Die einzigartigsten Grafikstil-Konzepte in Videospielen

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Adrian Gerlach

Gaming - August 3rd 2025, 15:00 MESZ

Video game styles Yarn — 1. Stoff und Garn

Kuschelig, knuffig und hoffentlich knautschfrei – wenn eine Welt wie ein zum Leben erwachter Wandteppich aussieht, kann man gar nicht anders, als bei dem Anblick in Erinnerungen an strickende Omas und warme Wollpullover zu schwelgen. Die einzigartigen Gameplay-Möglichkeiten, welche dieser Grafikstil für Videospiele bietet, kommen vor allem dann zum Vorschein, wenn ein bereits existierendes Franchise ihn plötzlich übernimmt: Sei es nun Kirby, der in *Kirby und das magische Garn* (2010) seinen Körper als Peitsche aufrollen kann, die aus Wunderwolle zusammengesetzten Yoshis in Yoshi's Woolly World (2015) oder das Pieksen von Gegnern mit Stricknadlen in *Kirby und das extra magische Garn* (2019): Die Textilindustrie kann überraschend viel Spaß bieten. Auch die fadenbasierten Rätsel in *Unravel* (2016) sollen hier nicht unerwähnt bleiben. | © Nintendo, Electronic Arts

Video game styles Papercraft — 2. Papiermodell

Papierdünn und doch voller Charme – wenn ein Spiel so aussieht, als hätten die Entwickler jedes Modell selbst bemalt und zusammengefaltet, kann dies zur Grundlage für ganz neue Geschichten werden. So beispielsweise in der *Paper-Mario*-Reihe, in deren Zuge sich der namensgebende Klempner im Scherenschnitt je nach Spiel zu einem Papierflieger falten oder mit Stickern, Farbe und lebendigen Büroutensilien herumschlagen muss. Solch direkte Erweiterung der Gameplay-Möglichkeiten durch visuelles Design findet sich auch in *Tearaway* (2013), wo Spieler die kreativ zusammengebastelte Welt per Touch-Steuerung genau so verschieben und zerrupfen können, wie es mit echten Papier-Dioramen der Fall wäre. Und dann gibt es noch *And Yet It Moves* (2009), welches den Spieler dazu auffordert, eine Collage-Welt nach Belieben zu drehen, um mithilfe der Schwerkraft verschiedene Rätsel zu lösen. All diese Spiele schaffen es so, wie echte Handarbeit zu wirken. | © Nintendo, Sony Computer Entertainment, Broken Rules

Video game styles Film Noir — 3. Film noir

Lauernd, lichtarm und direkt von der Leinwand – ganz im Stil der 1930er Kriminalfilme, welche sie inspirierten, könne Film-noir-Spiele selbst die einfachsten Geschichten zu atmosphärischen Meisterwerken der Entfremdung machen. *Limbo* (2010) fällt einem hier wohl als erstes ein. Starke Hell-Dunkel-Kontraste, bedrohliche Silhouetten und das Fehlen von Dialogen verleihen dem Plattformer Spannung und eine gewisse Gravitas. *Renoir* (2016) geht noch einen Schritt weiter und ergänzt seine düstere, kontrastreiche und faszinierende 2,5D-Stadtlandschaft mit Charakteren und Geschichten im Stil der filmischen Vorlage. Toby: The Secret Mine (2015) nutzt das genretypische Spiel mit Licht und Schatten, um in letzterem seine Gefahren und Geheimnissen zu verbergen. Für Indie-Entwickler ist dieser Stil die perfekte Wahl – atmosphärisch, vergleichsweise ressourcenschonend und emotional tiegreifend. | © Playdead, Fulqrum Publishing, Lukáš Navrátil

Video game styles Impressionism — 4. Impressionistisches Gemälde

Farben statt Formen und ein Spiel mit Reflexionen – hiermit kommen wir lebendigen Leinwänden wohl am nächsten. In 11-11: Memories Retold (2018) wird diese Ästhetik mit einer umwerfenden emotionalen Wirkung eingesetzt: Unter den Pinselstrichen verschwimmen die Schrecken des Ersten Weltkriegs zur ganz persönlichen menschlichen Tragödie der Protagonisten. *The Master’s Pupil* (2023) setzt seine impressionistische Vorlage etwas direkter um, indem es seine Geschichte aus der Perspektive Claude Monets erzählt. Über die siebenjährige Entwicklungszeit wurde jedes Level sorgfältig von Hand gemalt, sodass sie sich beim Erkunden anfühlen wie eine interaktive Galerie. Ein impressionistisches Grafik-Konzept in Videspielen eröffnet neue Möglichkeiten für Darstellung und Transport von Emotionen. Hier wird jeder einzelne Frame zu einem Kunstwerk. | © Bandai Namco Entertainment, Pat Naoum

