EarlyGame | Die 25 überbewertetsten Filme, über die die Leute endlich…

The Kings Speech cropped processed by imagy

25. The King's Speech (2010)

Vier Oscars und ein königliches Stottern machten The King’s Speech – Die Rede des Königs zu genau dem prestigeträchtigen Drama, das Eltern bedenkenlos weiterempfehlen konnten. Colin Firth und Geoffrey Rush sind hervorragend, doch der Film verpackt Monarchie, Kriegsängste und persönliche Traumata in ein derart sauberes, inspirierendes Gesamtpaket, dass selbst seine raueren Kanten noch geschmackvoll gepolstert wirken. Tom Hoopers ungewöhnlich versetzte Bildkompositionen erzeugen mehr Spannung als das Drehbuch, während der Sieg über The Social Network aus einem sympathischen Publikumsliebling beinahe eine kulturell verordnete Meisterleistung machte. Ein guter Film, aber als vermeintliches Wundermittel völlig überhöht.

| © See-Saw Films

24. Oppenheimer (2023)

Christopher Nolan verwandelt theoretische Physik in bombastisches Eventkino – mit ineinandergreifenden Zeitebenen, dröhnender Musik und berühmten Schauspielern, die teilweise so kurz auftauchen, dass ihre Auftritte fast schon als historische Easter Eggs durchgehen. Cillian Murphy bildet das gequälte Zentrum von Oppenheimer, doch die ständige Bewegung innerhalb der Erzählstruktur wirkt stellenweise so, als solle bloß verhindert werden, dass eine Szene einmal natürlich zur Ruhe kommt. Die Frauenfiguren sind größtenteils darauf beschränkt, in Oppenheimers Umfeld zu leiden, während die Menschen, die durch die Bombe tatsächlich vernichtet wurden, auffällig außerhalb des Bildes bleiben. Monumentales Filmemachen, ohne Frage – aber drei Stunden feierlicher Intensität machen nicht automatisch jede dramaturgische Entscheidung gleichermaßen tiefgründig.

| © Universal Pictures

Dances with Wolves cropped processed by imagy

23. Der mit dem Wolf tanzt (1990)

Kevin Costner verpasste dem Western einen großen, melancholischen neuen Anstrich – mit weitläufigen Landschaften, John Barrys großartigem Soundtrack und genug bedeutungsschweren Blicken, um selbst eine vierstündige Fassung zu tragen. Der mit dem Wolf tanzt betrachtet das Leben der Lakota allerdings durch die Selbstfindung eines weißen Soldaten. Diese Perspektive schwächt die vermeintlich radikale Empathie des Films und lässt Teile ihrer Kultur so wirken, als seien sie vor allem für seine moralische Entwicklung sorgfältig arrangiert worden. Handwerklich ist der Film zweifellos beeindruckend, doch seine ehrfürchtige Inszenierung kann erdrückend wirken. Dass er bei den Oscars GoodFellas – Drei Jahrzehnte in der Mafia als Bester Film schlug, sorgte nur dafür, dass später jede langsame Kamerafahrt wie ein Beweisstück am Tatort untersucht wurde.

| © Tig Productions

22. John Wick (2014)

Der Bleistift, der Nachtclub, der perfekt sitzende Anzug: Die coolsten Momente aus John Wick wurden inzwischen so oft wiederholt, dass der Originalfilm heute fast mit einem von Fans erschaffenen Heiligenschein daherkommt. Chad Stahelskis klare Actionchoreografie bleibt eine willkommene Alternative zu hektischem Schnittgewitter, und Keanu Reeves versteht genau, dass Schweigen in Schwarz einfach besser aussieht. Trotzdem ist die Geschichte bewusst als schlankes Rachevehikel angelegt und kein verborgenes philosophisches Werk über Trauer, Ehrenkodizes und Spätkapitalismus. Ein toter Hund eröffnet die emotionale Rechnung; Hunderte Leichen sollen sie irgendwie begleichen. Stilvoller Pulp verdient Anerkennung, aber die Erhebung zum Kultklassiker wirkt dann doch etwas übertrieben.

