15 überbewertete Filme, die gewaltig floppten

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Nazarii Verbitskiy

Filme und Serien - Januar 20th 2026, 10:00 MEZ

15. Napoleon

Die Kampagne versprach ein gewaltiges, unverzichtbares historisches Epos, große Schlachten, große Emotionen, die Art von Film, über die man jede Woche redet. Dann kam die Realität: Viele Zuschauer gingen aus dem Kino und diskutierten nicht nur über die Fakten, sondern auch darüber, ob die Charakterdarstellung und das Tempo dem angepriesenen Umfang entsprachen. Diese Kluft zwischen Erwartung und Erfahrung ist für teures Prestigekino brutal, denn mit „interessant, aber unausgewogen“ lässt sich ein Blockbuster-Budget nicht wieder hereinholen. Der Ton schwankt zwischen grandiosen Spektakeln und seltsam flachen zwischenmenschlichen Szenen, und dieser Kontrast verhinderte, dass sich die Begeisterung in einen anhaltenden „Geh ihn dir ansehen“-Hype verwandelte. Selbst Leute, die neugierig auf Ridley Scott in voller Größe waren, betrachteten den Film oft eher als einen Titel, den man sich später im Streaming ansehen kann, als ein Ereignis. Über Napoleon wurde zwar ständig gesprochen, aber nicht in der Art und Weise, wie es ein potenzieller Kassenschlager braucht, um Schwung aufzubauen. | © Columbia Pictures

14. The Losers

*The Losers* hätte eigentlich ein schneller Publikumsliebling werden müssen: comic-artige Überheblichkeit, eine hochkarätige Besetzung und die Vorliebe der frühen 2010er Jahre für laute Team-Action. Aber der Film landete in einem Markt, der schon voll mit ähnlichen „Scherz + Kugeln“-Filmen war, und der Aufhänger war nicht spannend genug, um Neugier in Besucherzahlen am Eröffnungswochenende zu verwandeln. Die Kritiken waren nicht komplett vernichtend, aber die Resonanz blieb lauwarm, genau dort, wo Mundpropaganda stirbt. Auch vom Ton her liegt der Film in einer unangenehmen Grauzone: zu glatt, um realistisch zu wirken, zu ernst, um eine echte Komödie zu sein. Das Endergebnis war ein Film, den die Leute als „okay“ bezeichneten und dessen Anschauen sie aufschoben, was im Grunde das Box-Office-Äquivalent eines Achselzuckens ist. | © Warner Bros. Pictures

13. Suicide Squad

Es gab einen Moment, in dem es so schien, als würde sich der ganze Sommer um eine Sache drehen: Bösewichte, Neon-Marketing und das Versprechen, dass DC die Superhelden-Atmosphäre in etwas Bösartigeres und Cooleres verwandeln würde. Was wehtat, waren nicht nur die harten Kritiken, es war das Gefühl, dass der fertige Film zu einem unruhigen Flickenteppich zusammengeschnitten worden war, mit einer Handlung, die immer wieder anfing, aufhörte und neu startete. Die Darsteller bekamen viel Lob, aber die Charakterentwicklung fühlte sich oft so an, als wären die Figuren eingeführt und dann mitten im Geschehen fallen gelassen worden. Nachdem *Suicide Squad* in die Kinos kam, gingen die Meinungen weit auseinander, was den Hype um den „sofortigen Klassiker“, den die Kampagne aufgebaut hatte, zunichte machte. Der Film spielte zwar immer noch Geld ein, aber kulturell war er eine Enttäuschung, weil sich die Diskussion fast über Nacht von Begeisterung zu Schadensbegrenzung gewandelt hatte. | © Warner Bros. Pictures