Video game styles Crayon — 5. Bunststift-Skizze

Schludrig, schlampig – und gleichzeitig nostalgisch verspielt: Was einst aus Langeweile in Schulhefte gekritzelt wurde, wird hier zu Kunst. *Crayon Physics Deluxe* (2009) etwa fordert den Spieler dazu auf, zur Lösung der vielen Rätsel eigene Objekte wie Felsen oder Brücken in die Welt hineinzuzeichnen. *Kirby’s Dream Land 3* (1997) lässt seine Farben zwischen angrenzenden Pixeln überfließen, um es so wirken zu lassen, als hätten die Entwickler bei jede Wolke und jedem Charakter ganz leicht über die Linie gemalt. *Doodle Jump* (2009) widmet sich sich voll und ganz dem Notizbuch-Look – komplett mit Millimeterpapier-Hintergrund und skizzenhaften Monstern. Zu guter Letzt sei noch erwähnt, dass es die *Drawn-to-Life*-Reihe Spielern ermöglicht, eigene Gameplay-Elemente zu designen; allerdings mit so begrenzten Mitteln, dass sie tatsächlich wie Bunstift-Skizzen aussehen. | © Petri Purho, Nintendo, Lima Sky

Video game styles Stained Glass — 6. Glasmalerei

Die elegante Komplexität eines Buntglasfensters kann als Grafikstil-Konzept in einem Videospiel Gameplay und Geschichte gleichermaßen mit einer sakralen Atmosphäre aufwerten. *Saga of Sins* (2023) beispielsweise ist offen von Hieronymus Bosch inspiriert und nutzt dessen Stil, um eine Welt der Sünde und des Kampfs mit der eigenen Moral darzustellen. Die markante visuelle Gestaltung unterstreicht die düstere Erzählung des Spiels. *Gleamlight* (2020) verwendet leuchtende Glastexturen, um jedes Level wie eine zarte und zerbrechliche Welt wirken zu lassen. Die Lichteffekte beeinflussen auch die Strategie des Spielers, während er durch die leuchtenden Labyrinthe navigiert. In *The Land of Glass* (2019) wiederum wird die Glasmalerei zum Symbol für Veränderung, Fortschritt und den Lauf der Zeit. | © Just for Games SAS, D3 Publisher, Dual Wield Software

Video game styles Pottery — 7. Schwarzfigurige Keramik

Mutig, mächtig, museumswürdig – die Nachahmung des schwarzfigurigen Stils antiker griechischer Keramik hat sich in Videospielen als visuell fesselnd erwiesen. *Apotheon* (2015) verschreibt sich gänzlich diesem Konzept und stellt seine gesamte Welt als überlieftertes Kunstwerk aus der Antike dar. Der Fokus des Spiels auf die griechische Mythologie harmoniert perfekt mit der Stilwahl und lässt jede Interaktion wie Teil einer zeitlosen Geschichte erscheinen. Auch wenn die *Patapon*-Reihe offiziell nicht direkt von derselben Quelle inspiriert wurde, rufen ihre primitiven Designs mit kräftigen Linien Erinnerungen an denselben grafischen Minimalismus hervor. Dass der Spieler seine Patapon-Krieger in den Dienst ihrer Gottheit stellt, erinnert ebenfalls an aus der Antike wohlbekannte Motive. So verschmelzen hier Kunst und Mythologie. | © Alientrap, Sony Computer Entertainment

Video game styles Claymation — 8. Knetanimation

Gleichermaßen formbar wie fantastisch kann eine virtuelle Imitation des Animationsstil von Klassikern wie *Pingu*, *Plumps* oder *Shaun das Schaf* auch in Videospielen ganz neue Türen öffnen. Der *ClayFighter*-Reihe etwa erlaubt die Verwendung dieses Grafikstils, dass ihre sonderbaren Knetkämpfer sich gegenseitig auf schockierend brutale Weise verletzen können, ohne sich um die Altersfreigabe sorgen zu müssen, da sie Ton statt Blut verschütten. *Kirby und der Regenbogen-Pinsel* (2015) wählt einen weicheren Ansatz in Pastellfarben: Von den Umgebungen bis zu den Charakteren entsteht eine interaktive Welt voller greifbarem, knuddeligem Charme. Dann stechen *The Neverhood* (1996) und die Fortsetzung *Skullmonkeys* (1998) mit ihrer vollständig realisierten Knetwelt hervor, in der sich jeder Charakter, jedes Rätsel und jede Animation anfühlt, als wären sie in Echtzeit erschaffen worden. Dieser Stil erschafft nicht nur eine optisch unverwechselbare Welt, sondern verbessert auch das Gameplay, indem er das Gefühl verstärkt, man könne die Welt aktiv selbst gestalten. © Interplay Productions, Nintendo, DreamWorks Interactive