| © Thunder Road Pictures

21. The Revenant (2015)

Leonardo DiCaprio kriecht durch den Schnee, schläft in einem Tierkadaver, wird von einem Bären zerfleischt und leidet generell so kompromisslos, dass The Revenant – Der Rückkehrer stellenweise wie eine Oscar-Kampagne wirkt, die von der Wildnis höchstpersönlich inszeniert wurde. Emmanuel Lubezkis Aufnahmen mit natürlichem Licht sind außergewöhnlich, besonders wenn die Kamera ohne mit der Wimper zu zucken durch brutale Gewaltszenen gleitet. Hinter dieser technischen Brillanz steckt jedoch eine recht simple Rachegeschichte, die über eine zermürbend lange Laufzeit gestreckt wird und deren Figuren nur selten über Durchhaltevermögen, Grausamkeit oder symbolische Bedeutung hinauswachsen. Die Tortur ist beeindruckend – ob daraus auch emotionale Tiefe entsteht, ist allerdings eine ganz andere Frage.

| © New Regency

20. Forrest Gump (1994)

Forrest stolpert durch die jüngere amerikanische Geschichte und sammelt dabei Medaillen, Vermögen, Begegnungen mit Präsidenten und inspirierende Lebensweisheiten, ohne wirklich verstehen zu müssen, was um ihn herum geschieht. Tom Hanks macht die Figur ungemein sympathisch, doch die politische Botschaft von Forrest Gump belohnt Unschuld, Gehorsam und passive Anständigkeit, während Jennys Rebellion sie durch Missbrauch, Sucht und Bestrafung führt. Robert Zemeckis inszeniert die historischen Begegnungen mit beeindruckendem technischem Einfallsreichtum, und Alan Silvestris Musik trägt einen großen Teil der emotionalen Wirkung. Die sentimentale Überzeugungskraft des Films funktioniert bis heute – sein Bild von Amerika wird allerdings umso fragwürdiger, je länger man darüber nachdenkt.

| © Paramount Pictures

19. Shakespeare in Love (1998)

Ein pointiertes Drehbuch von Tom Stoppard, opulente Kostüme und Judi Dench, die mit kaum mehr Leinwandzeit als für eine Tasse Tee einen Oscar abräumt, hätten Shakespeare in Love eigentlich ein angenehmes Nachleben sichern sollen. Stattdessen machte der Sieg als Bester Film über Der Soldat James Ryan den Film zum lächelnden Gesicht der erbitterten Oscar-Saison. Für sich allein betrachtet ist die Romanze clever, aber ziemlich leichtgewichtig – getragen von literarischen Anspielungen, äußerst praktischen Verkleidungen und der schmeichelhaften Vorstellung, dass große Kunst entsteht, wenn attraktive Menschen hinter der Bühne miteinander flirten. Charmant? Definitiv. Das monumentale Meisterwerk, das sieben Oscars vermuten lassen? Da sollten wir die Feder lieber etwas tiefer hängen.

| © Miramax Films

Best Movie Adaptations of Books No Country for Old Men

18. No Country for Old Men (2007)

Anton Chigurhs Frisur, sein Bolzenschussgerät und seine Münzwürfe sind mittlerweile so ikonisch, dass über No Country for Old Men oft gesprochen wird, als hätten die Coen-Brüder das Gefühl der Beklemmung persönlich erfunden. Ihr Umgang mit Stille und Landschaft ist meisterhaft, und Javier Bardem erschafft eher eine furchteinflößende Naturgewalt als einen gewöhnlichen Bösewicht. Doch die emotionale Distanz kann irgendwann in Leere umschlagen, während das Auslagern eines zentralen Handlungsstrangs ins Off weniger gewagt wirkt, wenn das Publikum anschließend mit einem Haufen ungelöster Spannung zurückbleibt. Der abschließende Monolog ist eindringlich, aber Verwirrung als spirituelles Erwachen zu verkaufen, ist inzwischen fast schon Teil des Rituals.