12. Mortal Engines: Krieg der Städte

Riesige, sich bewegende Städte, die kleinere Orte jagen, ist eine Idee, die eigentlich schon mit einem Satz verkauft werden sollte, und die Trailer haben sich voll auf dieses Spektakel konzentriert. Das Problem ist, dass der Film sehr schnell eine ganze Welt aufbauen muss, und für viele Zuschauer waren die Charaktere nicht stark genug, um all diese Geschichte zu tragen. Man konnte das Produktionsdesign bewundern und sich trotzdem emotional nicht verbunden fühlen, was tödlich ist, wenn ein Film als Startpunkt für eine ganze Reihe gedacht ist. Auch der Zeitpunkt der Veröffentlichung war nicht gerade hilfreich: Der Film kam in einem umkämpften Zeitfenster heraus, in dem die Aufmerksamkeit und die besten Leinwände schon von anderen Filmen in Anspruch genommen wurden. Als die Leute sich entschieden, ob sie ins Kino gehen sollten, hatte sich die Begeisterung von „die nächste große Saga“ zu „sieht cool aus, aber ist er auch gut?“ verschoben. Mortal Engines konnte seine visuelle Pracht nicht in Spannung umsetzen, und so beginnt ein ambitionierter Blockbuster zu straucheln. | © Universal Studios

11. Gemini Man

Das Problem, wenn man einen Film als technischen Meilenstein verkauft, ist: Wenn die Story nicht gut ankommt, fängt das Publikum an, ihn wie eine Demo zu sehen. Das ist bei *Gemini Man* schnell passiert, wo die hohe Bildfrequenz und das De-Aging zwar Neugier weckten, die Geschichte darunter aber irgendwie bekannt und für so einen teuren Film seltsam flach wirkte. Die zentrale Idee, Will Smith trifft auf eine jüngere Version von sich selbst, klingt einfach, doch der Film hat Mühe, über das Konzept hinaus eine steigende Spannung aufzubauen. Die spezielle Formatierung schränkte die Werbemöglichkeiten ebenfalls ein, denn „man muss es auf diese bestimmte Art und Weise sehen“ kann eher wie Hausaufgaben als wie Hype wirken. Als der Reiz des Neuen nachließ, fehlte es dem Film an Charakter, um wiederholtes Anschauen oder starke Empfehlungen zu rechtfertigen. Für einen Film, der wie ein Großereignis beworben wurde, wirkte er eher wie ein Experiment. | © Paramount Pictures

A Wrinkle in Time — 10. Das Zeiträtsel

Disney hat das als echtes Highlight verkauft: ein beliebtes Buch, ein visionärer Regisseur, eine riesige Besetzung und das Versprechen einer Fantasy-Geschichte, die alle begeistern und eine neue Franchise starten könnte. Was das Publikum bekam, war visuell anspruchsvoll, aber erzählerisch unausgeglichen, mit großen emotionalen Momenten, die nicht immer funktionierten, weil sich die Regeln der Welt ständig änderten. Der Ton schwankt zwischen einem herzlichen Familiendrama und einem glänzenden kosmischen Spektakel, und diese Mischung hat viele Leute verwirrt, für wen der Film eigentlich gedacht war. Ein weiteres Problem war, dass die Geschichte vom Zuschauer verlangt, sich schnell auf abstrakte, hochkonzeptionelle Ideen einzulassen, ihm aber nicht genug fundierte Impulse gibt, um dieses Interesse aufrechtzuerhalten. Wenn Mundpropaganda mit „Es sieht toll aus, aber …“ beginnt, ist der Rückgang bei einem Film mit großem Budget in der Regel schnell. Das Ergebnis: ein Hype, der unvermeidlich schien, gefolgt von einem Kinokassen-Erfolg, der weder dem Umfang noch den Erwartungen des Studios gerecht wurde. | © Walt Disney Pictures