Video game styles Rubber hose — 9. Rubberhose-Animation

Charakteristisch Cartoon-ähnlich – wer den Animationsstil der frühen Zeichentrick-Klassiker zu schätzen weiß, wird sich bestimmt auch bei den fließenden Übergängen und der absurden Dehnbarkeit dieser Spiele wohl fühlen. *Cuphead* (2017) ist das beste Beispiel: Das Boss-Design profitiert hier von dem übergreifenden Grafikstil sowohl im Konzept (viele Charaktere und Angriffe sind klare Referenzen an Rubberhose-Cartoons) als auch spielerisch (die flüssige Animation ermöglicht klar erkennbare Angriffsmuster). Jeder Boss dehnt und verformt sich, um den Kampf visuell dynamisch und einzigartig herausfordernd zu machen. Der First-Person-Shooter *Mouse: P.I. for Hire* (2025) scheint aus demselben Holz geschnitzt zu sein, mit ähnlich flüssigen Bewegungen in einer kreativen Spielwelt. *Bendy and the Ink Machine* (2017) setzt zwar nicht voll auf diese handgezeichneten Animationen, nutzt jedoch die gleiche Vorlage für seine berühmten Charaktere und seine unheimliche Spielwelt. | © Studio MDHR, PlaySide Studios, JoeyDrew Studios

Video game styles Ukiyoe — 10. Ukiyo-e-Farbholzschnitte

Die eleganten „Bilder der fließenden Welt“ aus der japanischen Edo-Zeit bleiben mit ihren asymmetrischen Pinselstrichen, ungewöhnlichen Winkeln und komplexen Muster in flachen Farben nach wie vor beeindruckend. *Ōkami* (2006) ist ein herausragendes Beispiel dafür. Es nutzt den Ukiyo-e-Stil, um Themen der japanischen Mythologie aufzugreifen, indem es deren ursprüngliches Medium, die berühmten Farbholzschnitte, imitiert. Die charakteristischen Pinselstriche werden zu einem zentralen Spielelement, das im DS-Nachfolger *Ōkamiden* (2010) weiter ausgearbeitet wurde. Hier werden die typischen wiederkehrenden Motive von Nachfolge und Wiedergeburt aufgegriffen. *Haiku Adventure* (ursprünglich 2019) schöpfte mit handgefertigter Animation explizit aus der Ukiyo-e-Kunst zielte darauf ab, durch poetische Rätselmechaniken eine „magisch-realistische Erzählung“ zu bieten. Obwohl es bereits in der William Morris Gallery vorgeführt wurde, scheint die Entwicklung zum Erliegen gekommen zu sein. Somit dient der vielversprechende Trailer als letztes Überbleibsel eines Spiels, welches –wie die Kunst, die es inspirierte – ein zu frühes Ende fand. | © Capcom, Small Island Games

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Für viele moderne Videospiele, vor allem für AAA-Titel, scheint eine möglichst realistische Grafik das Nonplusultra zu sein. Dennoch sollte man nicht vergessen, welche Vorteile es mit sich bringen kann, wenn sich ein Spiel eine etwas ungewöhnlichere visuelle Identität zueigen macht.
Ein bestimmtes Material oder Genre kann dabei nicht nur zum echten Hingucker werden, sondern auch zum Dreh- und Angelpunkt des Gameplays und der Story. Manchmal passt so ein Konzept auch schlicht besser zur Vision oder den Ressourcen des Entwicklers.

Wir haben euch in der Vergangenheit schonmal von einzelnen Videospielen erzählt, die durch ihr Aussehen hervorstechen, aber hier möchten wir vielmehr darauf eingehen, wie bestimmte Grafikstil-Konzepte in ihren jeweiligen Spielen mehr als nur die Erscheinung verändern.

Egal, ob ihr nun Videospielentwickler in spe auf der Suche nach Inspiration oder einfach neugierig auf eine Erkundungstour der Schnittstelle zwischen Videospielen und Kunst seid: Hier erfahrt ihr mehr über die 10 einzigartigsten Grafikstil-Konzepte in Videospielen.