| © Paramount Vantage

17. The Shape of Water (2017)

Eine stumme Reinigungskraft verliebt sich in ein amphibisches Gefangenenwesen, und irgendwie ist das Seltsamste an Shape of Water – Das Flüstern des Wassers, wie konventionell alles um die beiden herum wirkt. Guillermo del Toro erschafft eine wunderschöne märchenhafte Welt, Sally Hawkins sagt ohne Dialog mehr als viele andere mit Worten, und Alexandre Desplats Musik scheint förmlich durch den Film zu schweben. Bösewichte, Verbündete und gesellschaftliche Botschaften werden allerdings ungewöhnlich sauber verpackt präsentiert, wodurch die viel gefeierte Eigenwilligkeit des Films sicher in einem vertrauten Märchen gepolstert bleibt. Der Oscar als Bester Film erhob eine liebevoll gemachte Romanze schließlich in nahezu unantastbare Sphären, in denen Zweifel an der Fisch-Liebesgeschichte offenbar schon bedeuten, dass einem die Fantasie fehlt.

| © Fox Searchlight Pictures

Best Movie Adaptations of Books Fight Club

16. Fight Club (1999)

Die erste Regel von Fight Club hätte eigentlich lauten sollen, Generationen von selbsternannten Studentenwohnheim-Philosophen davon abzuhalten, den Film zu zitieren, ohne zu merken, dass der Witz teilweise auf ihre eigenen Kosten geht. David Finchers bissige Bildsprache und Edward Nortons erschöpfte Erzählstimme haben noch immer Wirkung, doch Brad Pitt ist so charismatisch, dass der Film Tyler Durden schneller glorifiziert, als er ihn wieder demontieren kann. Konsumkultur, Männlichkeit, Terrorismus und psychischer Zusammenbruch werden zu einem selbstbewussten Manifest mit angehängtem Twist verdichtet. Die Satire verdient eine ernsthafte Auseinandersetzung; die pseudo-rebellische Lifestyle-Marke, die daraus entstanden ist, verdient hingegen eher eine ausgiebige Dusche und vielleicht einmal frisch bezogene Bettwäsche.

| © Fox 2000 Pictures

15. Der Pate – Teil II (1974)

Der Pate – Teil II als überbewertet zu bezeichnen, klingt fast so, als würde man sich freiwillig dafür melden, bei den Fischen zu schlafen. Halten wir also zuerst das Offensichtliche fest: Pacino ist eiskalt, De Niro großartig und die parallel erzählten Zeitebenen enorm ambitioniert. Ketzerei beginnt erst dort, wo Fans darauf bestehen, dass der Film automatisch besser sein müsse als sein Vorgänger. Michaels politische Geschäfte in Kuba und Nevada können distanziert wirken, Hyman Roth kommt nie an die markanten Gegenspieler des ersten Films heran, und die Passagen um Vito gewinnen einen großen Teil ihrer Wärme daraus, dass sie eine Entwicklung erneut erzählen, deren Ausgang längst bekannt ist. Monumentales Filmemachen bleibt monumentales Filmemachen – selbst wenn sich drei Stunden und zweiundzwanzig Minuten gelegentlich auch exakt so lang anfühlen.

| © Paramount Pictures

14. Pulp Fiction (1994)

Quentin Tarantino hat weder das nichtlineare Erzählen noch coole Gangster oder belanglose Gespräche kurz vor plötzlichen Gewaltausbrüchen erfunden – auch wenn sich jahrzehntelange Filmdiskussionen manchmal so angehört haben, als hätte er auf all das ein Patent angemeldet. Pulp Fiction ist nach wie vor witzig, zitierfähig und strukturell clever, mit Darstellern, die förmlich unter Strom stehen. Gleichzeitig gibt es Passagen, deren Reiz fast ausschließlich davon abhängt, wie sehr man Tarantinos Stimme, seine Musikauswahl und sein Selbstbewusstsein dabei genießt, jede Szene ausgiebig sich selbst bewundern zu lassen. Aus Einfluss ist inzwischen fast Unantastbarkeit geworden: Kritisiert man auch nur ein Gespräch im Diner, erklärt einem sofort jemand anhand einer Serviette die Chronologie.