9. Ghost In The Shell

Die größte Diskussion vor dem Kinostart drehte sich nicht mal um die Action-Szenen, sondern um die Entscheidungen bei der Adaption, und solche Diskussionen können die Vorfreude auf das Eröffnungswochenende echt dämpfen. Der Film war auch schwieriger zu verkaufen, als die Trailer vermuten ließen: Es ist eine philosophische Science-Fiction-Geschichte, die wie ein raffinierter Cyberpunk-Thriller verpackt ist, was Zuschauer, die ein geradliniges Spektakel erwarten, frustrieren kann. Selbst wenn die Bilder und Kulissen beeindrucken, kann sich der emotionale Kern seltsam distanziert anfühlen, was es für ein gelegentliches Publikum schwierig macht, sich über die Ästhetik hinaus mit den Charakteren zu identifizieren. Hinzu kam, dass langjährige Fans mit ganz bestimmten Erwartungen an Ton und Bedeutung ins Kino kamen, wodurch der Spielraum für Fehler sehr gering war. Irgendwann wurde *Ghost in the Shell* eher zu einem „interessanten Versuch“ als zu einem Muss, und das reicht nicht aus, wenn das Budget und das Marketing hochgesteckt sind. Der Film ist nicht gescheitert, weil ihn niemand bemerkt hat, sondern weil zu viele Leute zuerst die falschen Dinge bemerkt haben. | © Paramount Pictures

8. Die fantastische Reise des Dr. Dolittle

Hier ist eine typische Übertreibungsfalle: Die Idee klingt nett und einfach, sprechende Tiere, ein Star in der Hauptrolle, ein Familienabenteuer, also denken die Leute, dass es ein einfacher Hit wird. In Wirklichkeit war es ein Film, der stark überarbeitet wirkte, mit ungleichmäßigem Tempo und Witzen, die nicht immer gut ankamen, sodass das Publikum schnell merkte: „Was ist in der Postproduktion passiert?“ Die Tiercharaktere und Effekte waren ein wichtiges Verkaufsargument, doch die Geschichte um sie herum wirkt oft dünn, als würde sie sich nur von einer chaotischen Szene zur nächsten bewegen. Wenn die Zuschauer spüren, dass ein Film sich zu sehr bemüht, charmant zu sein, hören sie auf, ihm entgegenzukommen, und das macht schnell Schluss mit Wiederholungskäufen. *Dolittle* trug auch die Last eines großen Budgets, was bedeutet, dass eine „ordentliche Zuschauerzahl“ immer noch nicht ausreicht, um die Flop-Erzählung zu vermeiden. Die Veröffentlichung wirkte letztendlich wie eine laute Werbung für etwas, das nie zu echter Begeisterung führte. | © Universal Studios

7. Jupiter Ascending

Der Film wurde wie eine glänzende neue Weltraum-Saga vermarktet: ein originelles Universum, große Stars und maximalistische Science-Fiction, die nach „Eröffnungswochenende“ schreit. Dann haben die Leute ihn sich tatsächlich angesehen und sind auf eine Wand aus Exposition, plötzlichen Regeländerungen und einer Handlung gestoßen, die sich anfühlt, als würde sie sprinten und gleichzeitig alle paar Minuten anhalten, um sich selbst zu erklären. Die Welt, die hier erschaffen wird, ist riesig, aber sie wird in dichten Brocken präsentiert, die den Film eher anstrengend als spannend machen. Auch der Ton ist komplett durcheinander, teils Märchen, teils Weltraumoper, teils schräge Komödie, sodass es schwer ist, sich darauf einzulassen, was der Film beim Zuschauer auslösen will. Wenn Jupiter Ascending dann zu seinen großen Wendungen kommt, sind viele Zuschauer eher verwirrt als begeistert, was für die Mundpropaganda tödlich ist. Für einen potenziellen Franchise-Starter wirkte der Film weniger wie der Beginn von etwas Neuem, sondern eher wie ein teurer Schlag, der sein Ziel verfehlte. | © Warner Bros. Pictures

6. King Arthur: Legend Of The Sword

*King Arthur: Legend of the Sword* hat versucht, eine bekannte Legende in eine moderne Franchise-Maschine zu verwandeln, komplett mit einer Origin-Story-Struktur, der Energie einer Fortsetzung und einem hyper-stilisierten „Guy Ritchie“-Rhythmus. Dieser Ansatz kann funktionieren, wenn das Publikum nach etwas Neuem sucht, aber hier hat er dazu geführt, dass sich der Film anfühlte, als würde er durch den Mythos sprinten, um zum Franchise-Teil zu kommen. Das Tempo ist aggressiv, mit vielen Montagen, die das Wachstum der Charaktere eher vorgefertigt als verdient wirken lassen. Außerdem werden verschiedene Töne, straßenkluge Wortgefechte, Fantasy-Überlieferungen, düstere Gewalt, gelegentlicher Humor, auf eine Weise gemischt, die nicht jedem gefällt, der einfach nur ein solides mittelalterliches Abenteuer sehen will. Das Marketing versprach eine mutige Neuerfindung, aber eine Neuerfindung hilft nur, wenn sie leicht zu verfolgen und emotional einprägsam ist. Wenn Mundpropaganda den Film als stilvoll, aber chaotisch beschreibt, sinken die Erwartungen an ein großes Budget schnell. | © Warner Bros. Pictures

