat, es handele sich um einen Sport, bei dem niemand zum Atmen kommt. Der Newsroom ist nicht nur eine Kulisse, sondern eine Maschine, und Hawks lässt den ganzen Raum brodeln und singen, während Cary Grant und Rosalind Russell sich Wortgefechte liefern, als würden sie sich gegenseitig die Sätze in Echtzeit umschreiben

Diese musikalische Qualität der Unterbrechungen ist die Art von "Gespräch", um die Tarantino seine eigenen Szenen aufbaut, in denen Rhythmus genauso wichtig ist wie Witz. Unter dem Feuerwerk ist der Film auch gnadenlos zynisch gegenüber der Presse, der Politik und der menschlichen Anständigkeit, was die Komödie davon abhält, ins Leere zu laufen. Screwball-Romanzen sind selten so scharfzüngig, und genau deshalb liegt ihm *Sein Mädchen für besondere Fälle* am Herzen. | © Columbia Pictures

Cropped Pandoras Box — Die Büchse der Pandora (1929)

Der Stummfilm ist nicht unbedingt das erste Genre, in dem man Tarantino sehen würde, und genau deshalb sagt diese Wahl so viel über ihn professionell aus. Er hat diesen Film in seiner persönlichen Bestenliste weit oben platziert und ihn als Beweis dafür angeführt, dass "moderne" Leinwandpräsenz nicht erst mit dem Tonfilm begann – Louise Brooks hatte sie bereits, und zwar auf umwerfende Weise.

Die Kraft des Films liegt darin, wie schnell Begierde in Ruin umschlägt, wobei Lulu sowohl als unwiderstehliche Kraft als auch als Person behandelt wird, die ständig dafür bestraft wird, dass sie so ist. Der Film geht unverblümt auf Obsession, Klasse und Heuchelei ein, doch die Inszenierung bleibt elegant, fast beiläufig, als wäre Skandal nur eine weitere alltägliche Routine. Tarantino neigt dazu, Charaktere zu lieben, die einen Raum erhellen und gleichzeitig zerstören, und Lulu ist dieser Archetyp in seiner reinsten Form. Wenn die Geschichte ihren dunkelsten Punkt erreicht, wirkt der Film weniger wie ein Antiquität, sondern eher wie eine Warnung, die immer weiter nachhallt – *die Büchse der Pandora*. | © Nero-Film A.G.

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Quentin Tarantino wirft nicht mit dem Begriff "Favorit" rum wie es andere Regisseure tun. Wenn er die Filme nennt, die er am meisten liebt, verweist er damit auf die Triebkräfte hinter seinem eigenen Filmen: die Selbstsicherheit des Genrekinos, die Schlagfertigkeit der Dialoge, die Art von Spannung, die das Publikum sich unbewusst in den Sitzen nach vorne beugen lässt.

Diese 11 Filme sind nicht nur eine Liste, mit der Filmliebhaber angeben können – sie sind ein Crashkurs in dem, was Tarantino auf der Leinwand schätzt, von düsteren Krimis bis hin zu gewagten Publikumsmagneten, die immer noch gefährlich wirken. Wenn du ein klareres Bild davon bekommen möchtest, was seinen Geschmack (und seinen Stil) geprägt hat, kommt dies einem Lehrplan am nächsten.