| © Miramax Films

13. The Wolf of Wall Street (2013)

Drei Stunden voller Kokain, Betrug, Geschrei, Nacktheit und Quaaludes können berauschend sein; spätestens bei der vierten Verkaufspredigt über Maßlosigkeit beginnt das Ganze jedoch selbst wie genau das zu wirken, was Martin Scorsese angeblich kritisieren will. The Wolf of Wall Street nutzt Leonardo DiCaprios komödiantische Energie gnadenlos aus und zieht das Publikum direkt in Jordan Belforts Gier hinein, während die Opfer auf Distanz bleiben und die Kriminellen eine spektakuläre Szene nach der anderen bekommen. Satire braucht keine moralischen Belehrungen, doch durch die ständige Wiederholung kann die Entlarvung irgendwann in Verherrlichung übergehen. Der Film versteht sehr genau, dass moralischer Verfall unterhaltsam sein kann – und wirkt dann fast selbst zu begeistert von dieser Erkenntnis, um rechtzeitig aufzuhören.

| © Red Granite Pictures

12. Shutter Island (2010)

Martin Scorsese inszeniert Shutter Island, als hätte jeder Korridor ein Geheimnis verschluckt, und türmt Gewitterwolken, bedrohliche Musik, Traumsequenzen und genug misstrauische Blicke aufeinander, um eine bundesweite Ermittlung auszulösen. Die Atmosphäre ist großartig, und DiCaprio verleiht dem Rätsel unter all seiner Pulp-Mechanik eine echte emotionale Tragik. Leider kündigt sich der zentrale Twist schon früh an und wartet dann mehr als zwei Stunden darauf, in einer ausführlichen Erklärung genau das zu bestätigen, was viele Zuschauer längst vermutet haben. Beim erneuten Anschauen entdeckt man zwar sorgfältig platzierte Hinweise, gleichzeitig fällt aber auch auf, wie stark der Film davon abhängt, dass sich Figuren eher wie Schauspieler verhalten, die eine Enthüllung schützen sollen, als wie echte Menschen.

| © Paramount Pictures

Best Movie Adaptations of Books The Shawshank Redemption

11. Die Verurteilten (1994)

Das Kabelfernsehen machte aus Die Verurteilten, der im Kino zunächst eher mäßig erfolgreich war, im Laufe der Jahre so etwas wie ein vertrautes Familienerbstück unter den Filmen. Morgan Freemans Erzählstimme, Thomas Newmans Musik und die zentrale Freundschaft machen leicht verständlich, warum der Film emotional so gut funktioniert. Der Titel bester Film aller Zeiten ist allerdings eine deutlich größere Last, als dieses Hochglanz-Gefängnismärchen bequem tragen kann. Die Bösewichte bestehen praktisch aus reiner Grausamkeit, Andy Dufresne grenzt mit seinen Fähigkeiten beinahe an Heiligkeit, und das Finale verpackt Hoffnung, Gerechtigkeit und Flucht in ein fast schon verdächtig befriedigendes Gesamtpaket. Wunderschönes emotionales Wohlgefühl ist eben nicht dasselbe wie unerreichte filmische Komplexität.

| © Castle Rock Entertainment

10. Inception (2010)

Ein Flur dreht sich, Paris klappt nach oben und Hans Zimmers Bläser verkünden, dass Denken jetzt zum Kontaktsport geworden ist. Inception liefert Blockbuster-Spektakel mit ungewöhnlich viel Selbstbewusstsein, doch sein Ruf als nahezu undurchdringlich komplexer Film beruht zu einem guten Teil darauf, dass Figuren Regeln erklären, während sie zügig zur nächsten Demonstration marschieren. Cobbs Trauer gibt der ganzen Konstruktion ein menschliches Zentrum, auch wenn Mal eher wie Schuldgefühle mit Gesicht funktioniert als wie eine vollständig ausgearbeitete Figur. Christopher Nolan hat eine raffinierte filmische Puzzlebox gebaut; das Publikum verbrachte anschließend Jahre damit, diese Box zu polieren und über den Kreisel zu diskutieren, als bräuchte emotionaler Abschluss einen notariell beglaubigten Lösungsschlüssel.