5. Speed Racer

*Speed Racer* kam mit der Art von Selbstbewusstsein ins Kino, die normalerweise mit einem garantierten Erfolg einhergeht: ein bekanntes Franchise, ein großes Budget und Bilder, die einem regelrecht ins Auge sprangen und sagten: „Das musst du dir auf der größtmöglichen Leinwand ansehen.“ Der Haken war, dass der Stil so laut und so aggressiv künstlich war, dass viele Leute davon abgeschreckt wurden, anstatt sich darauf einzulassen. Was wie die Energie eines Live-Action-Animes wirken sollte, empfanden viele Gelegenheitszuschauer als Reizüberflutung: hell, schnell und emotional schwer zu verdauen. Auch das Marketing hatte Schwierigkeiten zu erklären, für wen der Film gedacht war: zu seltsam für Mainstream-Actionfans, zu jugendfrei und ernsthaft für das ältere Publikum, das den Filmemachern folgte. Wenn Mundpropaganda eher „das ist seltsam“ als „das darfst du nicht verpassen“ lautet, schwindet die Dynamik eines Großbudget-Kassenschlagers schnell. Ironischerweise trug genau diese Kühnheit dazu bei, dass der Film zu einem Kultfavoriten wurde, aber sie konnte den ersten Kinostart nicht retten. | © Warner Bros. Pictures

4. Wonder Woman 1984

Nachdem der erste Film echt ein Hit war, musste die Fortsetzung niemanden mehr überzeugen, sich dafür zu interessieren, die Vorfreude war schon da. Das Problem war, dass das, was die Leute wollten (eine straffe, vorantreibende Superheldengeschichte), nicht mit dem übereinstimmte, was sie bekamen: einen längeren, lockeren Film mit ungleichmäßigem Ton, unklaren Regeln und großen Ideen, die nicht immer klar zum Tragen kamen. Dazu kam, dass die Veröffentlichung durch die Pandemie ungewöhnlich und kompliziert war, was die Definition von „Erfolg“ veränderte und die Reaktionen noch lauter erscheinen ließ als die Zahlen. Einige Zuschauer mochten die Retro-Atmosphäre und die Ernsthaftigkeit, aber viele Diskussionen drehten sich um die Logik der Handlung, das Tempo und die Charakterauswahl, die nicht ganz passten. Für einen so gehypten Film wirkt „gemischt“ wie ein Misserfolg, weil die Erwartung kulturelle Dominanz ist, nicht Debatte. *Wonder Woman 1984* ist nicht wegen mangelnder Aufmerksamkeit gescheitert, er ist gestolpert, weil zu viele Leute gleichzeitig mit ganz bestimmten Hoffnungen darauf geachtet haben. | © Warner Bros. Pictures

3. 47 Ronin

Der Pitch klang wie ein globaler Publikumsliebling. Eine berühmte Legende, ein Fantasy-Twist, riesige Ausgaben für Sets und Effekte und ein Star, der das Publikum über reine Geschichts-Fans hinaus erweitern sollte. Stattdessen spaltete das fertige Ergebnis die Zuschauer genau in der Mitte. Zu mythenschwer für alle, die ein geerdetes Samurai-Epos erwarteten, zu generisch für Fantasy-Fans, die sich ein schärferes Worldbuilding wünschten. Ein großer Teil des Hypes kam von der schieren Größe, doch das Storytelling wirkt für etwas derart Teures oft seltsam flach, was die Reaktionen in Richtung „sieht teuer aus, fühlt sich leer an“ kippen ließ. Hinzu kam die Bürde, als kultureller Bezugspunkt wahrgenommen zu werden, denn jedes Projekt rund um die Geschichte der *47 Ronin* wird hart nach Tonfall und Respekt beurteilt, nicht nur nach Action. Als die ersten Kritiken und das Online-Echo kippten, hatte der Film kein Polster mehr. Ein massives Budget erlaubt kein leises Unterperformen. So wurde *47 Ronin* zum Lehrbuchbeispiel dafür, was passiert, wenn riesige Erwartungen auf kollektives Achselzucken treffen. | © Universal Studios

Cropped cats 2019 — 2. Cats

Man konnte spüren, wie das Studio versuchte, daraus mit aller Macht ein preisfreundliches Event zu machen. Eine berühmte Bühnenmarke, ein Prestige Regisseur, ein hochkarätiger Cast und ein Starttermin im Feiertagskorridor. Dann erschienen die Trailer und die Diskussion kippte sofort in ein kollektives Draufhauen, bei dem der CGI Look zur Hauptschlagzeile wurde, noch bevor irgendjemand über Songs oder Performances sprach. Der Film startete nicht einfach mit schlechten Kritiken, sondern mit einer öffentlichen Faszination dafür, wie er aussah, und das ist die denkbar schlechteste Art von Buzz, wenn man ein hochwertiges Musical Spektakel verkaufen will. Berichte über kurzfristige visuelle Nachbesserungen und einen unfertigen Eindruck verstärkten nur das Gefühl, dass die Produktion aus dem Ruder gelaufen war. Sobald diese „das muss man gesehen haben“ Zugunglück Neugier verflogen war, blieb das Wiederholungsgeschäft aus, und der Absturz kam schnell. *Cats* wurde eher zur kulturellen Pointe als zum Kinoabend, genau so wird aus Überhype ein harter Flop. | © Universal Studios

1. John Carter – Zwischen zwei Welten

Das Ganze war als neues Tentpole-Abenteuer positioniert, eines, das den Startschuss für ein langlebiges Franchise geben sollte, und die Ausgaben spiegelten diesen Anspruch wider. Das Problem war nicht, dass sich das Konzept grundsätzlich schwer verkaufen ließ, sondern dass das Verkaufen selbst verwirrend wirkte. Der Titel transportierte den Pulp-Sci-Fi-Reiz kaum, und das Marketing hatte Mühe, *Barsoom* als eine Welt darzustellen, die man unbedingt erleben will, statt als „noch ein Wüstenepos“. Gleichzeitig mussten Zuschauer kurzfristig in eine dichte Mythologie einsteigen, und wer nicht sofort investiert war, empfand das eher als Hausaufgabe denn als Eskapismus. Bei einem Budget in Blockbuster-Größenordnung wird ein bloß „okeyes“ Ergebnis schnell zum narrativen Desaster, und der Film wurde fast augenblicklich zum Synonym für einen Studio-Fehlgriff. Das Frustrierende daran ist, dass viele ihn später als durchaus unterhaltsam empfanden, was das eigentliche Problem nur unterstreicht. Er wurde nie zu dem Event, das er im entscheidenden Moment hätte sein müssen. *John Carter* scheiterte nicht an fehlender Größe, sondern daran, dass diese Größe keine Dringlichkeit erzeugte. | © Walt Disney Pictures

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Hype kann bis zum Startwochenende der beste Freund eines Films sein – danach wird er zu einem Scheinwerfer, der jeden Fehler unübersehbar macht. Manchmal verspricht der Trailer ein Meisterwerk, manchmal klingt die Besetzung unschlagbar, und manchmal überzeugt allein das Budget alle davon, dass der Film gut sein muss.

Das sind die überbewerteten Filme, die trotzdem total gefloppt sind: große Projekte, die mit riesigen Erwartungen kamen und die Kinos mit schlechter Stimmung, schwachen Einspielergebnissen oder regelrechter Ungläubigkeit verließen. Wenn du dich an das Gerede vor dem Kinostart erinnerst, aber nicht daran, wie schnell alles schiefging, wirst du gleich einig, sehr teure Lektionen noch einmal erleben.