| © Warner Bros. Pictures

9. The Matrix (1999)

Rote Pillen, schwarzes Leder, Bullet Time und Verweise auf philosophische Werke schufen einen Actionfilm, der so einflussreich wurde, dass seine Begriffe längst in den Alltag übergegangen sind. Matrix hat die visuelle Filmsprache zweifellos verändert, und die Wachowskis verbanden Cyberpunk, Martial Arts, Anime, Religion und Simulationstheorie mit beeindruckender Selbstsicherheit. Inhaltlich sind die Ideen jedoch oft eher breit angelegt als wirklich tiefgründig, während Neo einen Großteil des Films als ziemlich unbeschriebenes Messias-Blatt verbringt, dem charismatischere Figuren die Welt erklären. Revolutionäre Technik verdient Anerkennung. Problematisch wird es erst, wenn jede bedeutungsschwangere Zeile wie ein neu entdecktes Gesetz des menschlichen Bewusstseins behandelt wird – dann beginnt das Ladeprogramm langsam zu spinnen.

| © Warner Bros. Pictures

Ranking All Jurassic Park Movies Jurassic Park

8. Jurassic Park (1993)

Der T-Rex sieht noch immer großartig aus, die Küchenszene bleibt eine Meisterklasse in Sachen Spannung, und John Williams könnte vermutlich selbst einen Parkausweis majestätisch klingen lassen. Jurassic Park hat sich seinen Platz in der Filmgeschichte mit Effekten verdient, die digitale Kreaturen und Animatronics bemerkenswert überzeugend miteinander verbanden. Schwieriger zu verteidigen ist allerdings der Status als makelloses Meisterwerk: Mehrere Figuren funktionieren vor allem als bunte Archetypen, die ethische Debatte weicht schnell dem reinen Überlebenskampf, und im Finale platzt buchstäblich ein Dinosaurier in den Raum, um die Rettung zu übernehmen. Steven Spielberg hat eine außergewöhnliche Achterbahnfahrt geschaffen. Fans beschreiben den Film gelegentlich allerdings so, als hätten die Velociraptoren nebenbei auch noch Shakespeare geschrieben.

7. Vom Winde verweht (1939)

Scarlett O’Hara überlebt Krieg, Armut, schlechte Ehen und fast vier Stunden damit, Scarlett O’Hara zu sein – eine Ausdauerprüfung, die auch jeder durchmacht, der Vom Winde verweht schaut. Die gewaltige Inszenierung, die Kostüme, die Farbfotografie und Vivien Leighs Darstellung bleiben beeindruckende Bestandteile der Filmgeschichte. Das gilt allerdings ebenso für die romantisierte Plantagenfantasie des Films, die die Sklaverei verharmlost und die besiegten Konföderierten durch den nostalgischen Schleier des Lost-Cause-Mythos betrachtet. Technische Bedeutung kann ideologische Abgründe nicht auslöschen, und epische Länge sorgt nicht automatisch für epische Erkenntnisse. Offen gesagt könnte der Ruf des Films ruhig etwas mehr Wert auf den historischen Kontext legen.

6. The Artist (2011)

Ein schwarz-weißer Stummfilm, der den Oscar als Bester Film gewinnt, klang zunächst ziemlich gewagt – bis sich The Artist als eine der denkbar sichersten Liebeserklärungen an das Kino entpuppte. Jean Dujardin ist mühelos charmant, Bérénice Bejo strahlt, und selbst Hund Uggie weiß ganz genau, wo die Kamera steht. Unter der formalen Besonderheit steckt allerdings eine vertraute Mischung aus Ein Stern geht auf und Du sollst mein Glücksstern sein, vereinfacht zu einer süßen Aufstiegs-und-Fall-Romanze, die nur selten echte Reibung wagt. Die Academy belohnte Nostalgie im Gewand eines Experiments, und das Publikum bewunderte den Film anschließend höflich einmal, bevor es ihn wieder in die Zeitkapsel der Awards-Saison zurücklegte.

5. Blade Runner 2049 (2017)

Roger Deakins kann selbst eine Betonwand so fotografieren, als wäre sie die letzte Erinnerung der Menschheit, weshalb es Blade Runner 2049 nie an visueller Größe mangelt. Denis Villeneuve erweitert die Welt des Originals mit viel Geduld und beeindruckender Dimension, während Ryan Gosling K eine stille, verletzte Tiefe verleiht. Geduld wird über die knapp drei Stunden Laufzeit allerdings irgendwann zum Ausdauersport – zwischen feierlichem Herumlaufen, donnerndem Sounddesign und Dialogen, die gefühlt immer wieder kurz pausieren, damit man die Beleuchtung bewundern kann. Jared Leto wirkt, als wäre er aus einem deutlich theatralischeren Film hereingewandert, und die Frauenfiguren bleiben häufig Projektionen männlicher Sehnsüchte. Wunderschöne Melancholie braucht trotzdem ein gewisses Maß an erzählerischer Disziplin.

4. Joker (2019)

Joaquin Phoenix nimmt drastisch ab, verrenkt seinen Körper, lacht sich durch den Schmerz und spielt mit einer solchen Hingabe, dass Joker seine geliehenen Ideen stellenweise tatsächlich wie etwas völlig Neues erscheinen lässt. Todd Phillips taucht Gotham in den schmutzigen Look von Taxi Driver und The King of Comedy und liefert anschließend Gesellschaftskritik, die vage genug bleibt, damit fast jeder darin eine Bestätigung der eigenen Weltanschauung sehen kann. Arthur Flecks Demütigungen werden eindringlich dargestellt, doch die Nebenfiguren existieren größtenteils nur, um ihn zuverlässig zu ignorieren, zu verspotten oder zu verraten. Im Zentrum steht eine beeindruckende Performance – in einem Film, dessen Ernsthaftigkeit immer wieder mit tatsächlicher Tiefe verwechselt wurde.

3. Gravity (2013)

Gravity in 3D auf einer riesigen Leinwand zu sehen, fühlte sich an, als würde man ohne Einverständniserklärung direkt ins All geschossen. Alfonso Cuarón und sein Visual-Effects-Team erschufen ein beeindruckendes Gefühl für Bewegung, Größenverhältnisse und körperliche Verletzlichkeit, während Sandra Bullock lange Passagen nahezu allein trägt. Nimmt man jedoch das Kinoerlebnis weg, wirkt das dramaturgische Gerüst erstaunlich dünn: Eine Katastrophe folgt auf die nächste, Dialoge erklären Dinge, die Stille ebenso gut vermitteln könnte, und die Trauer der Hauptfigur wird in einen vertrauten Überlebensbogen verpackt. Aus einem technischen Meilenstein wurde so schnell ein vermeintlich vollständiges Meisterwerk – als würde die Schwerelosigkeit auch für das Drehbuch gelten.

2. Titanic (1997)

James Cameron rekonstruierte den dem Untergang geweihten Ozeandampfer mit geradezu obsessiver Präzision, inszenierte sein Sinken mit erschreckender Klarheit und machte Titanic zu einem weltweiten emotionalen Ereignis. Das handwerkliche Niveau ist gewaltig; die Liebesgeschichte, die den Film trägt, deutlich gewöhnlicher. Jack und Rose sind sympathische Archetypen, Cal benimmt sich wie ein Bösewicht, der seinen Schnurrbart verlegt hat, und manche Dialogzeilen treffen mit ungefähr so viel Feingefühl wie lose Möbel beim Aufprall. Die Klassenkritik funktioniert in breiten Strichen, weil wirklich jeder Zuschauer im Saal ihr folgen soll. Spektakel, Aufrichtigkeit und Größe schrieben Filmgeschichte – aber sie verwandelten Melodram nicht plötzlich in subtiles Schreiben.

1. Avatar (2009)

Pandora ist so wunderschön, dass die Erde daneben fast wie ein Wartezimmer wirkt, und James Camerons Performance-Capture-Technologie brachte das Blockbusterkino technisch deutlich voran. Die Handlung von Avatar – Aufbruch nach Pandora folgt dagegen einem äußerst vertrauten kolonialen Bekehrungsmuster: Ein Außenseiter schließt sich einer indigen codierten Kultur an, führt ihren Widerstand an, besiegt seine früheren Leute und wechselt schließlich dauerhaft in einen neuen Körper. Die Welt der Na’vi ist detailreich gestaltet, doch Jake Sully und Colonel Quaritch bleiben eher breit gezeichnete Zweckfiguren, während die Dialoge auf maximale internationale Verständlichkeit ausgelegt sind. Eine visuelle Revolution kann eben trotzdem eine Geschichte erzählen, die aus längst bekannten Einzelteilen zusammengesetzt wurde. | © 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment